El túnel del tiempo de los millonarios – El Museo de River Plate


Retoques finales en la fachada sobre Av. Figueroa Alcorta. / Crédito: Prensa River Plate
Retoques finales en la fachada sobre Av. Figueroa Alcorta. / Crédito: Prensa River Plate

El lunes próximo se inaugurará oficialmente el Museo de River, una obra de 3500 metros cuadrados que recorre su rica historia

Martin Castilla

Las obras no cesan por ese recorrido en el que se expresa la historia de River. El lugar, junto al Monumental, luce impactante e impecable, aun cuando se observan escombros y detalles sin terminar en una obra criticada en sintonía con los coletazos internos de una campaña política inevitable. El lunes próximo será la inauguración oficial de los 3500 metros cuadrados dentro de los cuales se podrá recorrer, con todos los sentidos, el pasado millonario desde sus comienzos hasta el día de la fecha. Para el público estará abierto a partir del 25 de este mes.

Sorprende la locomotora de siete toneladas, confeccionada manualmente, que ocupa un lugar preferencial, debajo de las imágenes de Muñoz, Moreno, Pedernera, Labruna y Lostau. Este espacio está ambientado en una vieja estación de tren repleta de infografías de aquellos equipos y con un microcine que exhibirá la historia de aquel glorioso plantel.

El acceso al hall de ingreso será libre y gratuito. De esa manera, quien pretenda comprar una camiseta podrá pasar a la tienda sin estar obligado a pagar la entrada, que se estima que rondaría los 18 pesos.

El museo cuenta con varios salones temáticos. Uno dedicado a los trofeos, otro al estadio. Habrá un sector para los jugadores que vistieron la camiseta de River, un tributo a las inferiores, a los embajadores en la selección, una sala de técnicos y presidentes (con biblioteca y salón de usos múltiples) y otro para revivir los goles inolvidables de todas las épocas. El recorrido, que demandará al menos 90 minutos, terminará en los locales de merchandising.

desde El túnel del tiempo de los millonarios – canchallena.com .

River inaugura su museo

Las autoridades de River se preparan para inaugurar en hoy el museo en el que se mostrará la historia del club y los logros de sus ídolos, además de las distintas expresiones de socios e hinchas. El miércoles 25 será la apertura al público.
River buscará además que, por sus características arquitectónicas, tecnológicas y escenográficas, el museo se convierta en un punto de atracción turística. «Sin dudas, vas a ser el más importante de su tipo construído en el mundo», señalaron desde el club.

Inauguran el Museo de River

El lunes se inaugura el Museo de River, una obra de 3500 metros cuadrados que recorre su rica historia. Una de sus atracciones es una estación de tren con infografías de equipos del pasado y un microcine que exhibirá la historia del club.

Sitio Oficial River Plate
El Museo River se inaugura el 9 de noviembre
La Comisión Directiva del Club Atlético River Plate aprobó anoche por unanimidad los detalles de inauguración y funcionamiento del Museo River, el proyecto institucional más ambicioso e importante de los últimos años de la historia riverplatense. El acto de inauguración será el lunes 9 de noviembre exclusivamente para invitados especiales. El miércoles 25 será la apertura al público.

Actualización: 13 de julio de 2010

Acceso. Se aprovechó el muro cortina para brindar luz natural al área más pública del museo. Foto: Clarín.com Arquitectura
Acceso. Se aprovechó el muro cortina para brindar luz natural al área más pública del museo. Foto: Clarín.com Arquitectura

La “Máquina” del tiempo

Por Ariel Hendler

El expertise no sabe de simpatías futbolísticas: el mismo equipo que en su momento fue responsable del Museo de la Pasión Boquense se encargó recientemente del proyecto del Museo River. Convocados nuevamente por la empresa Museos Deportivos, el estudio Lopatin Arquitectos y el multifacético Héctor Berra (escenógrafo, director teatral, diseñador de espectáculos multimedia) erigieron una caja de hormigón que vista desde afuera parece un simple volumen auxiliar al estadio, del que lo separan unos pocos metros, pero que por dentro se revela como una verdadera caja de sorpresas.

“Cuando empezamos con esta temática lo hacíamos como arquitectos, diseñando los espacios –explica Ignacio Lopatin, titular del estudio–, pero Héctor introdujo el tema de los contenidos, de la pasión, distinto al arquitectónico, y tuvimos que adaptarnos. Al final, resultó un trabajo interdisciplinario”, agrega. Un ejemplo: la arquitectura se preocupa por temas como el asoleamiento y la luz natural, mientras que el diseño escenográfico busca controlar el ingreso de luz para crear sombras, efectos teatrales y cajas negras en las que se despliegan las distintas escenas. Hasta hubo que cerrar la lucarna del edificio para que el sol no interfiriera con el clima buscado. Berra, quien fuera el responsable de las proyecciones en la fachada del Teatro Colón en los festejos del Bicentenario, lo sintetiza en una frase: “Dominar la luz equivale a dominar la escena”.

