Teléfonos móviles, I-pad, 3-D, Internet. Tecnología, máquinas, nuevo, moderno, a la última. Han pasado ya 100 años desde que Filippo Tommaso Marinetti cantase «a las mareas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas» en su ‘Manifiesto futurista‘ (1909).
Italia se enorgullece de una de sus exportaciones artísticas más importantes – mayoritariamente literaria -, de la vanguardia patria por excelencia que, un siglo después, se mantiene vigente y con una salud de hierro. Pero el Futurismo no es sólo Marinetti; también, entre otros, Papini o Palazzeschi.
Palabras, imágenes, sonidos, movimiento… Arte para todos los sentidos. Al ritmo de la potente voz de Finazzer Flory, las improvisadas notas del saxofón de Ricardo Bianco, los rápidos movimientos de la ‘danzatrice’ Michela Lucenti y los visuales de las coloridas pinturas de Balla, Carrá o Boccioli.
La aventura de uno de los centros sociales okupados (CSO) más emblemáticos de Madrid llega a su fin. Agentes de la Policía Nacional han desalojado el Patio Maravillas, un espacio polivalente autogestionado ubicado en el edificio de la calle Acuerdo, número 8, después de que un juzgado diera orden de dejar libre esta zona, informaron los afectados.
El desalojo se ha producido sin ningún incidente después de que la Policía y los activistas negociaran una salida pactada del edificio. En el momento del desalojo sólo tres personas se encontraban en el centro, que lo han abandonado sin oponer resistencia alguna.
La rápida y pacífica resolución de la actuación contrata on el fuerte dispositivo desplegado en los alrededores de este centro social.
Según relatan los activistas a través de la red social Twitter, los agentes ya se encuentran dentro del edificio y han procedido a identificar a quienes se encontraban en el interior, así como a varias de las personas que se concentran en los alrededores.
El diseño, el arte, la funcionalidad y el confort se conjugan de forma magistral en St. Martins Lane, un hotel boutique que el audaz empresario neoyorquino Ian Schrager proyectó en el West End londinense y en el que ha dejado su inconfundible sello el polifacético diseñador Phillip Starck.
Patricia Osuna
Una loa al surrealismo, puro elogio del arte y del diseño. Así fue concebido en 1999 el St. Martins Lane, un hotel boutique del West End londinense que luce sin ambages la etiqueta de provocador, original, elegante y armónico. Eso sí, no se trata de un mero escaparate. St. Martins Lane es capaz de conjugar la decoración —de un gusto exquisito— con la funcionalidad y el confort.
El artífice de tan innovadora fórmula no es otro que Ian Schrager, empresario neoyorquino y promotor —junto a Steve Rubell— de las célebres discotecas Studio 54 y Palladium, templos del hedonismo y la psicodelia donde lo más granado de la jet set norteamericana y europea dio rienda suelta a sus excesos nocturnos en los 70 y 80.
Impulsado por el éxito que cosechó en Manhattan, Schrager decidió entonces introducir el avant-garde en el anquilosado sector hotelero. Morgans, en Nueva York, encabezaría una larga lista de hoteles con personalidad propia: el Delano en Miami, el Mondrian en Los Ángeles, Hudson en Nueva York o el Clift en San Francisco. Después llegó el momento de cruzar el charco. Recaló en Londres y, con la mejor tarjeta de presentación posible -la de haber sido el acuñador del concepto de boutique hotel– inauguró St. Martins Lane.
Para su proyecto londinense contó con la colaboración del polifacético diseñador francés Phillip Starck. El resultado: un hotel as theatre en el que los espacios comunes son improvisados escenarios teatrales donde el cliente —un amplio espectro de trotamundos y viajeros de la upper class— actúa sin guión.
Cúpula y cascarón absidal de la iglesia de los Santos Apóstoles en Nápoles
REPORTAJE: ARTE – Exposiciones
Nápoles pone a la vista lo mejor de su amplio repertorio del barroco a través de media docena de exposiciones y una serie de obras restauradas, en itinerarios urbanos que refuerzan su identidad
ROBERTA BOSCO
Seis exposiciones en otras tantas sedes museales históricas (que de por sí solas, ya valen el viaje), centenares de obras (pinturas, dibujos, esculturas, muebles, joyas, tejidos, cerámicas y porcelanas) y 51 itinerarios urbanos y regionales en los lugares del barroco (iglesias, cartujas, palacios y jardines), conforman Retorno al Barroco.De Caravaggio a Vanvitelli, el más completo e importante proyecto de investigación y difusión de la producción artística en la ciudad de Nápoles a lo largo de 150 años, entre 1600 y 1750.
