Los mejores sitios y servicios para visitar galerías de arte y ciencias naturales sin moverte de tu casa. Algunos ofrecen recorridos 3D y vistas panorámicas de lugares históricos y culturales.
Sentir que se pasan con devoción los dedos por la superficie de un Cristo de Salvador Dalí y de Andrea Mantegna. Recorrer los casi infinitos pasillos y salones de los museos del Louvre y del Hermitage. Acompañar en el abrazo de la madre al hijo en la Piedadde Miguel Angel.
¿Ciencia ficción? ¿Un imposible? En realidad, no. Si analizamos las herramientas de la tecnología que tenemos en la actualidad vemos que ya es posible una visita virtual inmersiva a un museo. Todavía no se han llevado a la práctica, pero no es aventurado estimar que nuestra generación lo disfrutará. Alta definición, 3D, ancho de banda, cascos de realidad virtual, interfaces que entreguen estímulos sensoriales al usuario – como podría ser el mousepad de una consola -, son elementos existentes en la actualidad. Tal vez falta que alguien los junte para llevar a la práctica la maravillosa aventura que significará recorrer museos de cualquier continente sin tener que viajar o contar con un abultado presupuesto para pasajes y hoteles.
Las aplicaciones serían inmensas. Si uno estuvo en la National Gallery de Washington y quiere revivir esas horas. O sueña con la experiencia mágica de caminar por Santa Sofía, en Estambul. Si quisiéramos llevar de viaje virtual a un grado de 30 alumnos al Museo de Historia Natural de Londres. Algún día todo esto será posible y ese día no está muy lejano.
Mientras tanto, las instituciones del mundo destinadas a conservar el legado de los grandes artistas, objetos históricos, edificios que fueron testigos de momentos clave de la humanidad, y museos de ciencias naturales están ofreciendo sus catálogos online. Cuadros, esculturas y objetos de arte pueden observarse en las páginas oficiales en mayor o menor resolución. Incluso en algunos casos ofrecen formatos especiales para impresión para que los escolares puedan incluir estas imágenes en sus deberes.
Utilizando algunas herramientas como el QuickTimede Apple, el Flash 8 o superior (de Adobe), algunos museos ofrecen a los visitantes de sus webs vistas en 360°.
Ampliación del Instituto de Arte de Chicago, completando el Parque del Milenio, obra de Renzo Piano - Foto: Clarín Arquitectura
Arquitectura – Proyecto Internacional
La ampliación del Instituto de Arte de Chicago viene a completar el Parque del Milenio. Liviano y transparente, el edificio muestra las piezas artísticas con el entorno urbano como un magnífico telón de fondo.
El parque Grant se interrumpía por un gran predio ocupado por el Ferrocarril Central de Illinois. Entre ambos, en un edificio originalmente construido para la Exposición Mundial de Chicago (1892) se instaló el museo de Bellas Artes. El edificio se vincula con la avenida Michigan a través de una serie de terrazas y jardines de uso público que resultan la natural expansión del parque Grant. A lo largo del siglo XX, gracias al crecimiento de su acervo, el museo requirió sucesivas ampliaciones. Sin embargo, el tendido de las vías que pasa por detrás del edificio planteó la necesidad de continuar las instalaciones del museo hacia la avenida Columbus, conectando ambos edificios con un ala proyectada a la manera de un puente sobre las vías. A partir de 1998, en lo que eran las instalaciones del ferrocarril, desafectadas desde 1977, comenzó a construirse el Millennium Park, e hizo evidente la importancia del terreno remanente del museo entre las vías y la avenida Columbus, sobre la calle Monroe, que lo separa del parque.
En 1999 Piano comenzó lo que sería una década de trabajo entre proyecto y construcción de las nuevas salas, dedicadas al arte del siglo XX. Con la Modern Wing, el arquitecto no solo amplió los espacios de exhibición, sino que puso en funcionamiento una nueva fachada y un nuevo acceso para el museo del siglo XXI.
A primera vista, el plan de Piano no podía ser más simple, y a la vez, más clásicamente moderno. Propone dos cuerpos que forman una “L”, con el pabellón más corto y ancho sobre la calle Monroe y el más largo paralelo a las vías, conectados por un extenso lobby, proyectado como una calle de doble altura cubierta por un techo de vidrio que contiene el acceso. A esta calle abren las salas de exposiciones temporarias y las dedicadas a cine y fotografía. El lobby organiza el nuevo pabellón y lo vincula con los edificios existentes y con el Millennium Park.