El jardín escuela Cristobal M. Hicken cumplió 95 años | Paisajismo, Argentina


El jardín escuela Cristobal M. Hicken cumplió 95 años
El jardín escuela Cristobal M. Hicken cumplió 95 años

Para celebrar su aniversario, el establecimiento educativo desarrolló la 53° Semana de la Botánica y la Jardinería.

El (día) 4 de este mes se cumplió el 95 aniversario de la Escuela de Jardinería «Cristóbal M. Hicken», primer establecimiento educativo comunal. Conjuntamente desarrollamos la 53º Semana de la Botánica y la Jardinería, la cual tiene como eje temático «Los Jardines en la Antiguedad«. Las actividades de esta exposición estuvieron a cargo de alumnos y profesores de la escuela.

Como cierre de su exitosa Semana de la Botánica, que coincide con el festejo del aniversario de la institución, la Escuela Técnica de Jardinería «Cristóbal Hicken» realizará un gran espectáculo coral al aire libre en el Jardín Botánico.

Se ejecutará un fragmento de la Misa Criolla, cantada por un coro de más de cien integrantes. El espectáculo tendrá lugar el sábado 7 de noviembre, a las 14,30 hs., en Las Heras 4078.

desde El jardín escuela Cristobal M. Hicken cumplió 95 años | Revista Jardín.

(la nota contiene galería con 18 fotos)

Construyendo un sueño – Cultura – España :: Dibujo :: Arquitectura


«El Paseo del Prado y el Paseo de Recoletos desde la Fuente de los Cuatro Estaciones», obra de Antonio González Velázquez
«El Paseo del Prado y el Paseo de Recoletos desde la Fuente de los Cuatro Estaciones», obra de Antonio González Velázquez

SUSANA GAVIÑA | MADRID

«El dibujo es, por lo general, el nexo de unión entre lo que el arquitecto sueña y lo que realiza», reza una de las páginas del catálogo de la exposición «Dibujo de arquitectura y ornamentación del siglo XVIII», organizada por la Biblioteca Nacional (BN) que hasta el 22 de noviembre, tiende ciento setenta puentes, entre lo soñado y lo construido, aunque algunos no fueron más que fantasías efímeras. Estos puentes están firmados por arquitectos españoles, franceses e italianos, como Isidro Velázquez, Silvestre Pérez, Filippo Juvarra, Ventura Rodríguez, Juan de Villanueva, Jean-Françoise Blondel y Giovanni Battista Sacchetti.

La muestra, que ha contado con la colaboración de la Fundación Banco de Santander, reúne una pequeña selección de todos los fondos que reúne la BN. En total son 1.200 dibujos, recopilados ahora en un volumen que verá la luz el próximo 21 de octubre. Este amplio trabajo es también la continuación de otro sueño que comenzó hace casi veinte años, «cuando Fusi era director de la BNE», recuerda Delfín Rodríguez, historiador del Arte y comisario de esta exposición. El sueño consistía en reunir en tres volúmenes todos los dibujos e ilustraciones, del siglo XVI al XIX, relacionados con la arquitectura, que la BN albergaba entre sus muros.

desde Construyendo un sueño – Cultura – ABC.es.

El arte digital se cita en Buenos Aires hasta el domingo :: «Cultura y Media»


Cultura y Media – 4ª Edición / Tiempo Real
Cultura y Media – 4ª Edición / Tiempo Real

El jueves comenzó la cuarta edición de «Cultura y media«, la tarjeta de presentación del futuro Centro de Desarrollo Multimedia que funcionará a partir de 2010 en el Centro Cultural San Martín de la Ciudad de Buenos Aires. Esperan recibir cerca de 20 mil visitantes.

Por: Guido Carelli Lynch

«Tiempo Real» es el leitmotiv de la cuarta edición del festival de arte digital, que junto con iniciativas como One Dot Zero, conforman la punta de lanza del mapa del arte digital y multimedia en Buenos Aires.

En tiempo real también ocurren las instalaciones, las performances y los recitales que se congregan en este concepto pensado por el trío de curadores que conforman Graciela Taquini, Jorge Zuzulich y Natalia Rizzo. Se suman también los aportes de Rodolfo Hermida, Juan Aramburu y la supervisión de la directora general del centro cultural, María Victoria Alcaraz, una feliz excepción de (la falta) de continuidad de políticas culturales en la ciudad de Buenos Aires, que ya sobrevivió a tres administraciones porteñas.

Un laboratorio de producción multimedia, elaborado por Shared Canvas, el colectivo que integró a Estado lateral, Late y Lucas DM –tres de los grupos más destacados del arte digital local, artistas callejeros interviniendo la fachada de uno de los centros culturales más importantes de la Ciudad y sus ascensores. Todo puede ocurrir, también se reproducen películas y cortos en programación continuada de distintos festivales internacionales: el Viba, Óptica, Kansk Video Festival y 1000 Metros bajo tierra.

desde El arte digital se cita en Buenos Aires hasta el domingo.