Treinta años después de la gran muestra sobre el barroco que tras el terremoto de 1980 dio la vuelta al mundo, Nápoles presenta un fascinante recorrido a través de historia, arte y arquitectura, que se propone restituir a la ciudad aquel conjunto de arte y cultura, símbolo de su originalidad y su identidad. «No se trata de una exposición filológica, estructurada por épocas y escuelas, sino de un gran proyecto territorial que, con el objetivo de recuperar la identidad napolitana, documenta los progresos de los últimos 30 años sobre aspectos, momentos y géneros de esta época de exuberancia y esplendor, cronológicamente comprendida entre la llegada de Caravaggio a Nápoles en 1606 y el regreso de Carlos de Borbón a España en 1759», explica Nicola Spinosa, el mayor especialista italiano de arte barroco, que fue durante más de dos décadas superintendente a las Bellas Artes de la región Campania.
La imagen forma parte del proyecto ‘Objetivo barroco’ del fotógrafo Luciano Pedicini, que reúne una serie de imágenes especialmente representativas del triunfo de la arquitectura barroca.- LUCIANO PEDICINI
The Haus der Deutschen Kunst was built in 1933-37 to replace the Munich "Glass Palace" Art Gallery
Fue construido en Munich por Hitler para exhibir 2.000 años de arte germano. Desde el fin de la guerra atraviesa distintas etapas, sin abandonar nunca la discusión de su propia historia. El arte que hoy exhibe interviene su arquitectura, pensada desde el nazismo.
Por: Alberto Giudici
Fue uno de los edificios preferidos de Adolf Hitler. No sólo porque controló obsesivamente cada detalle de su diseño, sino porque la Haus der Deutschen Kunst (Casa del Arte alemán), en Munich, reuniría en su interior dos mil años de la producción artística germana: toda una exaltación del genio ario a lo largo de su historia. De proporciones monumentales, sólo el pórtico medía, y mide hoy, 175 metros de largo. En cada uno de sus extremos había un fóculo, cavidad inmensa para encender el fuego sobre un basamento de piedra: un panteón del arte donde la llama sagrada iluminaba el ideario nazi. Hoy, el fóculo no existe, la solemne escalinata que llevaba al Salón de entrada, el Ehrenhalle, fue eliminada y el pórtico está tapado por una espesa arboleda que recorre la fachada. Difícil ubicarlo si uno va distraído, salvo que detrás del tupido follaje asome como en estos días, algo que parece un interminable edredón de estridentes colores, en azul y rojo. Se trata de una intervención del artista y arquitecto chino Ai Weiwei para su muestra So Sorry (Cuánto lo siento, sería la irónica traducción), abierta hasta el 17 de enero. Salvo en las esquinas, donde tampoco hay arboleda, pero sí pósteres gigantescos del artista con aires de mandarín, la instalación recorre buena parte del frente. Titulada «Remembering» (Recordando), mide 100 m de largo por 10 de alto y 9.000 mochilas de colores, una evocación de los escolares muertos por el derrumbe de colegios, durante el terremoto en la ciudad china de Sichuan, en 2008.
The artist in his Weimar atelier in 1922 (ZPK/Donation fam. Klee/Felix Klee) ()
When Klee arrived at the Bauhaus school in Weimar, Germany in 1921 to take up a teaching post as «Meister», he was already a famous avant-garde artist.
The school, whose motto was «art and technology – a new unity», was charged with producing a new guild of craftsmen, in the words of founder, architect Walter Gropius.
Socialist in nature, the institute aimed to «raise the arrogant barrier between craftsmen and artists», according to Gropius.
During the early years of the Bauhaus, an artist was consigned to a craftsman, the idea being that they were two halves of a whole – the former would teach the formal course content, the other the practical.
This is where Klee the artist fitted in, teaching first bookbinding and later taking charge of the stained glass and mural painting workshops.
His new appointment forced him to order his thoughts on the theoretical aspects of creating art.
Prior to joining the Bauhaus, his considerations were of a private nature, contained in his diaries and letters addressed to his wife, Lily, a talented pianist who was frequently away from home on musical tours.
1921: Klee joins the Bauhaus Weimar as a «Meister».
1926: Bauhaus moves from Weimar to Dessau after the Thuringian government cuts its subsidy.
1926: The Klee family move into a «Meisterhaus», a purpose-built semi-detached house; their neighbour is Russian-born painter Wassily Kandinsky.
1930: The Fine Arts Academy in Düsseldorf offers Klee a post, which he accepts.
1933: The Klee family moves back to Switzerland.
In brief
The Bauhaus Academy existed from 1919-33 in Germany and its motto was «art and technology – a new unity».
Its founder was the architect Walter Gropius, who wanted to produce a new guild of craftsmen, who would «raise the arrogant barrier between craftsmen and artists».
