Categoría: Arte

Reabren la casa museo del poeta romántico John Keats – Cultura – Londres


John_Keats_by_William_Hilton--300x180La casa del barrio de Hampstead (norte de Londres) donde un John Keats enamorado escribió algunos de los más bellos poemas en lengua inglesa se reabre ahora al público tras una profunda remodelación destinada a dejarla en su estado original.

La casa ha sido un museo desde 1925, cuando la salvaron de la demolición, pero el interior fue redecorado varias veces después de la muerte del poeta en Roma en 1821. El inmueble, de estilo Regencia, estaba integrado por dos edificios adosados: en la otra mitad vivía una guapa joven llamada Fanny Brawne, de la que Keats estaba perdidamente enamorado. Su relación ha inspirado a la realizadora neozelandesa Jane Campion una película titulada «Bright Star», interpretada por Ben Whishaw y Abbie Comish, que se estrena este otoño.

desde Reabren la casa museo del poeta romántico John Keats – Cultura_Libros – Cultura – ABC.es.

La difícil tarea de hacer 'levitar' el acueducto de Segovia · Arte y Patrimonio


Simulación por ordenador de la acción artística en el acueducto de Segovia de Eugenio Ampudia
Simulación por ordenador de la acción artística en el acueducto de Segovia de Eugenio Ampudia

El artista Eugenio Ampudia instalará un zócalo de espejos bajo el monumento para simular que flota

ELPAÍS.com – Madrid –

Hace 125 años el acueducto de Segovia (obra de ingeniería romana de los siglos I-II) fue declarado monumento nacional. Para conmemorar esta fecha, el Ayuntamiento de la ciudad, el ministerio de Cultura y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales han diseñado un programa de actividades cuya estrella es la acción de Eugenio Ampudia (Melgar, Valladolid, 1958). El artista ha instalado hoy un «zócalo prismático» en la base del monumento que ofrece la ilusión óptica de que el acueducto flota a una altura de dos metros.

«La intervención diseñada por Eugenio Ampudia juega con el concepto que encarna el monumento como crisol de culturas, ideas, conocimientos, credos y voces plurales», señala la organización en un comunicado.

La segunda acción de Ampudia implica, de forma activa, la participación de los habitantes de Segovia y de sus visitantes. Desde el atardecer hasta las 02.00 de la madrugada se va a proyectar sobre el milenario cuerpo del acueducto un interactivo audiovisual que transformará los sonidos emitidos por los espectadores en una espectacular intervención luminosa.

desde La difícil tarea de hacer ‘levitar’ el acueducto de Segovia · ELPAÍS.com.

Un acueducto que flota

AURELIO MARTÍN – Segovia –
El arte contemporáneo invade las calles y rincones de Segovia, se mezcla con los monumentos más representativos y oxigena la ciudad, que aspira a ser capital europea de la cultura en 2016.
Por eso, el Ayuntamiento ha denominado Oxigenarte a una actividad que el visitante podrá ver hasta el domingo próximo y que nace con vocación de continuidad. En Oxigenarte se mezclan, en un tributo a lo efímero, pintura, escultura, videoarte, performance, música y danza, y en ella participan 39 artistas.

Laboratorio sin límites – dar color a la ciudad


JAZZ. Delicado equilibrio para un trabajo meticuloso, en una imagen del libro Graffiti Argentina
JAZZ. Delicado equilibrio para un trabajo meticuloso, en una imagen del libro Graffiti Argentina

Arte en la calle

La calle es una galería a cielo abierto cada vez más sorprendente gracias a las troupes aficionadas a dar color a la ciudad con esténciles, grafitis, stickers y afiches.

Por Carolina Pierro
Para LA NACION – Buenos Aires, 2009

Es sabido que el arte callejero está en boca de todos. Así llegó al punto de inflexión en el que se encuentra ahora, entre la masividad, el interés general y el entretenimiento, la domesticación y la inevitable institucionalización.