En la planta baja, hacia un lado del acceso, están las áreas de extensión y de educación, con las aulas abiertas hacia un jardín interior, cerrado y reposado; y hacia el otro, la tienda del museo. En los dos pisos altos, las salas de exposiciones, una terraza pública de esculturas y el restaurant, ingeniosamente llamado Terzo Piano. Recorrer las salas produce un goce extraño: el arte del siglo XX parece vibrar con una intensidad mayor, iluminado por el paisaje de Chicago.
Foto Archivo ABC - Imagen del Museo Guggenheim de Nueva York
Arte
La Fundación Solomon Guggenheim y la plataforma de vídeos online unen sus fuerzas para encontrar a los artistas del futuro.
EFE / NUEVA YORK
La Fundación Solomon Guggenheim unirá sus fuerzas con YouTube para encontrar los vídeos más creativos de ese portal y exponerlos simultáneamente en todos los museos de la prestigiosa institución.
Bajo el nombre de «YouTube Play. Bienal de vídeo creativo», la fundación ha puesto en marcha un concurso con el que pretende descubrir nuevos talentos en el campo del vídeo entre los miembros de toda la comunidad online, a quienes premiará abriendo para sus creaciones las puertas de sus museos en Nueva York, Bilbao, Berlín y Venecia.
Un jurado de expertos, entre los que se encuentran «figuras destacadas del mundo del arte, el diseño, el cine y el entretenimiento», según la fundación, seleccionará un máximo de veinte vídeos que se expondrán del próximo 21 al 24 de octubre en los distintos Guggenheim del mundo.
«La videocreación online es una de las formas de expresión personal más innovadoras y rotundas en la actualidad. Este proyecto se impulsó para inspirar y fomentar la creación y la celebración de este foro artístico», señaló hoy en un comunicado Richard Armstrong, director de la Fundación Solomon Guggenheim, con sede en Nueva York, donde también se anunció la intención de que la iniciativa se repita cada dos años.
YouTube anunció un certamen junto al centro de exposiciones Guggenheim para buscar la producción de Internet más creativa; los ganadores serán exibidos en Berlín, Bilbao, Nueva York y Venecia
El día 3 (de junio) ve la luz en Cáceres el Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear, que acogerá 2.500 obras de los mejores artistas contemporáneos. Y lo hará por todo lo alto, con una fiesta a la que acudirá lo más granado del arte nacional e internacional, incluidos muchos artistas presentes en su colección. De momento, será una inauguración a medias. Se encargó a los arquitectos Tuñón y Mansilla la rehabilitación de una casa-palacio (la llamada Casa Grande) de 3.500 metros cuadrados en la calle Pizarro, cuyas obras se han prolongado cinco años, con un presupuesto de 9 millones de euros. En este espacio irán rotando los fondos de la colección Helga de Alvear.
El nuevo centro gestionará la vasta colección de Helga de Alvear, compuesta por aproximadamente 2.500 obras realizadas por grandes figuras del arte contemporáneo. 115 de ellas han sido seleccionadas por el comisario José María Viñuela para formar parte de la exposición «Márgenes de silencio», que puede visitarse desde ayer. Los trabajos escogidos, entre cuyos autores figuran John Baldessari, la recientemente fallecida Louise Bourgeois, Andreas Gursky, Juan Muñoz, Thomas Schütte oSantiago Sierra, abordan el modo en que se ha abordado el concepto de silencio desde los diferentes lenguajes artísticos y se fechan entre 1963 y 2009.
“Seguí combina el rigor artístico con la identidad popular –afirmó el ministro de Cultura, Hernán Lombardi–. Es fantástico que además de estar en museos y las galerías, renueve el espacio público de la Ciudad”.