The Bauhaus had three homes (in the following order): Weimar, Dessau and Berlin.
The downfall of the Bauhaus was due to the rise of National Socialism in Germany.
Junto a Herzog y De Meuron diseñó la espectacular estructura del Nido de pájaro, el estadio olímpico de Pekín, obra que le sigue gustando aunque deplora y critica la utilización de la misma que hizo el Gobierno chino. Asegura que la sociedad china no es estable, «con ricos muy ricos y pobres cada vez más míseros; el Gobierno sólo se aferra al poder y eso les llevará a la autodestrucción. Lo saben y por eso se afanan ahora en coger todo lo que pueden y colocarse ellos y sus familiares en las empresas que se crean. Aquello no es socialismo ni capitalismo, es corrupcionismo. La gente cada vez está más harta y no se sabe qué pasará».
Las cumbres iberoamericanas deben convertirse en algo más que un encuentro económico o político. El escultor mexicano Rivelino lo tiene claro, por eso ha creado, para la próxima celebración de esta reunión en Lisboa, la exposición callejera «Nuestros silencios».
En la misma plaza del Marqués de Pombal, 10 gigantes hechos de bronce y un cubo táctil en acero representan «todo lo que las personas prefieren no decir». El tema de fondo, la libertad de expresión, será también objeto de tratamiento en exposiciones fotográficas y mesas redondas.
Las esculturas, que miden 3,2 metros de alto y pesan 850 kilos cada una, estarán expuestas en Lisboa hasta enero de 2010. Entonces, viajarán a seis ciudades europeas: Madrid, Bruselas, Roma Berlín, Londres y finalmente, Burdeos, donde se ubicarán en calles, plazas o jardines, porque «la calle es el lugar idóneo para presentarlo, ya que no se tiene que pagar un boleto, formarse, ni ceñirse a un horario o una etiqueta de vestimenta», concluyó el artista mexicano.
«Cada uno está detallado con una caligrafía que caracteriza a mi obra. Además, tienen ciertos ornamentos que los hacen diferentes unos de otros. Algunos llevan sobre la boca una placa que hace alusión a este silencio, que en la mayoría de las ocasiones es involuntario… Pensando en incluir a todos los grupos sociales, diseñé un cubo de acero que tiene en su interior las 10 piezas a escala para los invidentes«, comentó el artista a un periódico mexicano.
Salamanca, Exterior de las dos catedrales, vistas desde el sur
CARLOS TABERNERO | MADRID
Quizá la Historia política y económica se haya olvidado a través de las centurias de Salamanca. Pero lo cierto es que el siglo de la cultura, enmarcado irónicamente en el mismo periodo que el de la barbarie, no podía dejar de lado, aunque fuese en su atardecer, su reconocimiento a la ciudad castellana. Así, en 1988, la capital charra se convirtió en Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO y catorce años después, recibió la denominación de Capital de la Cultura.
Enmarcada en el suroeste de la meseta castellanoleonesa, Salamanca cuenta con 150.000 habitantes, a los que se unen cada año unos 30.000 estudiantes procedentes de todos los rincones del planeta para disfrutar con las clases que se imparten en la Universidad de Salamanca, segunda institución educacional más antigua de España. Sus casi ocho siglos de historia han contemplado a los estudiosos y académicos más granados de la cultura nacional y en sus aulas aún se respiran las lecciones de Don Miguel de Unamuno, ilustre rector durante los años previos a la Guerra Civil.
Roma «la chica»
Por si el saber contenido en la Universidad no fuese suficiente, las calles de Salamanca están repletas de historia y cultura. Al fin y al cabo, el centro geográfico de la capital charra posee uno de los conjuntos arquitectónicos más ricos de la Península, motivo por el que se conoce a la ciudad como Roma «la chica». A cada paso, un monumento eclesiástico o civil con el que gozar del incólume paso del tiempo y las modificaciones que eso ha supuesto para el arte. El Puente Romano, que conecta las dos partes de la ciudad y que cuenta con más de 2000 años de historia. Las dos catedrales, cuya construcción atravesó cuatro siglos de nuestra historia y en las que se pueden ver reflejados el arte románico y gótico, caso de la Catedral Vieja, y el barroco propio de la Catedral Nueva. El plateresco que recorre cada uno de los arcos de la Plaza Mayor. O la modernista Casa Lis, ocupada ahora por el museo del mismo nombre.
Hockney, junto a sus obras en la Tate Gallery. | AFP
ELMUNDO.es | Madrid
El británico David Hockney, uno de los pintores más influyentes del mundo, acaba de exponer, a sus 72 años, la primera de sus pinturas elaborada a partir de su iPhone y una pantalla digital en la Tate Gallery .