En la Argentina se respira la consolidación de un movimiento, un estilo que comparte con el grafiti el soporte, los materiales y los colores. Pero no es lo mismo; no es su evolución ni su consecuencia, aunque es imposible negar su influencia. Si se lo quiere denominar con un término específico, éste sería algo así como graf-art : una fusión entre el desprendimiento del grafiti, el diseño gráfico y el arte. A escala internacional, hace varios años que se abre camino en la industria de la moda, el cine y las galerías de arte. Como suele pasar, tuvo que triunfar en el exterior para volver consagrado al país. De dónde viene el graf-art , quiénes llevan la bandera y hacia dónde van son preguntas con múltiples respuestas.

Agrupados en colectivos o crews , ilustradores, diseñadores gráficos, artistas plásticos, estudiantes y autodidactas con apodos de fantasía intervienen el espacio público, como parte de su proceso de creación y porque les resulta divertido. Varían su formato convencional de trabajo debido a las grandes superficies que les ofrece la calle; juegan con el contexto, aceptan el deterioro y la impredecibilidad, aumentan su exposición e interactúan con otros artistas.

«La calle es un laboratorio donde se ponen a prueba las obras de manera tangible y pragmática. Estoy pintando o dibujando y ya lo está viendo alguien, se transforma», dice la artista plástica María Bedoian, que en arteBA 09 expuso en la galería Consorcio de Arte cuadros-objeto en acrílico, emparentados tanto con sus pinturas del puente de Juan B. Justo como con las del Centro Cultural Borges.

desde Laboratorio sin límites – lanacion.com.

Buenos Aires, un oasis para el arte callejero

La cultura urbana que más crece · Graffiti en Andalucía

Banksy, una exposición envuelta en misterio | Cultura | elmundo.es

El ’spray grafitero’ cotiza al alza

El arte flota sobre Venecia en El Viajero de ELPAÍS.com


Góndolas navegando bajo los puentes de los canales de Venecia
Góndolas navegando bajo los puentes de los canales de Venecia

Rincones de la ciudad y su laguna en los que descubrir las propuestas de la Bienal

ROBERTA BOSCO

Nunca como este año la oferta de los denominados eventos colaterales de la Bienal de Venecia ha sido tan amplia, variada y atractiva. Alejarse de los centros neurálgicos de los Giardini y el Arsenal para buscar la Bienal más oculta y secreta conlleva la doble ventaja de apartarse del bullicio y la multitud para descubrir rincones de Venecia ajenos al habitual recorrido turístico.

Es el caso de la Isla de la Certosa, donde se presenta una obra de John Gerrard para el pabellón de la Royal Hibernian Academy de Dublín, una proyección en pantallas gigantes de un paisaje virtual tridimensional, meticulosamente reconstruido por el artista a partir de imágenes reales. La isla, antaño refugio de los monjes cartujos y lugar de sepelio de los nobles venecianos, ofrece tranquilidad, paseos románticos y un exclusivo hotel de 18 habitaciones que acoge las intervenciones del proyecto Creative Rooms, que reúne las obras de artistas de diferentes tendencias y generaciones sobre el tema del silencio «como antítesis al ruido de los estereotipos cotidianos».

El silencio sorprende gratamente también al desembarcar en la Isla de la Giudecca, donde se ubican los pabellones de Palestina y Gales. El paseo vale la pena, sobre todo en el caso de Gales, que ha elegido una antigua fábrica de cerveza para estrenar una instalación audiovisual inédita de John Cale, cofundador con Lou Reed y Nico de los míticos Velvet Underground.

