La arquitectura de la revolución soviética se basa en una idea de funcionalidad, ahorro y eficacia arquitectónica que convive con la creatividad y el atrevimiento formal
Barcelona. (EUROPA PRESS). – La arquitectura y el arte de vanguardia soviético invaden desde este viernes y hasta el 17 de abril el CaixaForum de Barcelona, una exposición que lleva por título ‘Construir la Revolución. Arte y arquitectura en Rusia‘ y que muestra un período artístico comprendido entre 1915 y 1935.
La muestra, que descubre uno de los períodos más excepcionales de la historia de la arquitectura y de las artes visuales con artistas como Popova, Ródchenko, Malévich y arquitectos como Mélnikov, Guínzburg, Vesnín, consta de unas 230 obras entre maquetas, obras plásticas y fotografías.
La Royal Academy of Arts de Londres ha sido la encargada de organizar esta exposición, con la colaboración de la Fundación La Caixa y la Colección Costakis del SMCA de Tesalónica, que forma parte del Año Dual 2011 de España en Rusia y de Rusia en España.
Vladímir Shújov, Torre Shabolovka, Moscou, 1922 - Wikipedia
Se trata de una muestra itinerante ya que, aunque hasta el día 17 de abril se podrá visitar en Barcelona, desde finales de mayo y hasta el 18 de septiembre estará en CaixaForum de Madrid y viajará a la Royal Academy of Arts de Londres desde octubre hasta enero de 2012. «La exhibición bebe de tres fuentes principales», ha explicado la co-comisaria de la exposición MaryAnne Stevens, el museo de Tesalónica, el Museo de Arquitectura de Moscú y las fotos de Richard Pare en las que se muestra el estado actual de los edificios de la vanguardia soviética.
Pare, fotógrafo y colaborador de la exposición, ha explicado que mediante sus fotografías ha pretendido dar a los rusos el homenaje que se merecen y ha relatado las dificultades para acceder a los inmuebles que todavía están prestando un servicio público.
La muestra cuenta también con fotografías de la época que salen por primera vez de los archivos de Moscú, una pequeña parte de un archivo compuesto por más de 600.000 imágenes.
La arquitectura y el arte de la vanguardia soviética de las décadas de 1920 y 1930 en una gran exposición en CaixaForum Barcelona.
Construir la Revolución. Arte y arquitectura en Rusia, 1915-1935 aborda uno de los períodos más excepcionales de la historia de la arquitectura, el que va desde los años previos a la Revolución de Octubre hasta la fundación de la URSS. Los artistas plásticos y arquitectos se unen bajo la causa bolchevique para crear, a través del arte y la arquitectura, una nueva sociedad basada en las ideas socialistas.
Recoge 12 figuras en 3D creadas a partir del diálogo entre geometría y álgebra
Teresa Guerrero | Madrid
¿Qué tienen en común un limón, un cruasán y una peonza? ¿Por qué un árbitro de fútbol evita situarse en el centro del estadio cuando el público grita desde las gradas? Las respuestas están en las matemáticas. La asignatura que tantos quebraderos de cabeza da a muchos estudiantes es una disciplina esencial para entender el mundo que nos rodea y las formas de los objetos que tenemos alrededor.
A pesar de su mala fama, las matemáticas no son aburridas ni difíciles si se explican bien. De hecho, se trata probablemente de uno de los campos en los que la imaginación desempeña un papel más destacado. La Fundación La Caixa y la Real Sociedad Matemática Española se han propuesto demostrarlo con su exposición ‘Imaginary. Una mirada matemática‘, que podrá visitarse hasta el 6 de junio en la sede de Cosmocaixade Alcobendas (Madrid).
A menudo oímos tópicos sobre lo complicadas que son las matemáticas, pero lo cierto es que nos ayudan a entender la complejidad del mundo de la manera más simple posible. En esta exposición vamos a descubrir que, debido a la convergencia entre álgebra y geometría, cualquier ecuación puede dibujarse en el espacio y la figura así generada puede comprenderse a través de su ecuación.
Zitrus. x² + z² = y³ (1 – y)³
Esta figura no es un limón. Es un modelo matemático que nos ayuda a entender mejor las propiedades de la forma que tiene el limón. Las ecuaciones nos permiten construir modelos matemáticos que nos ayudan a estudiar mejor la forma de las cosas.
2010 cierra una década pero también un centenario, el de la madrileña que mejor se conserva, la Gran Vía. Clausura el centenario un recorrido en la memoria y en los afectos que homenajea también a sus viandantes, la segunda exposición dedicada a la calzada que exhibe la Galería Estampa, de nuevo mostrando la visión de un pintor de arquitecturas, Damián Flores Llanos.