En la obra que ahora cubre el Edificio del Plata, Seguí rescata con el humor que lo caracteriza figuras de manual escolar, como la del Cabildo. Y también personajes como Borges, el nadador Pedro Candioti, el jugador de RiverAdolfo Pedernera y el de Boca, Severino Varela, aún recordado por el gol que le metió a River de cabeza y con una boina blanca puesta en 1943. Pero además de usar imágenes, el artista refleja mitos y máximas en leyendas escritas a veces en cursiva, a veces en mayúscula, como si el lienzo fuera un cuaderno. “Sean solidarios”; “Alpargatas para todos”, “La Misa Criolla”, “Sargento Cabral” se lee en una gran sopa de letras.
Antonio Seguí creó “Los mitos de mi infancia” por encargo del Gobierno porteño, especialmente para el edificio donde es exhibida . “Traté de reflejar lo que veía en mi pizarra cuando tenía 8 años”, le contó a Lombardi mientras ambos supervisaban la impresión de la reproducción, el lunes pasado, un día antes de regresar a París, donde reside desde 1963.
Prehistóricos. Dos pájaros que habitaron la tierra hace más de 40 mil años. Foto: Diario Los Andes
PorVictoria De Masi
Un grupo de científicos australianos estima haber encontrado las pinturas rupestres más antiguas –hasta ahora conocidas– en la llanura de la Región de Arnhem, al norte de su país. La figura tiene como protagonistas a dos pájaros que habitaron esa zona hace 40.000 años. Para preservar el dibujo, no quisieron dar detalles de la ubicación de la roca y esperan el resultado de los estudios radiocarbónicos para determinar la fecha exacta de su creación.
Las aves, que no tenían capacidad de vuelo, están pintadas en color ocre y se cree que llegaron a medir 2,5 metros de alto.
Pero más allá de las características de este animal prehistórico, la energía del equipo está puesta en averiguar cuándo fueron plasmadas esas imágenes en la roca. Eso llevará tiempo porque hace sólo un mes que están trabajando en el lugar, uno de los tantos de Australia donde se encontraron reliquias del arte rupestre. “La arqueología de ese país es muy importante. Se han identificado sitios con pinturas de gran antigüedad, comparable con la del Paleolítico europeo”, indica Mercedes Podestá, investigadora del Instituto Nacional de Antropología y Presidenta de la Comisión de Investigación del Arte Rupestre de la Sociedad Argentina de Antropología.
Si llega a demostrarse que la pintura encontrada tiene unos 40.000 años, en el ranking de antigüedad quedarían atrás los grabados descubiertos en 2005 en la cueva de Vilhonneur, al oeste de Francia, que se remontan a 25.000 años. Y más atrás todavía las pinturas rupestres de Lascaux (Francia) y de Altamira (España), que se calcula que fueron hechas hace 14.000 años.
Sobre el método utilizado, hasta ahora, para fechar la pintura, Podestá señala: “ En este caso los investigadores relacionaron las figuras con una determinada especie de ave extinta que, según ellos, desapareció hace 40 o 50.000 años, y así establecen que ésas figuras serían de la misma antigüedad. Esta forma de datar es muy relativa porque puede existir un error al interpretar, en base a un dibujo o pintura, la asignación a una determinada especie animal”.
De todas maneras, argumenta, este tipo de vestigio arqueológico brinda muy rica información sobre los habitantes que lo produjeron. Explica María Pía Falchi, también del Instituto de Antropología Argentina y especialista en Arte Rupestre: “No sólo puede conocerse el tipo de prácticas cotidianas que llevaban a cabo los pobladores, como por ejemplo a través de las escenas de caza de los animales que ellos consumían y sus hábitos de recolección, sino también sobre sus ritos y prácticas religiosas.
En Australia se encontraron, por ejemplo, representaciones de seres míticos ”.
Retratan al genyornis, una ave no voladora que medía 2,5 metros de altura.
Un grupo de científicos australianos estima haber encontrado las pinturas rupestres más antiguas –hasta ahora conocidas– en la llanura de la Tierra Arnhem, al norte de su país. La figura tiene como protagonistas a dos pájaros que habitaron esa zona hace 40.000 años. Para preservar el dibujo, no quisieron dar detalles de la ubicación de la roca y esperan el resultado de los estudios radiocarbónicos para determinar la fecha de su creación.