En tierra firme, la cartografía artística de la ciudad se ha enriquecido con un nuevo polo museístico en la zona de los antiguos almacenes de la sal, situados en la península de Dorsoduro. Allí se encuentran dos centros permanentes: la espectacular Colección Pinault, que ocupa el edificio de Punta della Dogana, reestructurado por Tadao Ando, y la fundación dedicada al pintor Emilio Vedova. Para esta última, el arquitecto Renzo Piano ha creado un montaje dinámico en el que las telas no se quedan quietas, pegadas a la pared, sino que, gracias a un sofisticado sistema robótico, se desplazan por el aire.

desde El arte flota sobre Venecia en El Viajero de ELPAÍS.com.

Guía

  • Venecia, las esencias de Oriente

    • ¿Hay vida tras las bienales? · Venecia

    Bauhaus para todos · Reportaje: Arte – Diseño


    Artquitectos de la Bauhaus: De izquierda a derecha, Josef Albers, Hinnerk Scheper, George Muche, László Moholy- Nagy, Herbert Bayer, Joost Schmidt, Walter Gropius, Marcel Breuer, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Lyonel Feininger, Gunta Stölzl y Oskar Schlemmer, en 1926.

    Artquitectos de la Bauhaus: De izquierda a derecha, Josef Albers, Hinnerk Scheper, George Muche, László Moholy- Nagy, Herbert Bayer, Joost Schmidt, Walter Gropius, Marcel Breuer, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Lyonel Feininger, Gunta Stölzl y Oskar Schlemmer, en 1926.

    Mil objetos muestran en Berlín la obra de la escuela más influyente del siglo XX

    JUAN GÓMEZ – Berlín –

    La escuela Bauhaus se identifica a menudo con la costumbre de construir edificios rectangulares y amueblarlos con buen gusto. Sin embargo, 90 años después de que la fundara Walter Gropius, una institución educativa casi centenaria que apenas subsistió tres lustros, todavía mantiene un halo intacto de revuelta y de modernidad radical. La gran exposición Modelo Bauhaus, inaugurada estos días en el Martin-Groupius-Bau de Berlín, presenta más de 1.000 objetos originales de aquellos 14 años entre 1919 y 1933. Muebles y demás menaje, maquetas de edificios, vestidos, dibujos, pinturas o fotografías atestiguan el entusiasmo creativo de los alumnos y los profesores de la escuela. Su enorme disparidad desmiente que existiera algo así como un «estilo Bauhaus», e incita a reflexionar sobre las aspiraciones y los logros de ese proyecto utópico. La codirectora de la exposición, Ulrike Bestgen, destaca las paradojas de la escuela Bauhaus. Pretendían democratizar las artes, pero hoy sus objetos son carísimas piezas de coleccionista. Trataban de «mejorar la vida» de todos, pero la escuela nunca abandonó un elitismo despreciado por la mayoría de sus contemporáneos. Su modelo, el trabajo comunitario y anónimo de los gremios de construcción medievales (las bauhütten), no impidió el aplauso público a los miembros más prominentes, como Gropius o Ludwig Mies van der Rohe. Ni siquiera la aureola de campeona antinazi queda intacta: algunos colaboraron con el régimen, Fritz Ertl, fue oficial de la SS y arquitecto del campo de exterminio de Auschwitz. Para Bestgen, la Bauhaus son «muchas Bauhäuser».

    desde Bauhaus para todos · ELPAÍS.com.

    Berlín recupera la utopía de la Escuela Bauhaus | Cultura | Museo Martin Gropius

    Agua y fuego en torno a la mezquita · Reportaje: Arte


    Fuente interactiva del danés Jeppe Hein
    Fuente interactiva del danés Jeppe Hein