Cultura y Media – 4ª Edición / Tiempo Real

Desde el 5 hasta el 8 de Noviembre de 2009

Desde su aparición, en el año 2006, y con el bagaje acumulado en tres ediciones en los años sucesivos, Cultura y Media se ha consolidado como un referente ineludible de un territorio que proporciona una nueva forma de ver el mundo fundado en la intersección entre las nuevas tecnologías digitales y la cultura. Esta cuarta edición presenta la problemática del Tiempo Real como eje de trabajo para las diferentes áreas que la conforman. Si bien este concepto puede asociarse a las denominadas artes performáticas (teatro, danza, música), en donde el suceso artístico transcurre ante la presencia del público, es con el desarrollo tecnológico a partir del cual puede vislumbrarse una nueva dimensión para el mismo.

Las manos en la masa – Workshop Adobe: Material Natural


Muro de adobe y piedra en una antigua casa de la provincia de Burgos (España).
Muro de adobe y piedra en una antigua casa de la provincia de Burgos (España).

El workshop Adobe: Material Natural apuntó a incluir este material de tradición artesanal en el imaginario del diseño actual para generar valor desde los recursos disponibles, con criterios eco sustentables.

Fernanda Martínez, Especial para Clarín .

En el marco de las 130 actividades organizadas en el Mes del Diseño en Buenos Aires, el estudio Diseñaveral organizó el workshop Adobe: Material Natural, con el objetivo de desarrollar una experiencia en torno a la utilización del adobe como un material posible de ser abordado desde el diseño. Profesionales y estudiantes provenientes de diferentes ramas de la disciplina pudieron asistir a un taller de seis encuentros, en el que trabajaron con este material con tradición artesanal.
El estudio Diseñaveral está integrado por Maximiliano Cifuni y Leandro Laurencena y basa su trabajo en la investigación material. Tras ser convocados para coordinar el evento, Cifuni y Laurencena intentaron plasmar una característica de trabajo basado «en la exploración como herramienta orientada a descubrir nuevas oportunidades para los materiales y las tecnologías, pensando en los materiales como generadores de identidad estratégica».

Desde el primer día se trabajó en grupos y de manera multidisciplinaria. También hubo invitados especiales, que transmitieron sus propias experiencias y conocimientos. Uno de ellos fue el arquitecto «Chacho» Pereyra, quien propuso reflexionar sobre el sentido del workshop en el contexto de un movimiento emergente llamado «eco-proyecto» que postula como ideas fundamentales la autoconstrucción, la valoración de los recursos disponibles y la utilización de criterios de diseño eco sustentables.El momento más divertido del taller fue la visita a la Ecovilla Chobita, en Cañuelas, provincia de Buenos Aires, construida totalmente en adobe, donde los participantes se animaron a meter las patas en el barro y se sumergieron en un piletón de barro con paja y arena para preparar el material y luego construir paredes con su propio adobe.»La experiencia es muy interesante porque tiene mucho de lúdico. El barro es como un juguete de la infancia, y desde que somos pequeños nos permite encontrarnos con la materialidad», sostuvo Laurencena.
En todos sus encuentros, el workshop giró en torno a una pregunta: ¿Cuál es tu adobe? El propósito fue incentivar a cada integrante para que tomara una posición frente al material, que permitiera la construcción de propuestas innovadoras tanto funcionales, técnicas, productivas y/o estéticas.

desde Las manos en la masa.

El diseño que vino del frío | Madrid | Mes del Diseño Finlandés


Casa O de A-piste
Casa O de A-piste
  • Madrid celebra durante noviembre el mes del diseño finlandés
  • Nueve exposiciones recorren las artes aplicadas en el país escandinavo

Isabel Espiño

El 1936, el arquitecto finlandés Alvar Aalto ideó un jarrón de cristal con unas formas sinuosas que recordaban a los miles de lagos de su país. Siete décadas después, el ‘jarrón Savoy‘ sigue produciéndose en las fábricas de IIaltta (una conocida firma finesa de vidrio). De Aalto a IIaltta, del diseño de los años 30 a los creadores más recientes, las artes aplicadas finlandesas llegan a Madrid en noviembre gracias al ‘Mes del diseño finlandés’. Nueve exposiciones y un amplio programa de actividades culturales paralelas que permiten aproximarse a las creaciones escandinavas.

El ‘Savoy’, con sus formas orgánicas y simples, resume a la perfección el concepto del ‘Finnish design que comenzó a triunfar en los años 50. «El diseño finlandés está basado en la funcionalidad y, sobre todo, el respeto a la naturaleza», explica Kari Korkman, director de la Helsinki Design Week y comisario de la exposición Helsinki Madrid FinDesign, inaugurada este martes en el Matadero de Madrid.