«Como con Luis Mayo (artífice de la anterior serie sobre la avenida), la iniciativa partió del director de la galería, Manolo Cuevas», cuenta Flores, que ha dedicado el último año a patear, fotografiar y documentarse sobre su excepcional modelo.Si en el caso de Mayo asistíamos a una serie de instantáneas al óleo de aceras desiertas y aires oníricos, en esta ocasión el pincel se ha detenido en los rostros, famosos o anónimos, reales o imaginados, que poblaron la arteria de la capital: «No quería realizar un catálogo de vistas, sino atrapar la atmósfera de la memoria». Y de ahí su particular homenaje a los fotógrafos: «a esos que llamaban minuteros» y que se recorrían la Gran Vía robándoles instantes a sus peatones, y a los ilustres, a los que le han facilitado su labor de documentación: «Aparecen Catalá Roca, el holandés Cas Oorthuys«, retratistas de la calle durante los cincuenta, una época de posguerra y modernidad floreciente en la que el pincel de Flores se detiene a menudo.
Bangkok recuerda a Jim Thompson, el agente de la CIA más exquisito (arquitecto y espía)
Jim Thompson, el ex agente de la CIA que revolucionó la industria de la seda en Tailandia, cobra actualidad con una exposición en Bangkok sobre sus vivencias desde la tumultuosa etapa de la posguerra hasta que desapareció misteriosamente en Malasia.
La muestra hace un recorrido cronológico a través de recortes de artículos de periódicos, fotografías e imágenes de televisión entre 1946 y 1968, el año en que fue dado por muerto en un caso todavía por resolver
Tanto la Familia Real como los uniformados en el poder se convirtieron en mecenas del arte y la moda, y de ello se benefició directamente el arquitecto y espía.
Sin saber casi nada del país y no hablar una palabra del idioma, el estadounidense llegó a Bangkok justo después de la II Guerra Mundial para ocuparse de la nueva oficina de la CIA en la capital del entonces Reino de Siam.
Un aspecto de la exposición dedicada a Jim Thompson. | Efe - ElMundo.es
El país se conmocionó en 1946 por la muerte del joven rey Ananda Mahidol, hermano del actual monarca, Bhumibol Adulyadej.
Aquella tragedia y el posterior ascenso al trono y coronación del hermano menor marcaron los años de la posguerra junto a las dictaduras de Phibun Songkhram y Tharit Dhanaraj y la cada vez mayor influencia de Estados Unidos.
De acuerdo a su biografía oficial, Thompson cambió el espionaje por los negocios a los dos años de llegar a Tailandia y se fijó en la seda, que por aquella época era un producto artesanal caro, laborioso y pasado de moda.
El norteamericano y sus socios locales fundaron la sociedad Thai Silk Company en 1947, que en un tiempo récord modernizó el proceso con tintes naturales y elevó la calidad de la tela hasta convertirse en multimillonario y el amo del sector.
Thompson elaboró una seda fina, lisa y más suave al tacto que la que habitualmente tejen las ancianas en el campo, y logró que funcionarios y diplomáticos promocionaran sus diseños luciendo vestidos tradicionales en actos oficiales.
Mientras tanto, se enamoró del país y su cultura hasta el punto de construir una réplica de una casa tradicional tailandesa que él mismo decoró, abrió al público y convirtió en un museo que ahora es uno de los lugares más visitados por los turistas en Bangkok.
Jim Thompson fue a pasear una tarde de marzo de 1967 por la jungla de Cameron Highlands en Malasia y nunca regresó. Con su desaparición, sobre la que circulan todo tipo de teorías, nacieron el mito y la leyenda de Jim Thompson.
Frank Gehry llegó a realizar más de 30.000 dibujos hasta dar con la versión definitiva del Auditorio de Walt Disney en Los Ángeles. A pesar de todo, si mantuviéramos una conversación con el arquitecto seguramente nos diría que ya no le gusta. «Cuando acabo de construir un edificio, veo todas las cosas que debería haber hecho y no he hecho», ha dicho más de una vez.
Ésas son algunas de las curiosidades que nos desvela el Vitra Design Museum a través de una exposición sobre Frank Gehry en la que se muestra una selección de 12 proyectos concebidos desde 1997. Dibujos y maquetas originales de gran formato ayudan a comprender el proceso creativo de Gehry, desde que idea el boceto con cuatro garabatos sobre un papel blanco hasta que coloca la última piedra sobre el terreno. Y el lugar en el que se exhiben no podía ser más adecuado: el primer edificio que Gehry hizo en Europa, situado en el campus-fábrica del fabricante suizo de muebles de diseño.