    El arte contemporáneo se mezcla en Córdoba con la tradición musulmana

    ÁNGELES GARCÍA – Córdoba

    El agua es uno de los elementos esenciales de la cultura árabe. Nada supera la belleza del sonido de las delicadas fuentes estratégicamente situadas en plazas y patios de las ciudades. Córdoba, símbolo del inmenso poder y refinamiento de Al Ándalus, es un claro ejemplo de ello. En un escenario dominado por las imponentes arquerías de la mezquita, cuatro artistas contemporáneos se han atrevido a crear sendas intervenciones inspiradas en el agua y en el fuego: La nube de Córdoba, de Darya von Berner, en la fachada sur de la catedral; Las habitaciones que aparecen, fuente interactiva del danés Jeppe Hein, en el bulevar del Gran Capitán, y Los caminos de fuego, de MUMA, en la plaza de Capuchinos y cuesta del Bailío. La cuarta intervención llegará el próximo octubre con laperformance Paso Doble, de Miquel Barceló, en el picadero de las Caballerizas Reales.

    desde Agua y fuego en torno a la mezquita · ELPAÍS.com.

    Córdoba, la ciudad como escenario

    FOTOS – CAMINOS DE FUEGO, MUMA – 17-07-2009

    Las calles arden. La plaza de Capuchinos y en la Cuesta del Bailío se convierte en los ‘Caminos de fuego’ del artista español afincado en Suiza MUMA– CAMINOS DE FUEGO, MUMA

    Gyula Kosice: «Tendremos que irnos a vivir a la Ciudad Hidroespacial»


    "Ninguna utopía es imposible si alguien pudo pensarla", sostiene el artista.
    "Ninguna utopía es imposible si alguien pudo pensarla", sostiene el artista.

    Esta semana el Museo de Houston compró parte de La Ciudad Hidroespacial, la obra utópica de los 60 del artista plástico.

    Por: Gisela Antonuccio

    Ochenta años atrás emprendió la infinita tarea de afirmarse en el exilio. Fue a bordo del barco como se alejó para siempre de Hungría y desde entonces la tierra fue un punto de fuga para cumplir su mayor utopía: habitar el agua.

    Argentino por opción, Gyula Kosice (Hungría, 1924) ignoraba entonces que la migración, que lo arrancó de su tierra y de la patria de su idioma -nunca más regresó, jamás volvió a pronunciar palabra en húngaro-, iba a marcar sus continuos desplazamientos de la realidad, y que éstos iban a desembocar en una incansable búsqueda por conquistar el «espacio multidimensional». Mucho menos, que aquel fuera el germen de La Ciudad Hidroespacial, su proyecto de los años 60 de hacer habitable el agua integrando el arte a la vida cotidiana. Es una urbe suspendida a 1.200 metros de altura sobre el nivel del mar.

    desde Gyula Kosice:  «Tendremos que irnos a vivir a la Ciudad Hidroespacial«.

    Web de Gyula Kosice

    Adios a Julius Shulman, el artista y fotógrafo de arquitectura – Obituario


    Julius Shulman muestra la tapa de un libro dedicado a sus fotografías, ilustarada con su obra maestra Case Study House N22 Foto:Julius Shulman
    Julius Shulman muestra la tapa de un libro dedicado a sus fotografías, ilustarada con su obra maestra Case Study House N22 Foto:Julius Shulman

    El miércoles último falleció el reconocido autor de la famosa toma nocturna Case Study N22, que lo hizo famoso en el mundo entero.

    NUEVA YORK (AFP y ANSA). -El estadounidense Julius Shulman, que elevó a un arte la fotografía de arquitectura, falleció el miércoles a los 98 años en su domicilio de Los Angeles (California), indicó su representante, el galerista Craig Krull, que dijo «era el fotógrafo de arquitectura más grande de todos los tiempos».

    El fotógrafo se mudó a California, donde inició su carrera en la década del 30 y se destacó por sus fotografías de las obras de grandes arquitectos, como Frank Lloyd Wright, Pierre Koenig, Charles Eames o Richard Neutra.

    Su fotografía Case Study House N22 (1960), obra de Koenig, que muestra simultáneamente a dos mujeres en el interior de una casa, la arquitectura exterior de la misma y un deslumbrante panorama nocturno de Los Angeles, lo hizo famoso en el mundo entero.

    «Transformó la fotografía de arquitectura, haciéndola pasar de lo meramente comercial a una de las bellas artes», dijo Krull.