Las aves están pintadas en color ocre y se cree que llegaron a medir 2,5 metros de alto y no tuvieron alas. Pero más allá de las características de este animal prehistórico, la energía del equipo está puesta en averiguar cuándo fue plasmada en la roca. Eso llevará tiempo porque hace sólo un mes que se encuentran trabajando en el lugar, uno de los tantos de Australia donde se encontraron reliquias del arte rupestre.
El complejo negocia con la cadena para que se reconozca en los créditos
R. Terrasa | Valencia
¿Es Santiago Calatrava un lagarto? ¿Es Valencia territorio de Visitantes? ¿Por qué narices hay un museo igualito al Museo Príncipe Felipe de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia dentro de la nave nodriza de los extraterrestres de ‘V’?
‘V’, la mítica serie de ciencia ficción de los años 80, regresó el año pasado a las pantallas de televisión con un ‘remake’ de la cadena americana ABC. La misma historia pero nuevos personajes, nuevas tramas y, sobre todo, nueva nave nodriza. La malísima Diana se llama ahora Anna y el interior de su gigante nave está ahora llena de edificios del arquitecto valenciano.
Para recrear la vista general de la nave de los lagartos, ABC ha ‘robado’ imágenes del complejo valenciano de la Ciudad de las Cienciasy cada vez que los ocupantes se asoman al interior de su platillo volante es fácil identificar el Museo Príncipe Felipe, L’Hemisfèric o el Umbracle.
La Ciudad de las Artes y las Ciencias ha recordado que los derechos de imagen de todos los edificios del complejo corresponden a CACSA y que «cualquier que pretenda asociar su producto a nuestra imagen debe pagar los derechos». Desde la sociedad han confirmado a ELMUNDO.es que ABC nunca solicitó autorización para usar las imágenes, tampoco han viajado hasta Valencia para filmar los edificios y la Ciudad de las Ciencias está negociando con la cadena americana para que al menos se haga «una referencia» al complejo en los créditos de la serie.
Tercer mes consecutivo que gracias a la eficiente Anne-Lise de Wikio ofrecemos el Ranking Arquitectura, de manera exclusiva, antes de su difusión oficial (este junio será liberado el día 5)
Observarán que mi Blog está mejor posicionado que en los dos meses previos (es decir, registro mi mejor ranking desde el lanzamiento de la categoría por parte de Wikio) Desde ya estoy pendiente de los acontecimientos que se registren este mes y esperando en su momento el ranking de julio de 2010.
La restauración de la Acrópolis de Atenas y de sus valiosos edificios es interminable: se sabe cuando empieza un programa, nunca cuando termina. El programa de restauración principal, que se inició en 1983 con la instalación de una grúa en el interior del Partenón, sigue desarrollándose metódicamente. Esta mañana el Presidente de la República griega, Carolos Papulias, ha visitado acompañado por Pavlos Yerulanos, el Ministro de Cultura, los Propileos y la parte norte del Partenón, que se encuentran ya restaurados y sin andamios.
En el caso de los Propileos, que forman la monumental entrada del santuario y fueron construidos en el (siglo) V a.C., se restauraron todas las columnas y el tejado de la galería oriental y de la sala, que habían empezado a deteriorarse desde el s. XVII. Su restauración comenzó en el s. XX dirigida por Nicolás Balanos, pero ahora se ha podido restaurar una zona aún mayor.
Limpia de andamios
Y la parte norte del templo del Partenón se puede ver ahora limpia de andamios y sin las grapas de hierro oxidadas que se habían colocado a principios del siglo pasado. Su destrucción se debió a la tremenda explosión ocurrida en 1687, cuando los turcos defendían la ciudad del ataque de sus enemigos los venecianos, y habían colocado su polvorín dentro de este templo. Las flechas incendiarias de la tropa, bajo el mando del Almirante Morosini, provocaron la explosión y el incendio que destruyó el templo. Ahora la mayor parte de las columnas dañadas se han restaurado, incluyéndose nuevos elementos de mármol provenientes siempre de la misma cantera original, en el Monte Pendéli a las afueras de la capital. Muchos fragmentos han vuelto a ser colocados en sus posiciones correctas y se han sustituido seis metopas esculpidas por fieles copias. Serán expuestas próximamente en el nuevo Museo de la Acrópolis.