«En nuestro país tenemos muchos logros tecnológicos, como Nokia, así que el diseño incorpora ideas tecnológicas [la primera silla de oficina fabricada teniendo en cuenta los datos antropométricos fue diseñada por un finlandés, Yrjö Kukkapuro, en 1978] pero es a la vez puro y simple«, añade Korkman, a la vez que señala una lámpara, un bulbo formado por finas tiras luminosas, incluida en la exposición, que exhibe 200 creaciones de nuevos diseñadores fineses.

«El diseño finlandés actual mantiene un gusto por las formas muy sobrias, con economía en la construcción y fáciles de entender», explica el arquitecto madrileño Pedro Feduchi, también comisario de la muestra del Matadero.

desde El diseño que vino del frío | Madrid | elmundo.es.

Regalos llegados de Finlandia

Matadero expone creaciones del país nórdico hasta el mes de enero

RAFAEL FRAGUAS – Madrid

Finlandia, el país de los lagos y los hielos distante de España 3.500 kilómetros, acudió ayer a Madrid con su emblema más cálido: el diseño. La capital finlandesa, Helsinki, convertida en su metáfora, muestra en el escenario municipal del Matadero algunas de las mejores creaciones de sus ideadores, precursores del desarrollo sostenible. Su embajador fue el primer ministro del país nórdico, Matti Vanhanen, de visita oficial en España, que explicó la entidad que esa actividad ha adquirido en la nación de los lagos, tanta, que le ha conferido proyección mundial. Su secreto lo explicó así: «Armonía entre el respeto al medio ambiente y las tecnologías de la información».

Expresión de tal mixtura ha sido allí la fusión de las facultades de Arte, Tecnología y Economía, según anunció el primer ministro. Una apuesta atrevida para encarar la crisis. Ante ella surgen allí propuestas capaces de humanizar lo que el escritor estadounidense Norman Mailer denominara lifemanship, la organización de la vida cotidiana, cuyos principales ideadores fueron, son y, por lo contemplado en esta muestra, con certeza serán, los diseñadores nórdicos.

Diseño

Potencial local, calidad global

Madrid acoge las soluciones del diseño finlandés para un futuro más racional

ANATXU ZABALBEASCOA – Helsinki

«En Finlandia nos educan para que no llamemos la atención». Habla el arquitecto Juhani Pallasmaa. Su libro Los ojos de la piel (Gustavo Gili, 2006), vaticinó la actual crisis arquitectónica acusando a muchos edificios recientes de un desmesurado interés por el espectáculo. Pallasmaa partía con ventaja. En su país preparan a los ciudadanos para la humildad y la discreción con la firme creencia de que esas cualidades son la antesala de la reflexión. Así, los diseñadores más ambiciosos de Finlandia se acercan al futuro observando el presente. Y conociendo el pasado. Saben que vociferando sólo llamarán la atención un momento. Y no les tientan esos 15 minutos de gloria.

Con ese bagaje, el potencial local y la calidad global se han convertido en el sello finlandés en diseño y en arquitectura. Desde su territorio frío, de apenas cinco millones de habitantes, Finlandia le habla al mundo con la seguridad de un puñado de marcas incuestionables que han conectado con la esfera más internacional de la moda (Marimekko), la tecnología (Nokia), el diseño (Artek) o la decoración (Iitala).

Aunque en los parques de Helsinki lápidas del siglo XIX hincadas en el suelo conviven con pinos y no existe una valla que impida que la mancha de césped invada la acera, Finlandia es un país joven -se independizó de Rusia en 1917- y esmeradamente cuidado. Aquí el concepto de lo funcional está tan digerido -la lamparilla de los portales sirve de alumbrado público e ilumina también el número escrito en ella- como la idea de naturaleza -capaz de hacer convivir abedules, bayas y asfalto sin que nada tenga que perder-. Fue seguramente esa raigambre natural la que hizo que, durante décadas, la modernidad finlandesa estuviese ligada a un arquitecto que cuestionó la propia idea de la modernidad arquitectónica por inhumana. Alvar Aalto llevó hasta el Báltico tradiciones mediterráneas para idear una nueva arquitectura. Si la naturaleza fue la clave en el hacer de ese arquitecto, las generaciones posteriores necesitaron oponerse a una presencia tan destacada, hasta que supieron ver en el viejo maestro no una sombra, sino cimientos. Por eso, hoy, su legado sigue dando frutos. Y no sólo porque sus piezas de Artek continúen en producción 75 años después. La impronta de Aalto puede leerse tanto en las mesas que la arquitecta Kirsi Gullichsen ha ideado para Habitek como en las viviendas que los estudios A-piste y Archeus han levantado en el archipiélago de Inkoo y en un barrio de Espoo. En la Fundación Arquitectura COAM, en Madrid, podrá verse cómo la manera de inclinar la cubierta (evitando el acabado triangular a dos aguas), la idea de arropar con maderas locales el interior y el exterior, la voluntad de elevar las casas con un zócalo de piedra local o la frescura de jugar con las asimetrías hablan de Aalto, pero también de sostenibilidad delatando un entendimiento del suelo finlandés. La idea es proponer sin destruir. Por eso su vanguardia no es guerrera.