El año de partida de la exposición coincide con el de la inauguración del Museo Guggenheim de Bilbao, que le catapultó a las mieles de la fama arquitectónica internacional. Fue el primero que construyó íntegramente utilizando CATIA, un software pensado para la construcción de aviones y que él mismo adaptó para facilitar la transición de la maqueta a la obra final. Hoy, ese programa es utilizado por centenares de arquitectos en todo el mundo, entre ellos la consagrada Zada Hadid.
A pesar de recurrir a la tecnología, el resultado de sus trabajos parece hecho con cincel y martillo. Como ya hiciera Antoni Gaudí un siglo antes, Gehry disfruta sobrepasando los límites de su disciplina, rompiendo la tradición, imitando las formas de la naturaleza y sorprendiendo con composiciones que a simple vista parecen insostenibles. El arquitecto asentado en California multiplica las maneras de concebir el espacio, el tiempo, los materiales, las formas y cualquier otro elemento que forme parte de la identidad de una construcción. Su objetivo es comunicar un mensaje convirtiendo sus diseños en emociones, como en el caso del Ray and Maria Stata Center del Instituto Tecnológico de Massachusetts. Sus muros, todos diferentes, parecen improvisados. La flexibilidad del repertorio de Gehry se traslada a su interior, donde los tabiques son móviles para permitir que las salas se configuren en función de las necesidades. Esa ductilidad, fruto de juegos visuales inteligentes, se observa también en el edificio de viviendas de Beekman Street, que finalizará en 2011 en Nueva York. El último tramo de sus 260 metros de altura estará cubierto por un manto de acero ondulado que a modo de tela de seda acaricia el cemento. Es revelador ver el resultado final tras estudiar las decenas de modelos a escala reducida que muestra el Vitra Museum.
Otro de los elementos característicos de las construcciones de Gehry es la combinación de materiales, que le permite hacer transiciones no sólo entre varios elementos de un mismo edificio, sino entre los diferentes bloques. Se observa en la mezcla de ladrillos, acero y yeso del Neue Zollhof de Dusseldorf, o en la de vidrio y madera del DZ Bank de Berlín.
El Ray and Maria Stata Center, 1996-2001. ElMundo.es
Con las formas y las texturas, Gehry siempre busca integrar sus construcciones en el paisaje, para que sean una extensión más de sus alrededores. Así será también en la Fundación Louis Vuitton de París, un complejo de edificios que destila fantasía por los cuatro costados. Grandes extensiones de cristal cubrirán fachadas y techos para que el entorno natural pueda fundirse con el interior del museo, una gran nube blanca en medio del bosque.
El arquitecto italiano exhibe en una retrospectiva en el IVAM las maquetas y los bocetos de sus proyectos.
J. R. S. VALENCIA
«La arquitectura es una aventura que une arte, abismo, poesía… Cuando un arquitecto crea no puede fallar. No es como cuando un pintor se equivoca y tira un cuadro, sino una responsabilidad privada del hombre con su entorno y sin vía de retorno», afirmaba ayer el arquitecto italiano Paolo Riani-su obra se reparte entre Japón, Estados Unidos, Arabía, Rusia o Italia- a quien el IVAM le dedica una retrospectiva.
Dibujos- nueve de ellos donados al instituto valenciano por el creador-, fotografías de sus proyectos realizadas por él mismo, objetos, maquetas originales o diseños se reparten por el museo como homenaje a este creador admirador de Le Corbusier, Alto Mies van der Rohe, Alvar Aalto o Frank Lloyd Wright, quien en una momento de su vida dejó de lado su carrera como arquitecto para ocupar una plaza de senador italiano.
De líneas rectas y claras, formal, un trabajo que renuncia del riesgo para estar al servicio del ciudadano, la obra de Riani era definida ayer por el Catedrático de Arquitectura José María Lozano, comisario de la muestra, como un trabajo «participativo y sostenible».
El IVAM recurre a la arquitectura para su última exposición del año. Después de Félix Candela, el museo dedica la sala 5 a los proyectos del italiano Paolo Riani, quien confesó ayer que desde que salió del vientre de su madre quiso ser arquitecto.
Para Riani, la arquitectura es «una aventura en un territorio desconocido», «una ciencia», «poesía», pero sobre todas las cosas es «un arte».