El emblemático Teatro Colon, vuelve hoy a nacer. Constructora San José S.A. (CSJ) tuvo a cargo los trabajos principales para devolverle el esplendor a su Sala, recuperando además su acústica. Un equipo interdisciplinario de técnicos y artesanos realizó los trabajos de restauración y puesta en valor. Después de cuatro años de intensa actividad, el Teatro Colón reabre sus puertas con la ventaja de desplegar toda la tecnología constructiva del siglo XXI, en una envolvente de estilo manierista del siglo pasado.
El arquitecto Jorge C. Pignataro, Gerente de Proyecto de la Constructora San José, describió el alcance y desarrollo de los trabajos recientemente finalizados, destacando la importancia de una labor donde cada uno de los profesionales intervinientes dejó plasmada su especialidad, en el rescate del edificio. La tarea desarrollada fue intensiva y minuciosa. Los responsables de CSJ tuvieron que trabajar a partir de una situación de gran deterioro y falta de mantenimiento del edificio, sabiendo desde un principio que toda la intervención debía respetar la esencia de la obra. La consigna era devolver a todos los argentinos esta joya de la arquitectura con todo su esplendor, pero al mismo tiempo sumarle tecnologías actuales.
El arquitecto Jorge Pignataro hizo hincapié en el proceso de puesta en valor pues, si bien se trata de un proyecto del Siglo XVIII, la restauración sigue los conceptos del XXI. Haciendo referencia a la historia, el arquitecto Meano escribió en la presentación del proyecto lo siguiente: «el Teatro Colón no tiene un estilo concreto y único por ser muy Manierato, ha adoptado caracteres generales del Renacimiento Italiano, alternados con la buena distribución de la arquitectura alemana, y la gracia de variedad, y bizarría de ornamentación propia de la arquitectura francesa».
El Teatro Colón: uno de los teatros más importantes del mundo. Wikipedia.
El compromiso de CSJ fue respetar estrictamente la acústica, la estética, los materiales y la disposición originales, la esencia del edificio debía estar presente en cada decisión. «Cuando recibimos el edificio –explica Pignataro–, comprobamos que el deterioro era muy avanzado: tanto la sala, los palcos, los deambulatorios, los baños, las escaleras y ascensores mostraban la falta de mantenimiento de años». Las instalaciones estaban caducas, eran además de insuficientes y peligrosas. Por ejemplo, la instalación eléctrica tenía cables de goma y tela que se distribuían por dentro de los conductos de aire; tampoco existían instalaciones de detección de incendio. Los sanitarios estaban prácticamente fuera de servicio, y sus cañerías tapadas o destruidas por la corrosión: además, el acondicionamiento de aire era indiscutiblemente deficiente.
Según Pignataro, el Teatro Colón era un paciente grave «en estado de coma y, si bien su corazón aún latía, tenía todas sus arterias tapadas, su cuerpo envejecido, todos sus sistemas estaban gravemente afectados. Hubo entonces que realizar cirugías profundas para restablecer sus arterias, recuperar sus signos vitales, devolver lozanía a su cuerpo y finalmente recuperar la estética de su juventud, volviéndolo a la actividad con todo su esplendor».
Llegó la fecha tan esperada. Los 200 años de la Revolución de Mayo. Una fecha que además, para la arquitectura nacional, tiene un significado especial. Al primer centenario se llegó con un país pujante enmarcado por una impresionante cantidad de obras de embergadura que dibujaron definitivamente la identidad de la ciudad. Entre ellas, en 1908 se inauguró el Teatro Colón. Hoy, 102 años después, luego de casi 10 años de obras, esta magnífica fábrica de producción teatral está nuevamente a punto.
Detrás de los muros cargados de prestigio, el Colón guardaba insospechadas sorpresas. Mederico Faivre cuenta que el teatro tenía un «buen lejos», pero en realidad había zonas de una fragilidad increíble, algunas soluciones originales no entraban en el más elemental manual del constructor… Después de todo, a esta maravilla la construyeron seres humanos. Sí, de otra época, pero no por eso exentos de los mismos vicios y virtudes que los constructores y profesionales de hoy. No obstante, el resultado fue una pieza icónica de nuestra arquitectura.