Carlos Thays en el Centro Cultural Recoleta | Revista Jardín


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La muestra «Carlos Thays, un jardinero francés en Buenos Aires» se presentará a partir del próximo 5 de noviembre.

Para todos los que amen el mundo de la jardinería y del paisajismo la muestra es imperdible. Pero además, es un patrimonio cultural de nuestro país, apto para todo aquel que quiera ver una exquisita exposición y quiera saber más de cómo se proyectaron varios de los espacios públicos más importantes de la ciudad.

La muestra, que ocupa el Patio de los Tilos y tres grandes salas, ha sido montada con profesionalidad y perfección. Todos los detalles están bien cuidados, y se trata de un muestrario de la vasta obra del paisajista francés Carlos Thays en la Argentina. Pueden verse planos, maquetas, fotos antiguas, y hasta estatuas traídas del Parque Tres de Febrero. Toda la realización estuvo a cargo de Ana María Riccardi, quien coordino los grupos de trabajos, y la curaduría estuvo a cargo de Sonia Berjman, experta en patrimonio histórico y gran conocedora de la obra de Thays. Todo esto pudo llevarse a cargo gracias a la ayuda de la Embajada de Francia, el Gobierno de la Ciudad y particulares como la señora Amalia Lacroze de Fortabat que brindaron su apoyo.

Recorrer la muestra es sorprenderse a cada paso. Es que le debemos a Carlos Thays la mayoría de nuestros parques y plazas, y además nos ha dejado una descendencia de cuatro generaciones de paisajistas en nuestro país.

desde Carlos Thays en el Centro Cultural Recoleta | Revista Jardín.

Carlos Thays, el jardinero francés Por Alicia de Arteaga

 

Especial para lanacion.com

El embajador de Francia Frédéric Baleine du Laurens cerrará su gestión en Buenos Aires con la satisfacción de haber cumplido dos antiguas asignaturas pendientes: la reapertura de la Editorial Sur de Victoria Ocampo y el homenaje Carlos Thays, el paisajista francés que diseñó los parques de Buenos Aires. El viernes, en la embajada palaciega se sucedieron las palabras de Juan Javier Negri, Ubaldo Aguirre, Eduardo Paz Leston y Monseñor Eugenio Guasta destinadas a poner en valor la iniciativa editorial y el primer volumen consagrado a las «Cartas de posguerra», de Victoria, glosado con gracia por Monseñor Guasta al hablar del vocabulario de la gran dama de las letras, con «ecos de un lenguaje paisano y arcaico».

lanacion.com | Cultura | Martes 3 de noviembre de 2009

Carlos Thays, Un jardinero en Buenos Aires Un jardinero francés en Buenos Aires
Salas Cronopios, J y C

Miércoles 4 de noviembre al domingo 6 de diciembre

Cómo vivir en una casa «plegable» de 32 metros cuadrados – Madrid – Casa Encendida


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El festival «Urban TV 2009» vuelve a la Casa Encendida de Madrid con documentales, cortos y debates sobre la vida urbana y sostenible.

DAVID CALLEJO | MADRID

Chang lleva toda su vida viviendo en Hong Kong, rodeado de sus más de site millones de conciudadanos en una ciudad que ocupa el cuarto puesto del «ranking» de lugares con mayor densidad de población.

Por eso hay que usar la imaginación para crear un hogar confortable. Un hogar como el de Chang, que vive en un piso «plegable» de 32 metros cuadrados en el que la cocina igual puede albergar una cena que, con un movimiento de pared, servir como sala de estar. Llevando y trayendo paredes, Chang «remodela» su casa cada diez minutos.

Más de lo que tarda en explicar esta curiosa historia el corto-documental «La casa de Chang», finalista en la categoría de videominuto del festival «Urban-TV 2009», que vuelve a Madrid en su séptima edición para quedarse hasta el viernes en la Casa Encendida. En estos cinco días se podrán ver 335 producciones de 41 países que competirán en las categorías de documental, reportaje, producción «amateur», «vídeo-minuto» y «vídeo-móvil». Como aliciente adicional, el festival acogerá diversas conferencias y debates sobre la vida y la arquitectura urbana, además de la televisión como medio educador.

desde Cómo vivir en una casa «plegable» de 32 metros cuadrados – Madrid – ABC.es.

URBAN-TV 2009

VII Festival Internacional de Televisión sobre Vida y Ecología Urbanas

2 al 6 de noviembre de 2009.

El festival tiene como objetivo acercar hasta el público documentales y reportajes sobre la vida y ecología de nuestras ciudades, para fomentar el uso de la televisión como herramienta de educación ambiental, así como suscitar debates en este ámbito.