«La arquitectura es sobre todo aventura», aseguró ayer el arquitecto italiano Paolo Riani durante la inauguración de la exposición que le dedica el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM). Y a juzgar por los bocetos, maquetas y fotografías que conforman la muestra, para él eso ha sido, una aventura, toda su trayectoria creativa. Riani explicó que ha intentado hacer «una arquitectura como escenario adecuado a la vida de los hombres», y para ello ve imprescindible viajar por el mundo, mejor dicho, «vivir en el mundo, que es distinto de viajar». En Paolo Riani, un mundo de arquitecturas, se exhiben sus trabajos en Italia, Japón, Rusia, Libia, Estados Unidos…
Paolo Riani, a la izquierda junto a la directgora del IVAM, Consuelo Císcar y el comisario de la exposición, José María Lozano, a la derecha. - IVAM / La Vanguardia
Arquitecto y urbanista, político, creador de iconos en todo el mundo, y también en su país natal, Italia; con obra en Florencia y Pisa. La obra de Paolo Riani bebe del arte y de la literatura; y se contextualiza en la “situación real” de cada país. Lo dijo hoy Consuelo Císcar, directora del IVAM de Valencia, al presentar la muestra “Un mundo de arquitecturas” dedicada al arquitecto italiano, que estará en el museo hasta el próximo 13 de febrero. Una exposición que reúne 60 piezas: fotografías realizadas a través de Europa, América, Japón, Rusia y Arabia, una selección de proyectos arquitectónicos y colecciones de objetos (miniaturas de aviones de madera o bellísimas piezas de factura y tamaño original, barcos y piezas de barcos, maquetas de trabajo, etc ) que nos permiten acercarnos a la poliédrica personalidad de Riani, que ha sido senador de la República Italiana, y que ha desarrollado su profesión de arquitecto y profesor universitario en Tokio, Nueva York, y en diversas ciudades italianas como Florencia y Pisa.
El Vaticano acogerá la exposición «Gaudí y la Sagrada Familia. Arte, ciencia y espiritualidad» del 1 de abril al 15 de mayo del año 2011 en la Plaza de San Pedro, a petición del mismo presidente de Consejo Pontificio de la Cultura de la Santa Sede, Gianfranco Ravasi.
Barcelona/Roma – Ep
Organizada por la Fundación Joan Maragall y la Fundación de la Junta constructora del Templo de la Sagrada Familia junto al Consejo Pontificio, la exposición dará a conocer los diferentes aspectos de la cultura y de la Iglesia catalana.
En un almuerzo con medios de comunicación, el presidente de la Fundación Joan Maragall, Antoni Matabosch, ha explicado cómo se fraguó la idea en marzo de 2009, con motivo de una visita de Ravasi a la fundación. «Deberíamos montar un evento que representara la cultura catalana», señaló el arzobispo italiano en esa ocasión.
La muestra presentará los aspectos técnicos de la Sagrada Familia, el mensaje religioso de Gaudí, su unión de ciencia, tecnología y fe, su vertiente como diseñador de objetos litúrgicos, así como las diferentes obras del arquitecto catalán.
El presidente delegado del Patronato de la Sagrada Familia, Joan Rigol, acompañado por el cardenal arzobispo de Barcelona, Lluís Martínez Sistach, han señalado que de esta manera será posible «encuadrar históricamente» la figura del genial arquitecto catalán y su obra.
La exposición, de 850 metros cuadrados, es «austera pero de impacto» que pretende ser «una introducción, seducción y explicación» de Gaudí y su obra, ha explicado el comisario de la exposición, que fue el comisario también del Año Gaudí en 2002, Daniel Giralt-Miracle.
Paralelamente, se organizarán actividades entre las que destaca un encuentro entre Ravasi y el arquitecto español Santiago Calatrava para conversar sobre arquitectura y fe y arquitectura y trascendencia. Además, se celebrará una conferencia sobre ‘Gaudí y su tiempo’, en la Embajada de España ante la Santa Sede el 12 de abril.
Para concluir los actos de la cultura catalana en Italia y la Ciudad del Vaticano, el 12 de mayo la Escolania de Montserrat ofrecerá un concierto en la Iglesia de Montserrat en Roma.
La dedicación al culto de la Sagrada Familia de Barcelona, presidida por Benedicto XVI el 7 de noviembre, ha disparado un 23 por ciento las visitas, sobre todo de catalanes, a la basílica, que suma 2.800.000 visitantes en lo que va de año.
Así lo ha manifestado este miércoles el presidente delegado del Patronato de la Sagrada Familia, Joan Rigol, acompañado del cardenal arzobispo de Barcelona, Lluís Martínez Sistach, durante un almuerzo para presentar una exposición de Antoni Gaudí la próxima primavera en el Vaticano.