El enorme panel ‘Grandes árboles junto al agua’ (2007), una monumental pintura de un día gris en Yorkshire que Hockney elaboró en una pequeña habitación a base de clicks de ratón, se expone desde el lunes flanqueada por dos versiones fotográficas del mismo día nublado en el mismo paraje.
La obra, realizada con la aplicación Brush, fue cedida a la Tate por el artista hace dos años y aunque ésta no es la primera vez que se muestra, -ya se expuso en la Royal Academy-, sí es la primera vez que se la ve con las dos versiones fotográficas.
Jóvenes artistas plasman su visión de la ciudad en ‘48 barrios‘
* La muestra se expondrá nuevamente en febrero con motivo del Bicentenario
Teresa Guerrero | Buenos Aires
San Telmo, La Boca, Recoleta, Palermo…cada barrio de Buenos Aires evoca historias y anécdotas que han contribuido a crear un mito. Y es que la capital argentina es mucho más que la ciudad del tango: una urbe apasionada por el teatro, el fútbol, la conversación, la buena música y la mejor carne, que a menudo se paraliza por los piquetes y las protestas pero en la que la creatividad nunca se agota.
Un grupo de jóvenes artistas ha intentado plasmar su espíritu en ’48 barrios’, una iniciativa del Gobierno de Buenos Aires para promocionar la página web del área de juventud: «Nos centramos en los barrios porteños, que son 48 y no 100, como dice el mito, y desarrollamos con 48 artistas diferentes la iconografía de cada uno, representada con la libre interpretación de cada artista», explica Ezequiel Fernández Langán, director de la Unidad de Coordinación de Políticas de Juventud de Buenos Aires.
Las obras, que ya han sido recopiladas en un libro, fueron encargadas tanto a argentinos como extranjeros. La selección de los artistas y del estudio que organizó la muestra –FURIA– tuvo como eje la diversidad y la pluralidad de las propuestas. «Buenos Aires es una ciudad muy rica culturalmente, y queríamos que esa intensidad se reflejara en la mirada y las historias de sus personajes», afirma Fernández Langán.
Jeanne-Claude, 74, American artist and resident of New York City, died suddenly November 18, 2009
La artista francesa Jeanne-Claude Denat de Guillebon, esposa y pareja profesional del creador de origen búlgaro Christo Javacheff, falleció a los 74 años en Nueva York, informó hoy la página web del conocido matrimonio.
Jeanne-Claude, famosa sobre todo por los proyectos que realizó junto a su marido para envolver grandes superficies como el Pont Neuf de París, el Parlamento alemán en Berlín o las islas de la Bahía de Vizcaya en Miami (EEUU), murió el miércoles por la noche en un hospital neoyorquino como consecuencia de un derrame cerebral.
«Anoche murió una de las artistas neoyorquinas más importantes», dijo hoy el alcalde de Nueva York, Michael Bloomberg, en una conferencia de prensa, en la que alabó el trabajo de la fallecida, quien en 1964 se asentó junto a Christo en la Gran Manzana, donde desarrollaron uno de los proyectos más importantes de su carrera.
La francesa Jeanne-Claude Denat de Guillebon, esposa y socia creativa del búlgaro Christo Javacheff, falleció ayer, en Nueva York, a los 74 años. Junto a su marido ejerció cual dupla cruzada de perpleja modernidad y moderado naif. Durante años -y sin dinero- deshojaron los senos de las ciudades a base de paños, un orgasmo de telas color mandarina en Central Park, la repetida y celebrada conspiración de mantos colosales que financiaban vendiendo acuarelas, como alquimistas que anticiparan su propia magia en dosis portátiles.
Nueva York, 19 de noviembre. La pareja de artistas Christo y Jeanne- Claude, que causó furor en el mundo por envolver con tela edificios emblemáticos, era considerada inseparable.
Un libro retrata a la pareja de artistas más allá de su extravagante imagen
EL MUNDO.es | Madrid
Nacieron el mismo día y se peinaban casi igual, pero siempre volaban en aviones diferentes para que «si uno se estrellaba, el otro pudiera continuar con su obra». Él, siempre serio; ella, locuaz. Había algo casi novelesco en sus dos figuras y en su empeño obsesivo por emprender proyectos imposibles.
Pues no. Christo Vladimirov Javacheff y Jeanne-Claude Denat de Guillebonhan, Christo y Jeanne-Claude, formaron un proyecto intelectual y artístico ambicioso, complejo y, a su manera, doloroso. «Como artista, tengo que tener coraje … ¿Sabe que no tengo una sola obra de arte nuestra? Todo lo que hemos hecho ha desaparecido, se ha consumido. Sólo quedan algunos dibujos, algunos trabajos preliminares…».
Arquitectonico 
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