Luego de esta profunda intervención, los muros de nuestro coliseo mayor recuperaron el antiguo esplendor; la acústica, a pesar de los pronósticos agoreros, está intacta y sigue siendo de las mejores del mundo y toda su infraestructura, la compleja maquinaria escénica y las áreas destinadas a los artistas fueron renovadas completamente.
Renace un cine de barrio. Ahora, que las salas tradicionales se rinden ante las tiendas de ropa y el público conduce kilómetros hasta los macrocines de los centros comerciales, surge la sala Berlanga, en pleno centro de Argüelles, un lugar promovido por la SGAE que promete convertirse en el centro de referencia del cine español, iberoamericano y europeo independiente.
Una sala, la antigua California, en la calle de Andrés Mellado, que después de haber sido sede de la Filmoteca o haber proyectado películas X y también en versión original, rinde homenaje al «maestro del cine español», Luis García Berlanga. El veterano director, en silla de ruedas y sin apenas poder articular palabra, recibió el cariño y los aplausos de las personalidades que asistieron a la reinauguración de la sala. Entre ellas, Andrés Vicente Gómez, el presidente de la SGAE, José Luis Borau o Manuel Gutiérrez Aragón, presidente del Instituto Buñuel e impulsor de la iniciativa.
La sala Berlanga, con 250 butacas, es la más puntera de la capital. Podrán verse películas en 3D, con un proyector de 35 milímetros y uno digital en 4K. El 11 de junio en la sala que aspira a ser el centro de reunión de grandes del cine español abrirá sus puertas al público con el estreno Yo, don Giovani, de Carlos Saura. Los vecinos aguardan con impaciencia.
El Instituto Buñuel de la Fundación Autor de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) reabrió este miércoles las puertas del antiguo cine California, rebautizado como Sala Berlanga, con la que rinde tributo a Luis García Berlanga. El realizador valenciano, de 88 años, asistió a la reapertura de este cine, que iniciará su andadura cinematográfica el 10 de junio con el estreno de ‘Io, Don Giovani’, de Carlos Saura.
El nuevo cine, preparado para proyectar filmes en 35mm, Digital 4K y 3D, cuenta con un aforo de 250 butacas (ocho de ellas adaptadas para minusválidos), frente a las 541 del antiguo cine, situado en la calle Andrés Mellado de Madrid.
En esta apertura oficial contó con la presencia del propio Berlanga, y se proyectó el documental de José Luis García Sánchez ‘Por la gracia de Luis‘, que gira entorno a la figura del director de cine.
Con su proyecto «Éclats», 3.000 paraguas con una luz incorporada, la española amplió la arquitectura de la nueva sede de una de las colecciones de arte moderno más sobresalientes de Europa
JAVIER DÍAZ-GUARDIOLA |MADRID
Una llamada en diciembre de 2009 al estudio de Maider López marcaría cómo serían los actos de inauguración de la nueva sede que el Pompidou preparaba en Metz, que el pasado 15 de mayo abrió definitivamente sus puertas. Los responsables de esta institución artística sabían de la trayectoria de la española–que ya había participado en las celebraciones del X aniversario del Guggenheim-Bilbao– y contaban con que no les defraudaría: «Tenían muy claro que querían un proyecto que invitara a la participación ciudadana y que tuviera presente la potente arquitectura del nuevo edificio», explica la propia Maider López.
La donostiarra se puso a darle vueltas, y tras visitar el inmueble, diseñado por Shigeru Bany Jean de Gastines, y desechar alguna idea, «porque se desarrollaba en un plano más íntimo», vio finalmente la luz, nunca mejor dicho: «Me di cuenta de que el contexto real de la inauguración iba a ser el exterior del museo, y que la misma marca Pompidou arrastraría a muchísimas personas. Había que pensar en algo a esa escala».
Y así fue. López se imaginó entonces el nuevo edificio-icono como un núcleo sólido, y a las personas que pulularan a su alrededor, como pequeños átomos «que se relacionan libremente y que libremente hacen suyo el espacio público». El día marcado, el pasado día 15, a la hora señalada, las 21,15 horas, la artista comenzó a distribuir entre los convocados y con la ayuda de unos 150 voluntarios de la ciudad hasta 3.000 paraguas, blancos como la superficie del edificio. Las existencias se agotaron en cuestión de minutos y muchos, muchísimos más se quedaron con las ganas de recibir uno.
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