Los ecos de la visita del Papa a Barcelona se dejarán sentir en Roma en primavera. Del 1 de abril al 15 de mayo del 2011, los fieles y turistas que acudan a la basílica de San Pedro del Vaticano verán en el lado izquierdo de la columnata de Bernini carteles de unaexposición sobre la Sagrada Família y su arquitecto, Antoni Gaudí. Allí, en el llamado Brazo de Carlomagno, se podrá ver la muestra Gaudí y la Sagrada Família de Barcelona: arte, ciencia y espiritualidad.
Catedral de Santa María de la Sede de Sevilla, Patrimonio de la Humanidad - Wikipedia
El trascoro de la Catedral de Sevilla acoge desde hoy y hasta el próximo 6 de febrero la exposición Aedificare, Evangelizare, Servare. Cinco siglos de arquitectura en la catedral de Sevilla, una muestra que a través de documentos históricos, audiovisuales, objetos de arte, mobiliario y piezas arqueológicas explica la azarosa vida de este gigantesco templo.
La muestra incluye en sus 600 metros cuadrados 80 objetos que repasan la creación de la Magna Hispalensis en tres partes: una primera dedicada a la construcción del mayor edificio gótico del mundo, la segunda a las restauraciones sufridas entre los años 1775 y 1992, y la tercera sobre la conservación y el mantenimiento de la etapa actual.
Plano original inédito
De entre todos los objetos que se exponen destaca, por su importancia y porque es la primera vez que se muestra, el conocido como plano de Vidaurreta, primera representación técnica de la Catedral y que sirvió, hace cinco siglos, para que fuera levantada.
La exposición ‘Aedificare, evangelizare, servare‘ recorre cinco siglos de arquitectura en el templo sevillano.
EUROPA PRESS
La Catedral de Sevilla acoge hasta el próximo 6 de febrero la exposición ‘Aedificare, evangelizare, servare‘, un recorrido por cinco siglos de arquitectura en el templo de la capital andaluza, y que exhibe el plano completo más antiguo de la iglesia, hallado en el convento vasco de Bidaurreta por la historiadora de la Universidad de Cantabria (UC) Begoña Alonso Ruiz.
Este «tesoro», según su descubridora, está «excelentemente conservado» y tiene un «enorme grado de detalle» sobre la planta del mayor templo del gótico español, sólo superado en dimensiones por las catedrales de San Pedro del Vaticano y de San Pablo en Londres.
El descubrimiento fue realizado en la primavera de 2008 en colaboración con Alfonso Jiménez Martín, maestro mayor de la catedral metropolitana de Sevilla y arquitecto, y, un año después, ambos investigadores publicaron un libro en el que reconstruyen su hallazgo y el trabajo realizado para contextualizarlo, informa la UC en nota de prensa.
Según la tradición, la construcción se inició en 1401, aunque no existe constancia documental del inicio de los trabajos hasta 1433. La edificación se realizó en el solar que quedó tras la demolición de la antigua MezquitaAljama de Sevilla. 3
En el año 2008, la investigadora de la Universidad de Cantabria Begoña Alonso Ruiz encontró el plano más antiguo que se conoce de la Catedral de Sevilla en el Monasterio de Bidaurreta de Oñate (Guipúzcoa), fue realizado alrededor de 1490.4 Este plano, una vez estudiado, ha aportado importantes datos sobre la construcción del edificio.5
El autor luso exhibe en la Fundación Barrié 14 proyectos en los que destaca su apuesta por «contenedores de vida», el respeto al paisaje, a la cultura y a la historia.
Empieza evocando una visita a la ciudad cuando tenía unos once años, «habitábamos en el centro-norte de Portugal y pasamos un sábado y un domingo aquí». El mayor recuerdo es una ruidosa carrera de motos en el centro de A Coruña con un buen número de accidentes. Esto evocaba ayer Gonçalo Byrne, mientras repasaba los últimos detalles de la exposición que inaugura hoy en la Fundación Barrié, formada por 14 de sus proyectos, en la primera muestra de este tipo que hace en España.
Un denominador común de todos ellos es la importancia que este multipremiado autor da a la presencia humana, a la relación del hombre con el medio. «Los arquitectos tenemos que dar forma y dar habitabilidad a los espacios, no solo para contener la vida, sino para potenciar esta vida; la cosa más importante en la arquitectura es si nosotros podemos dar contributos para que a la gente le guste las ciudades donde habitan, que tengan esa sensación de amor a su ciudad, de participar en ella», explicaba didácticamente.
En cuanto a la llamada arquitectura espectáculo, Byrne sostiene que la obra que queda «es importante si es de calidad y por detrás de ella se puede hablar de un autor; lo que pasa hoy en día es que hay una inversión con la mediatización de la arquitectura: lo que viene en primer lugar es el autor, después se habla del proyecto y solamente al final se habla de la obra, pero potenciando unas características de autorreferencia al autor».