    El año pasado, el editor alemán Benedikt Taschen publicó una obra retrospectiva, «Modernism Rediscovered» con más de 400 proyectos fotografiados por Shulman, mientras el Getty Center adquirió años pasados todos sus archivos.

    Nacido el 10 de octubre de 1910 en Brooklyn, hijo de inmigrantes judíos rusos, Shulman se estableció con su familia en Los Angeles en 1920.

    desde Adios a Julius Shulman, el artista y fotógrafo de arquitectura – lanacion.com.

    Julius Shulman (1910-2009)

    Julius Shulman, Modernism Rediscovered

    Imágenes de Julius Shulman en Google

    Tom Wujec on 3 ways the brain creates meaning | Video on TED.com


    Information designer Tom Wujec talks through three areas of the brain that help us understand words, images, feelings, connections. In this short talk from TEDU, he asks: How can we best engage our brains to help us better understand big ideas?

    desde Tom Wujec on 3 ways the brain creates meaning | Video on TED.com.

    ’13 rue del Percebe’ en versión 2.0 · Arte y Ciudad


    Los componentes de Niño Viejo, ante la pared de un solar.
    Los componentes de Niño Viejo, ante la pared de un solar.

    Reportaje

    Un colectivo de artistas audiovisuales proyecta vidas posibles en fachadas de solares abandonados

    FEDERICO SIMÓN – Valencia

    «Ojalá Ibáñez viniera a la proyección, sería increíble», bromea Begoña Martínez, componente junto a Sergi Palau, Jordi Blasco y Miguel Ángel García del colectivo Niño viejo, que acaba de ganar una beca de 9.000 euros de AVAM, Artistas Visuales Asociados de Madrid, para producir un proyecto multidisciplinar. Y es que una de las primeras referencias que encontraron cuando idearon el proyecto Almas latentes es 13 rue del Percebe, las historietas dibujadas por Francisco Ibáñez en las que el creador de Mortadelo (y Filemón) eliminaba una fachada a una finca y brindaba al lector las miserias de sus habitantes.

    Ahí se acaban las similitudes de Almas latentes, que en esencia aprovecha como lienzo de proyección las medianeras de solares vacíos, donde la huellas de paredes, suelos y escaleras dan cuenta en forma de viñetas de décadas de experiencias vitales acumuladas. «Todos pasamos mucho tiempo en el barrio de El Carmen, y nos hemos acostumbrado a ver derribos y solares sin uso», explica Blasco que lo mismo trabaja de técnico en el Palau de les Arts, que gana premios en festivales de Live Cinema con su grupo videomusical Producciones Sol de México.

    «La idea surge para contar historias en esas fachadas». Quizá las de las personas que vivieron en esos volúmenes huérfanos o las de los que habitarán ese espacio en el futuro. La intención es proyectar su trabajo en otoño en Madrid.

    desde ’13 rue del Percebe’ en versión 2.0 · ELPAÍS.com.

    Berlín recupera la utopía de la Escuela Bauhaus | Cultura | Museo Martin Gropius


    Una pareja pasea por la exposición en el museo Martin Gropius. | Efe
    Una pareja pasea por la exposición en el museo Martin Gropius. | Efe

    Exposición | Hasta el 4 de octubre

    • El museo Martin Gropius acoge la exposición de más de 1.000 objetos
    • La muestra repasa los 90 años del movimiento vanguardista.

    Gemma Casadevall (Efe) | Berlín

    El museo Martin Gropius de Berlín ha abierto la exposición ‘El modelo Bauhaus‘, una retrospectiva consagrada al movimiento vanguardista identificado con la utopía, la linealidad y la estética de lo funcional, desde su nacimiento hace 90 años hasta que el nazismo lo envió al exilio, en 1933.