En las ediciones anteriores han participado en URBAN-TV más de un millar de películas, procedentes de más de 50 países.

Arranca el Festival URBAN-TV 2009, una mirada hacia una televisión diferente
Madrid, 2 nov (EFE).- URBAN-TV 2009, el VII Festival Internacional de Televisión sobre Vida y Ecología Urbanas, arranca hoy en la Casa Encendida con un nuevo récord de participación: 335 producciones de 41 países que invitan a reflexionar sobre la televisión de una manera diferente.

Casa sobre el Arroyo: donde hubo fuego – Patrimonio (Casa del Puente de Amancio Williams)


Casa sobre el Arroyo: Archivo Williams . Foto:Archivo Williams
Casa sobre el Arroyo: Archivo Williams . Foto:Archivo Williams

Aprobada la ley para su expropiación y restauración, se espera que el Ejecutivo provincial confirme el aporte de fondos para la operatoria. La vivienda diseñada por Amancio Williams para su padre en 1945 fue designada Monumento Histórico en 1997 y es considerada una obra maestra del movimiento moderno.

Por Darío Palavecino
Corresponsal en Mar del Plata

MAR DEL PLATA.- El primer paso se dio hace casi tres años, cuando un acuerdo con el dueño permitió tomar medidas imprescindibles para salvaguardar la propiedad. Cerco perimetral, personal de seguridad las 24 horas, tareas de limpieza y colocación de cerramientos, fueron prioridad para mantener a salvo de intrusos y daños la emblemática Casa sobre el Arroyo o Casa del Puente, obra de Amancio Williams que es uno de los símbolos de la arquitectura moderna.

Y días atrás, los legisladores bonaerenses alzaron la mano para avanzar un casillero más hacia la recuperación definitiva de este edificio histórico: aprobaron la expropiación del inmueble, instancia previa a las obras de restauración y su proyectada reapertura como un espacio cultural.

La casa, construida entre 1943 y 1945, sufrió en el inicio de esta década un prolongado período de abandono y descuido. La presencia de intrusos derivó en el saqueo y la destrucción de casi todo el mobiliario y buena parte de la mampostería, en muchos casos como producto de sucesivos incendios, que hoy dejan huellas en las paredes tiznadas y algunos tramos de piso todavía tan negros como carbón.

desde Casa sobre el Arroyo: donde hubo fuego – lanacion.com.

(el artículo contiene galería con 24 fotos de la obra)

Casa sobre el Arroyo

Una casa que no volverá a ser la misma

Por Federico Prack
Editor de La Nacion Arquitectura

Tuve la oportunidad de conocer la Casa sobre el Arroyo en 1996 durante una visita grupal organizada por el arquitecto Claudio Vekstein y a pesar de que habían roto una ventana, de que los últimos moradores alteraron los servicios, todavía se conservaban las lámparas, la chimenea y todos los elementos diseñador por Amancio Williams. Nadie imaginaba una seguidilla de hurtos, los grafittis y hasta un incendio que terminarían por devorar todo menos la estructura de hormigón. La noticia de la expropiación de la Casa sobre el Arroyo puso en una misma vereda a los arquitectos formados con la tradición moderna y a los defensores del academicismo, reclamando que su restauración sea idéntica a la original porque se trata de una obra paradigmática. Es una de las pocas veces que ambos grupos coinciden en cómo proceder, ya que los primeros tienden a diferenciar lo que construyen nuevo de lo existente, mientras que los segundos buscan replicar los métodos y materiales originales.

lanacion.com | Arquitectura | Miércoles 4 de noviembre de 2009

Evidentemente la Casa sobre el Arroyo cobró la categoría de objeto de culto y sin duda lo mejor es que vuelva a tener su aspecto original para volver a visitarla, aunque todos sepamos que no volverá a ser la misma.

CLICK AQUÍ

Nota relacionada
Blog cuando se conoció la noticia de la aprobación de la ley de expropiación y puesta en valor
Nota cuando ocurrió el incendio en la Casa
Otro artículo sobre el incendio
Link a nota sobre la Casa a un año del incendio

Casa sobre el arroyo

Una obra del arquitecto Amancio Williams elogiada por los grandes maestros del Movimiento Moderno, es considerada una de las casas más representativas del siglo XX.

Casa sobre el Arroyo en Mar del Plata, Argentina / Amancio Williams – 1943-1945
Esta casa fue encarada primordialmente como una forma en el espacio que no anulara la naturaleza. La forma es al mismo tiempo, en su totalidad, estructura. Y esta estructura se muestra al desnudo, en su calidad aunténtica: el hormigón que la constituye está a la vista, martelinado y tratado químicamente. Forma, estructura y calidad son pues aquí una sola cosa.

Casa sobre el Arroyo
La casa sobre el arroyo de Amancio Williams es una de las obras más importantes de la arquitectura Argentina.