Uno de los proyectos que muestra Byrne es el de la remodelación y ampliación del museo nacional de Machado de Castro, una llamativa construcción «que tiene más de dos mil años», decía el arquitecto. Y es que uno de los restos que todavía se conserva es un criptopórtico romano «cuyo autor posiblemente sea el mismo que construyó la torre de Hércules», explicaba, si bien matizando que no existe una confirmación histórica del ello «pero es una teoría bastante fiable». «Tuvimos que hacer el proyecto en tres meses y ganamos; menos mal que luego nos dieron seis años para desarrollarlo porque cada vez que hacíamos una excavación aparecía algo», explicaba ayer, mostrando la respetuosa intervención. «En el espacio de dos milenios, el lugar acumula el cruce de muchos rasgos revelando no uno, sino varios edificios que se continuaron o sobrepusieron, cruzándose, destruyéndose o fragmentándose, generando restos residuales y duras, firmezas, abusos, o revelaciones de trascendencia, fascinantes», escribe en el catálogo sobre este proyecto.
El arquitecto Gonçalo Byrne muestra sus obras principales
Arquitectura es, dice Gonçalo Byrne, «habitar espacios, llenar de vida un vacío creando formas y estructuras para transformar y mejorar» el uso y disfrute de quienes viven en ese lugar. Y ese es el planteamiento con el que el arquitecto portugués configuró su primera exposición antológica en España, la que acoge desde hoy y durante casi cinco meses la Fundación Barrié de la Maza en A Coruña. Un recorrido por 14 obras de este premiado urbanista que pretende mostrar, según él mismo reseñó ayer, «la noción de territorio como espacio de compromiso entre ciudad y paisaje», entre urbanismo y patrimonio cultural.
La renovación del entorno de una de las abadías cistercienses más importantes de Europa, como es la de Alcobaça (municipio natal de Byrne), o la inclinada y moderna Torre de Control de Tráfico Marítimo de Lisboa que da una continuidad en el tiempo a otras señales de la orilla del Tajo como es la Torre de Belem, integran esta selección de obras que su autor quiso exponer fundamentalmente a través de maquetas para que cada visitante pueda acercarse y percibir en mayor medida la relación entre territorio y urbanidad.
Unos volúmenes que se distribuyen en tres salas diferenciadas para mostrar ejemplos de intervenciones en lugares singulares como el complejo que construyó al pie del mar en la isla de Madeira, obras civiles concebidas como «contenedores de vida» como la sede ante las vías del tren, del Gobierno de Brabante en Lovaina (Bélgica), o proyectos de reciclaje «para dar una nueva existencia a edificios que entran en ruinas» como la remodelación del Museo Nacional de Machado de Castro en Coimbra. En ese apartado también figuran en A Coruña las viviendas y locales comerciales que Gonçalo Byrne (Alcobaça, 1941) desarrolla en la actualidad en Estoril-Sol, en Cascais, o el gran espacio cubierto de asambleas y presbiterio que se erige en el santuario de Fátima.
Gonçalo Byrne, a la izquierda, explica uno de sus proyectos a Javier López, ayer en la Barrié Fran Martínez - laopinioncoruña.es
A Coruña, 17 nov (EFE).- La obra del arquitecto portugués Gonçalo Byrne (Alcobaca, 1941) podrá conocerse en España gracias a la exposición antológica que la Fundación Pedro Barrié de la Maza mostrará durante los próximos meses en su sede de A Coruña, que reúne sus proyectos más emblemáticos.
«Gonçalo Byrne. Urbanidades» ha sido presentada hoy en A Coruña con la presencia del arquitecto portugués, que ha explicado que concibe los edificios como «contenedores de vida» y ha resaltado que todas sus construcciones buscan ponerse el servicio de sus moradores.
La Fundación Barrié inaugura esta tarde la exposición ‘Gonçalo Byrne. Urbanidades’, en la que se muestran maquetas y planos de los 14 proyectos más destacados del arquitecto portugués.
Luis P. Ferreiro | A Coruña
La Fundación Barrié inaugura esta tarde, a las 20.00 horas la exposición Gonçalo Byrne. Urbanidades, dedicada a la obra del prestigioso arquitecto portugués. La instalación, que se podrá visitar hasta el 3 de abril de 2011, es la primera antología de Byrne que se realiza en España y en ella se muestra al detalle los 14 proyectos más destacados de este creador luso.
