se refiere a cualquier acontecimiento, circunstancia, suceso o caso posible. Así, se dice eventualmente o ante todo evento en previsión de algo que, conjetural o previsiblemente, pudiera ocurrir en una circunstancia determinada y es generalmente un hecho imprevisto.
Fuente: Wikipedia en Español.
Toyo Ito, ayer en Casa Asia, visitando su exposición /EFE
El arquitecto japonés Toyo Ito inaugura exposición y recibe un homenaje en Madrid
F. PASTRANO | MADRID
Se le ve contento más allá de las meras formalidades y es que el arquitecto Toyo Ito se encuentra muy a gusto en Madrid. «Cuando vine a España por primera vez en viaje profesional, es decir en 1992, soñaba con que algún día haría aquí mis obras». Hoy varios de sus proyectos más ambiciosos se desarrollan en nuestro país y el reconocimiento a su labor es tal que el Círculo de Bellas Artes le entregará hoy la Medalla de Oro de la institución y Casa Asia le dedica una amplia exposición de sus proyectos recientes. Además de fotografías y maquetas se proyectará un documental sobre Ito firmado por el fotógrafo Jordi Bernardó.
Toyo Ito nació en Seúl en 1941, durante la ocupación japonesa de Corea. En 1965 se graduó en Arquitectura por la Universidad de Tokio y empezó a trabajar para la firma Kiyonori Kikukate Architect and Associates. Seis años más tarde, en 1971, fundó su propio estudio en la misma ciudad, «Urbot» (Urban Robot). Tras varios años de trabajo, cambió el nombre del estudio por el de Toyo Ito & Associates Architetcs. A partir de los años ochenta Ito se convierte en un punto de referencia para los arquitectos de todo el mundo.
El japonés recibe la Medalla de Oro de las Bellas Artes – Una exposición en la Casa Asia muestra su obra
M. JOSÉ DÍAZ DE TUESTA – Madrid
Nada más llegar de Barcelona, donde tiene abierto un estudio, le esperaba en Madrid una tournée más propia de un cantante rockero en promoción que de un arquitecto que hace de la serenidad y la sutileza sus principales señas de identidad. Toyo Ito, nacido en Seúl, en 1941, pero descendiente de japoneses (y en Japón ha vivido casi toda su vida) está «agradecidísimo» de la atención que recibe en España.
No es para menos. El miércoles empezó el día con un encuentro con periodistas. Le siguió una conferencia que impartió a los alumnos de la Universidad Europea de Madrid, y acabó la jornada inaugurando una exposición de su obra en Casa Asia (abierta hasta el 28 de febrero), que le ha dejado fascinado por su ejecución: «Tiene mucho mérito que todos los objetos e imágenes que muestra estén totalmente actualizados, incluso ayer mismo estaban sacando fotografías». Y ayer remató el periplo en el Círculo de Bellas Artes donde habló de su vida y de sus proyectos y recogió la medalla de oro de las Bellas Artes.
LA EXPOSICIÓN SE PODRÁ VISITAR EN LA ARQUERIA DE NUEVOS MINISTERIOS HASTA EL 14 DE DICIEMBRE
Los Teatros del Canal y el edificio Caixa Fórum son dos de las obras galardonadas
También habrá un espacio para los menores de cinco a 12 años: ‘La Bienal de los niños’
EUROPA PRESS
MADRID.- La Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo (BEAU) llegará desde mañana hasta el próximo 14 de diciembre a la Arquería de Nuevos Ministerios en la capital española, con el fin de acercar al público los 35 proyectos seleccionados que integrarán la muestra, incluidos los cuatro galardonados en la presente edición.
Así, los Teatros del Canal, Premio de Arquitectura, y el edificio Caixa Fórum, Premio de Urbanismo y Construcción de Ciudad, ambos en Madrid. El Premio de Arquitectura Joven corresponde al Hotel Aire de Bárdenas, en Tudela (Navarra), y el Premio de Vivienda de Protección Oficial a los 40 apartamentos tutelados para mayores en Benidorm (Alicante). Estos ejemplos junto con los 31 finalistas son modelos de creatividad, del dominio de la arquitectura y del trabajo por una nueva cultura de ciudad y una nueva forma de construir más equilibrada y eficiente.