Actualización: 22 de abril de 2011

Patrimonio histórico / Una decisión largamente esperada

Recuperan en Mar del Plata un ícono de la arquitectura moderna

La intendencia local comprará la Casa del Puente, que será destinada a centro cultural.

Actualización: enero de 2013

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Georges Vantongerloo, la búsqueda del infinito a través del plexiglás – Arte – Cultura – España


Una de las figuras que puede verse estos días en la exposición de Vantongerloo en el Reina Sofía /EFE
Una de las figuras que puede verse estos días en la exposición de Vantongerloo en el Reina Sofía /EFE

EFE | MADRID

Escultor, pintor, arquitecto y teórico del arte, Georges Vantongerloo es un ejemplo de que son posibles «otras modernidades» reivindicadas por el director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, para quien la muestra que esta institución dedica al creador belga «es una joya».
«Georges Vantongerloo. Un anhelo infinito» muestra más de ochenta obras realizadas entre 1917 y 1965 que suponen un amplio recorrido por la obra de un «gran desconocido» en España a pesar de ser uno de los más relevantes artistas y pensadores del pasado siglo, que buscó el infinito a través de esculturas creadas con la humildad del plexiglás.
Abordar el estudio de su obra bajo el prisma de sus últimas producciones «significa desplazar el acento que la historiografía del arte moderno había puesto sobre momentos sucesivos», según Borja-Villel, para quien «abrir el espectro a una visión del arte contemporáneo más heterogénea y acorde a nuestro presente forma parte de la voluntad del museo».
Atrapado entre «la modernidad y el modernismo«, desde unas propuestas transversales que tienen que ver con el diseño y la arquitectura, «evolucionó hacia un arte más ambiguo e indefinido. No quiso representar lo real, sino el cosmos y el infinito. No fue de lo individual a lo público, sino que, por el contrario, evolucionó hacia lo humilde».
Vantongerloo (Amberes,1886 – París,1965), inscrito en la experiencia de las vanguardias históricas y marcado por la invención de la abstracción, «firmó el manifiesto del grupo De Stijl, junto a Mondrian y Van Doesburg«, ha recordado Borja Villel para quien la introducción de la curva en sus pinturas le permitió crear un espacio más libre y abierto. «A través de la curva encuentra una orientación propia y busca reflejar el elemento del infinito a través de algo muy moderno: la creación de diagramas para entender este mundo».

desde Georges Vantongerloo, la búsqueda del infinito a través del plexiglás – Cultura_Arte – Cultura – ABC.es.

La varita mágica del Guggenheim en El Viajero de ELPAÍS.com


Web del Guggenheim Bilbao http://www.guggenheim-bilbao.es/
Portada de la Web del Guggenheim Bilbao http://www.guggenheim-bilbao.es/

En 12 años, el museo proyectado por Frank O. Gehry ha cambiado Bilbao. La casa madre neoyorquina celebra su 50º aniversario y el vástago vasco homenajea a Frank Lloyd Wright, arquitecto del museo en Manhattan.

EVA LARRAURI

El Guggenheim mira estos días a la historia de su propio nombre. Las dos exposiciones temporales que coinciden en sus salas hablan de los rasgos que marcaron la personalidad Guggenheim a lo largo del siglo XX, mucho antes de que cuajara la idea de exportar la marca fuera de Estados Unidos: la arquitectura de Frank Lloyd Wright, el autor del edificio en espiral del Guggenheim de Nueva York, y las aportaciones de los coleccionistas privados que se sumaron a los fondos de arte contemporáneo que atesoraba Solomon R. Guggenheim. El cruce de las exposiciones, en plena conmemoración del 50º aniversario del Guggenheim de Nueva York, revela el origen de la casa madre, que hace 12 años heredó el museo de Bilbao e incorporó con éxito a otro edificio de formas impactantes, el diseñado por Frank O. Gehry con sus formas curvas y su cubierta de titanio.

Wright, el arquitecto que buscaba la armonía física y espiritual entre los edificios, los seres humanos que los utilizaban y el entorno, creó al final de una prolífica carrera de siete décadas de duración un museo radicalmente diferente. La obra que cerró su trayectoria surgió de un proceso que se prolongó 16 años. En ese tiempo cambiaron aspectos fundamentales del proyecto, construido con acero y hormigón, pero desde los primeros bocetos estaba presente la rampa en espiral que aumentaba de tamaño al irse elevando. La exposición que se muestra en el Guggenheim de Bilbao recorre toda su carrera, con dibujos, fotografías, maquetas y vídeos de animación de más de 60 proyectos, incluidos los que no llegaron a realizarse. Detrás del talento de Wright en el proyecto del Guggenheim estaba el dinero de Guggenheim y el estímulo de Hilla Rebay, artista y mano derecha del magnate. Rebay encaminó la pasión coleccionista de Guggenheim hacia el arte no objetivo, hacia las nuevas manifestaciones que emergían en el convulso mundo de la primera mitad del siglo XX. La exposición De lo privado a lo público: las colecciones Guggenheim pone el foco de atención en las compras de Rebay que acabaron engrosando la colección y las que con el paso de los años fueron aportando los galeristas Karl Nierendorf y Justin Tannhauser; la sobrina del fundador, Peggy Guggenheim, y la mecenas Catherine S. Dreier, la creadora del primer museo de arte moderno de Estados Unidos. Con sus colecciones llegaron al Guggenheim las obras que configuraron su personalidad.

desde La varita mágica del Guggenheim en El Viajero de ELPAÍS.com.