La exposición fue presentada ayer por el propio Byrne y por el director de la Barrié, Javier López, quien afirmó que el montaje dedicado al arquitecto portugués guarda puntos en común con la instalación que la institución dedicó a Chipperfield hace unos meses: “Son dos tipos de arquitectura pensadas para personas, no tan espectaculares como otras, pero que tienen en cuenta el entorno urbano”.
“La instalación recuerda aspectos como que la arquitectura es una producción de ideas, de conceptos con una autoría —apreció Gonçalo Byrne—. Es una forma de conocimiento que toca la tecnología pero de forma muy transversal”.
El arquitecto remarcó que todos sus creaciones tienen una clara voluntad narrativa: “Los 14 proyectos aquí expuestos cuentan una historia. Pretendo que la gente entienda la importancia de las formas como contenedores de vida”.
Francia celebra a Charles Garnier, el hombre que inventó el estilo de su capital.
Juan Manuel Bellver (Corresponsal) | París
Bajo el título de Garnier: un arquitecto para un Imperio, la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París presenta, hasta el 9 de enero de 2011, la más grande exposición retrospectiva dedicada jamás a Jean-Louis Charles Garnier (1825-1898), el hombre que construyó la Ópera de París (hoy conocida popularmente como Ópera Garnier) y muchos otros edificios representativos de la grandeur de la ciudad del Sena en la época de Napoléon III.
La muestra, que reúne cerca de 300 obras del autor en las galerías del Quai Malaquais, se completa con L’Oeil et la plume, una recopilación de caricaturas que se exhibe en el cercano Gabinete de Dibujos de Jean Bonna. Con estas dos visiones del trabajo dual de Garnier, la escuela redunda en su política de ir mostrando parcialmente esa espléndida colección de obras de arte que atesora desde hace 400 años, al tiempo que rinde homenaje a quien el propio catálogo de la exposición define como «el más celebre y talentoso de cuantos alumnos han pasado por las aulas de la rue Bonaparte».
Charles Garnier. Wikipedia
Conocido mundialmente por la construcción de la ópera parisina durante el Segundo Imperio Francés, Garnier ganó el concurso promovido por el Emperador Napoleón III, tras haber obtenido meritoriamente en 1848 el prestigioso Prix Rome. En 1861, hubo de ponerse a las órdenes del Barón Haussmann, a quien el emperador había confiado el plan urbanístico de la ciudad, que incluía, además de un trazado circular de amplios bulevares, derrumbar 12.000 metros cuadrados en el noveno arrondissement, para construir al norte del Louvre un moderno teatro que albergara las reputadas compañías de ópera y ballet de París.
A su muerte, Charles Garnier (1825-1898) fue el arquitecto francés más conocido del siglo XIX, y uno de los más famosos del mundo. La Ópera Garnier, considerada incluso antes de su finalización como una obra maestra de la arquitectura de su tiempo, fue también uno de los primeros y uno de los pocos edificios en la historia francesa que llevan el nombre de su autor. Hoy una exposición en París recuerda al arquitecto y a su obra.
Francia celebra a Charles Garnier, el hombre que inventó el estilo de su capital.
Bajo el título de Garnier: Un arquitecto para un Imperio, la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París presenta, hasta el 9 de enero de 2011, la más grande exposición retrospectiva dedicada jamás a Jean-Louis Charles Garnier (1825-1898), el hombre que construyó la Ópera de París (hoy conocida popularmente como Ópera Garnier) y muchos otros edificios representativos de la grandeur de la ciudad del Sena en la época de Napoléon III.
Palacio de los Deportes, Ciudad deportiva de la Magdalena Mixchuca, México. Wikipedia
La exposición que el IVAM y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) dedican a la obra de Félix Candelaejemplifica el proceso de asimilación de la dramática experiencia del exilio y su integración en los complejos procesos de modernización y urbanización de los países latinoamericanos. Su experiencia profesional, y su actuación tanto en el medio público como en el privado, muestran una concordancia y la consecución de una serie de logros que conformaron uno de los momentos privilegiados del imaginario asociado al exilio dentro de la arquitectura latinoamericana.
La exposición, con la que el IVAM y la SECC recuerdan a Félix Candela en el centenario de su nacimiento, presenta un conjunto de fotografías realizadas por renombrados fotógrafos; planos y dibujos; maquetas de sus edificios más emblemáticos; objetos personales y un apartado multimedia que incluye dos documentales (Una biografía y Aquella primavera creadora…); y 20 reconstrucciones 3D de edificios que se completan con la ubicación geográfica e información sobre las influencias que tuvoCandela y que generó posteriormente.