Los proyectos se podrán ver en imágenes y vídeos, y a través de un montaje, obra del arquitecto Luis Úrculo, pensado para que los visitantes puedan seleccionar, recoger y recomponer parcial o totalmente la exposición fuera de ella, gracias a los pósters y fotografías gratuitos que se apilan a los pies de cada trabajo. Además, la muestra incluye entrevistas a los arquitectos autores de los proyectos y un espacio dedicado a los menores de cinco a 12 años llamado ‘La Bienal de los niños’
El grupo Accor inauguró su tercer emprendimiento en la Capital, que consta de dos hoteles que funcionan independientemente en un edificio sobre la avenida Corrientes Foto: Grupo Accor
El grupo Accor inauguró su tercer emprendimiento en la Capital, que consta de dos hoteles que funcionan independientemente en un edificio sobre la avenida Corrientes.
En septiembre pasado, luego de dos años en obra, el grupo francés Accor inauguró su tercer emprendimiento en la Capital Federal, esta vez sumando a la oferta hotelera una propuesta arquitectónica singular: dos hoteles en un mismo edificio. Ubicados en el corazón de la Av. Corrientes y retirados de la línea municipal mediante una explanada de acceso que descomprime la circulación peatonal a esa altura, ambas construcciones se desarrollan en dos niveles, con dos subusuelos para cocheras y 12 pisos. Desde la fachada los edificios pueden diferenciarse claramente: mientras Novotel tiene un frente de aluminio laminado negro, el Ibis luce un tratamiento de piedra simil Paris. La premisa de Novotel, la versión 4 estrellas de la cadena (Ibis es la línea económica) es la transparencia y la lectura clara de los espacios, de manera que el usuario no necesite preguntar dónde queda el baño o donde están los ascensores.
Con ese objetivo se diseño una planta baja funcional en cuyo centro se destaca una imponente escalera de vidrio y acero que «cuelga» mediante tensores de una lucarna plana acristalada de 9 m de lado, que trae luz natural al interior y vincula el lobby del hotel con el entrepiso donde se alojan salas para eventos equipadas con la última tecnología. Para darle un toque porteño en ese sector se colocó un gran mural en blanco y negro con motivos tangueros. La recepción del acceso es un largo front desk de corian blanco, y hacia el fono de la sala hay una barra de bar resuelta en forma de herradura transparente y luminosa.
Aliado de la línea y en el terreno que mejor conoce, Beto de Volder suma estrategias a sus construcciones gestuales; agrega volumen y espesor a su ideario estético
Por Alicia de Arteaga
De la Redacción de LA NACION
Más es el nombre de la última muestra de Beto de Volder, en la galería Palatina. El título ayuda a comprender la exquisita disposición con la que el artista hace suyo el mandato de la Bauhaus: «Menos es más«. Basta con la línea como principio rector, sucesión de puntos, cálculo matemático, posibilidad infinita y nula especulación. La expresión gestual es el módulo sobre el que De Volder activa con intensidad la fuerza acumulada.
Ese gesto tiene la potencia de un swing de golf, comparación nada casual y del todo intencional, porque el artista, que es un tenista tenaz, ha encontrado en la práctica del golf una coartada perfecta para divertirse y gozar con resultados que los entendidos atribuyen más a la intuición que a su condición de «dotado». El swing , esa técnica en la que se estira el brazo para despedir la pelota acompañado por la rotación de la cadera en un timing perfecto, es la imagen de la plasticidad, más aún cuando está ejecutado por un maestro como el estadounidense Tiger Woods. Aunque el lector se inquiete ante esta digresión golfística, de esto hablábamos con Beto de Volder en la trastienda de Palatina el día del vernissage , mientras los amigos, los artistas y los coleccionistas disfrutaban de la suma de factores que habían culminado en este Más , prologado por el filoso texto de Cintia Mezza en el catálogo de mano. Hablamos también de la muestra de Yente y Prati, de Vantongerloo, Víctor Magariños D., de Siquier y de la abstracción como una ilusión, una utopía; realidad construida frente al mundo destruido.