Lo que dejó el mes del diseño – Buenos Aires, Argentina


Mes del Diseño, Buenos Aires
Mes del Diseño, Buenos Aires

Diseño / Industrial / Mes del Diseño

Con 130 actividades simultáneas el Mes del Diseño sirvió como tubo de ensayo para medir a Buenos Aires como sede del Festival Internacional de Diseño 2010. La sustentabilidad fue el plato fuerte.

Vivian Urfeig .

Pasó octubre, quedó el diseño. Con más de 130 actividades simultáneas el Mes del Diseño dio cuenta de la fuerza y la convocatoria que tiene la disciplina en Buenos Aires. El Centro Metropolitano de Diseño (CMD) organizó desde presentaciones, instalaciones, exposiciones y eventos interdisciplinarios, hasta visitas a estudios y fábricas, lanzamientos de productos, seminarios, conferencias y workshops. El variado cronograma dio cuenta de la diversidad de manifestaciones que validan el título otorgado por la UNESCO en 2005, cuando designó a Buenos Aires Ciudad de Diseño e integrante de la Red de Ciudades Creativas del planeta.
Además de haber funcionado como una plataforma ideal para mostrar novedades, generar redes y vincular a estudiantes y profesionales con algunos sectores de la industria, el evento sirvió para cocinar un plato fuerte: Buenos Aires como sede del Festival Internacional de Diseño 2010. Los organizadores confían en que la ciudad está a la altura de su Bicentenario y puede festejar de local. En este sentido, Enrique Avogrado, Director General de Industrias Creativas y Director General de Comercio Exterior (organismos de los que depende el CMD) se dedicó a testear y comprometer instituciones, diseñadores y organismos vinculados a la aplicación del diseño en el desarrollo económico, un eje clave de su gestión. «Me interesa focalizar que tanto industria como servicios se lean como sinónimo de agregación de valor, en función del armado y la proyección a futuro del festival internacional», le dijo a ARQ.

El entusiasmo por lo que viene se basa en las múltiples entradas que ofreció el Mes del Diseño para empaparse de tendencias locales e internacionales. Sin dudas, la identidad verde se posicionó como adn del diseño local y tuvo en la muestra Integrando al Futuro su ejemplo más contundente. Los productos, conceptos y prototipos que se exhibieron en el CMD comparten una identidad ecológica. La temática de la sustentabilidad fue el eje de los procesos productivos y los productos realizados con materiales nobles, de bajo impacto ambiental y extensa vida útil.La familia de cuencos térmicos en porcelana y cuero, de Optimo Design (Cristian Cavallini y Marcos Donatti), obtuvo el primer premio de $7.000 que otorgó por orden de méritos la Fundación Banco Ciudad a los participantes de la muestra. El segundo, de $3.000, fue pare el kit de cartera, bolso y monedero en fieltro Mamushka, del estudio Planar (Lucila Flombaum, Natalia y Pablo Di Muzio). Realizado en fieltro de lana industrial biodegradable, genera el mínimo desperdicio a partir del aprovechamiento total del material. También se llevaron aplauso, medalla y beso una cocina solar portátil, un generador eólico de campaña y un set de almohadones, puff y alfombras en scrapp de algodón (Azzularq). «Para que a largo plazo el diseño resulte viable es indispensable que se mueva en los ejes ambiental y social, además del económico», subrayó Anabella Rondina, coordinadora del Area de Gestión de Diseño del CMD.

desde Lo que dejó el mes del diseño.

Diseños sustentables

Berto González Montaner. Editor jefe ARQ

bmontaner@clarin.com

El diseño inundó Buenos Aires durante el mes de octubre con más de 130 actividades que convocaron a diseñadores nacionales e internacionales y estudiantes. Según Enrique Avogadro, director general de Industrias Creativas, el éxito de esta movida da impulso cierto a la iniciativa de que Buenos Aires sea sede del Festival Internacional de Diseño 2010. ARQ hizo su aporte presentando dni#6 y d: Archivo de diseño, un nuevo coleccionable dedicado al diseño industrial, gráfico y de indumentaria y textil que ya cosechó elogios entre los especialistas (página 13). Hoy presenta su segunda entrega con fichas sobre la Bauhaus, Philippe Starck, Stefan Sagmeister y Giorgio Armani, entre otras.

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