Félix Candela (Félix Candela Outeriño)
El catálogo de la exposición reúne una amplia documentación sobre sus proyectos, reproduce las obras expuestas y contiene textos sobre la figura de Félix Candela y su arquitectura, del comisario de la exposición Juan Ignacio del Cueto Ruiz-Funes, y de Luis-Alfonso Basterra, Elisa Lozano, Juan Antonio Tonda Magallón, Inés Sánchez de Madariaga, Henry Vicente y Graciela de Garay.
Una muestra acerca la obra del exiliado en México, precursor de Calatrava y autor del restaurante de l’Oceanogràfic, en los cien años de su nacimiento.
ALFONS GARCIA VALENCIA Félix Candela (1910-1997) tenía 26 años el 18 de julio de 1936, acababa de finalizar arquitectura y había obtenido una beca para ampliar estudios en Alemania. Ese preciso día tenía que coger el tren en Madrid para partir, pero enterado del alzamiento militar contra el Gobierno decidió en la misma estación quedarse. Fue capitán del ejército de la República, nunca pegó un tiro, pero se hartó de construir trincheras en el frente de Teruel. En 1939 salió por los Pirineos hacia Francia y tras el «expolio» y la «desconsideración» -lo contó así él mismo- en un campo de concentración galo, en mayo de ese año, sin saber quién lo incluyó en la lista, se subió al mítico barco Sinaia camino del exilio en México, país en el que se nacionalizó en 1941 para no volver a pisar la España franquista.
Se larga la 18° edición de la tradicional feria de materiales Fematec, una fuente de información variada para los profesionales sobre nuevos materiales, tecnologías y proveedores para la construcción. Quienes se acerquen al Centro Costa Salguero podrán participar también de conferencias y cursos de capacitación gratuitos.
Las novedades se distribuyen en casi todos los rubros. Y, como marca la tendencia mundial en lo referente a las energías renovables, los expositores se esfuerzan en destacar las características ecológicas de cada producto.
Este año, se presentará un prototipo de vivienda sustentable desarrollada por el Instituto de Investigación en Diseño y Geo referenciación de la Facultad de Arquitectura, Diseño, Arte y Urbanismo de la Universidad de Morón. El modelo fue pensado para instalarse y adaptarse a las diferentes regiones del país, de tal forma que con algunas modificaciones en su materialidad pueda responder a los requerimientos del clima y de la topografía. Se trata de una construcción de dos plantas, realizada con bastidores estructurales de madera, revestidos en placas de terciados fenólicos y vigas laminadas. Siete arcos reticulados de hierro conforman la estructura exterior, una superficie parabólica de cañón corrido. Una doble piel traslúcida de policarbonato rellena en su interior con material
inorgánico reciclado, colabora para mantener una temperatura de confort dentro de la casa. A su vez, una serpentina de tubos por dentro de la piel permitirá calentar el agua. Y unas canaletas recolectarán el agua de lluvia para riego y otros usos.
Siguiendo con la temática sustentable en el rubro de iluminación, se presentarán artefactos solares para la vía pública (de Solar Shop). El equipo se compone de mástiles con lámparas led, panel solar, batería y controlador. También mostrará una lámpara solar para piscinas.
Por su parte, Kudai exhibirá un soporte de paneles fotovoltaicos que siguen el movimiento solar.
Buenos Aires, 5 de octubre (Télam).- La 18va. Feria Internacional de Materiales y Tecnologías para la Construcción `FEMATEC 2010`, abrirá mañana sus puertas y se extenderá hasta el sábado venidero en el Centro Costa Salguero, en la ciudad de Buenos Aires.
Durante la tradicional muestra, más de 240 empresas expositoras nacionales y extranjeras presentarán las últimas novedades y tendencias en tecnologías y materiales y los servicios más requeridos por quienes trabajan en la actividad.
Además, habrá un sector al aire libre con una Plaza de Máquinas para la Construcción.
En tanto, la nueva Guía FEMATEC para la Industria de la Construcción edición 2010 también será lanzada en la muestra.
Entre las actividades académicas de la expo se destacan el 6to. Congreso de CEPRARA, que contará con la presencia del reconocido arquitecto Clorindo Testa, y el 2do. Foro Nacional de Instaladores Matriculados de Gas, organizado por Federación de Instituciones de Instaladores Gasistas, Sanitaristas, Anexo y Afines.
Sobresalen también el seminario denominado `Tendencias en la estabilización de compuestos de PVC, libres de metales pesados`, a cargo de la Asociación Argentina de PVC, y un ciclo de conferencias organizado por el Distrito IV del Colegio de Arquitectos de la Provincia de Buenos Aires.
La Feria estará abierta al público el miércoles 6 y el jueves 7 de 14 a 21, el viernes 8 y el sábado 9 de 12 a 21. (Télam).-
Arquitectonico 
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