    De su fundación, en 1919 por Walter Gropius, en Weimar (este de Alemania), y el traslado y apertura de la Escuela Bauhaus a la vecina ciudad de Dessau, en 1925, a las redadas nazis en Berlín, en 1933; la muestra berlinesa recorre el origen de un movimiento cuyo sello quedó impregnado en la arquitectura y diseño modernos.

    Se trata de la primera exposición surgida del esfuerzo coordinado de las tres instituciones que tutelan el legado Bauhaus en Alemania (la Fundación Clásicos de Weimar, su homóloga de Dessau y el Archivo Bauhaus de Berlín), que estará en Berlín hasta octubre tras lo cual viajará al MoMA de Nueva York.

    La muestra incluye más de 1.000 objetos: desde el mobiliario legendario de Marcel Breuer a maquetas de edificios diseñados por Walter Gropius para la municipalidad de Dessau, a los rompedores diseños del maestro de la nueva arquitectura Miers van der Rohe.

    desde Berlín recupera la utopía de la Escuela Bauhaus | Cultura | elmundo.es.

    Entradas anteriores en ArquitecturaS dedicadas a la Bauhaus:

    Bauhaus muestra películas de Gropius y su equipo – Dessau, Alemania

    Bauhaus, arte para la vida

    Bauhaus – Google Vídeo

    Berlín prepara una exposición “sin precedentes” sobre la Bauhaus

    Bauhaus: Seis barrios de Berlín nombrados Patrimonio de la Humanidad

    Perspectivas
    Berlín celebra el 90 aniversario de la Escuela Bauhaus

    El sábado abrió una muestra retrospectiva en el Museo Martin gropius de Berlín que incluye más de 1000 objetos como maquetas de edificios y mobiliario

    lanacion.com | Arquitectura | Miércoles 22 de julio de 2009

    Templos que gritan, templos que susurran · Arquitectura Religiosa


    Arquitectura y Acero Cortén - Iglesia de Santa Mónica en Rivas
    Arquitectura y Acero Cortén - Iglesia de Santa Mónica en Rivas

    Reportaje  :: Diseño

    Las nuevas iglesias muestran las diversas maneras de entender la fe religiosa

    ANATXU ZABALBEASCOA – Madrid

    Tradicionalmente, en Europa la iglesia, la catedral era siempre el edificio más vistoso y mejor ubicado del pueblo, en torno al que crecía la vida: los mercados, los intercambios y el resto de los oficios. Las iglesias eran entonces construcciones que hablaban en voz alta, inmuebles que preferían el anuncio (parte de su cometido consistía en predicar su fe) al recogimiento.

    Durante el Renacimiento, y frente a otras tipologías que iban adquiriendo mayor peso, como el palacio, las iglesias iniciaron su declive como emblemas. Sin embargo, no dejaron nunca de asumir el credo arquitectónico de cada época, incluida la modernidad. Fue precisamente entonces, al chocar con la abstracción geométrica moderna, cuando la fe pareció encontrar la horma de su zapato. Los arquitectos modernos se convirtieron en autores de templos en los que la abstracción más pura conseguía representar casi cualquier fe.

    La clave para tal prodigio había que buscarla en lo contrario de lo que había sucedido hasta entonces. En lugar de proclamar, la iglesia pasó a recoger. En lugar de hablar en voz alta, el mensaje se hizo más críptico, más personal, más susurrante. Templo y credo adquirieron otro tono. Así, fue posible que cuadros de Mark Rothko pudieran servir a la vez para decorar una capilla en Tejas o un restaurante en Nueva York. La temática era la misma: la pintura ponía la mezcla de franjas de colores, el resto lo proyectaba el que miraba aquellos lienzos.

    desde Templos que gritan, templos que susurran · ELPAÍS.com.

    Church of Santa Monica in Madrid / iglesia de Santa Mónica en Rivas, Vaciamadrid-Sp (2008) Blog de Judit Bellostes

    Diseña un sitio como este con WordPress.com
    Comenzar