Retoques finales en la fachada sobre Av. Figueroa Alcorta. / Crédito: Prensa River Plate
El lunes próximo se inaugurará oficialmente el Museo de River, una obra de 3500 metros cuadrados que recorre su rica historia
Martin Castilla
Las obras no cesan por ese recorrido en el que se expresa la historia de River. El lugar, junto al Monumental, luce impactante e impecable, aun cuando se observan escombros y detalles sin terminar en una obra criticada en sintonía con los coletazos internos de una campaña política inevitable. El lunes próximo será la inauguración oficial de los 3500 metros cuadrados dentro de los cuales se podrá recorrer, con todos los sentidos, el pasado millonario desde sus comienzos hasta el día de la fecha. Para el público estará abierto a partir del 25 de este mes.
Sorprende la locomotora de siete toneladas, confeccionada manualmente, que ocupa un lugar preferencial, debajo de las imágenes de Muñoz, Moreno, Pedernera, Labruna y Lostau. Este espacio está ambientado en una vieja estación de tren repleta de infografías de aquellos equipos y con un microcine que exhibirá la historia de aquel glorioso plantel.
El acceso al hall de ingreso será libre y gratuito. De esa manera, quien pretenda comprar una camiseta podrá pasar a la tienda sin estar obligado a pagar la entrada, que se estima que rondaría los 18 pesos.
El museo cuenta con varios salones temáticos. Uno dedicado a los trofeos, otro al estadio. Habrá un sector para los jugadores que vistieron la camiseta de River, un tributo a las inferiores, a los embajadores en la selección, una sala de técnicos y presidentes (con biblioteca y salón de usos múltiples) y otro para revivir los goles inolvidables de todas las épocas. El recorrido, que demandará al menos 90 minutos, terminará en los locales de merchandising.
Las autoridades de River se preparan para inaugurar en hoy el museo en el que se mostrará la historia del club y los logros de sus ídolos, además de las distintas expresiones de socios e hinchas. El miércoles 25 será la apertura al público.
River buscará además que, por sus características arquitectónicas, tecnológicas y escenográficas, el museo se convierta en un punto de atracción turística. «Sin dudas, vas a ser el más importante de su tipo construído en el mundo», señalaron desde el club.
El lunes se inaugura el Museo de River, una obra de 3500 metros cuadrados que recorre su rica historia. Una de sus atracciones es una estación de tren con infografías de equipos del pasado y un microcine que exhibirá la historia del club.
Sitio Oficial River Plate El Museo River se inaugura el 9 de noviembre
La Comisión Directiva del Club Atlético River Plate aprobó anoche por unanimidad los detalles de inauguración y funcionamiento del Museo River, el proyecto institucional más ambicioso e importante de los últimos años de la historia riverplatense. El acto de inauguración será el lunes 9 de noviembre exclusivamente para invitados especiales. El miércoles 25 será la apertura al público.
Actualización: 13 de julio de 2010 Acceso. Se aprovechó el muro cortina para brindar luz natural al área más pública del museo. Foto: Clarín.com Arquitectura
El expertise no sabe de simpatías futbolísticas: el mismo equipo que en su momento fue responsable del Museo de la Pasión Boquense se encargó recientemente del proyecto del Museo River. Convocados nuevamente por la empresa Museos Deportivos, el estudio Lopatin Arquitectos y el multifacético Héctor Berra (escenógrafo, director teatral, diseñador de espectáculos multimedia) erigieron una caja de hormigón que vista desde afuera parece un simple volumen auxiliar al estadio, del que lo separan unos pocos metros, pero que por dentro se revela como una verdadera caja de sorpresas.
“Cuando empezamos con esta temática lo hacíamos como arquitectos, diseñando los espacios –explica Ignacio Lopatin, titular del estudio–, pero Héctor introdujo el tema de los contenidos, de la pasión, distinto al arquitectónico, y tuvimos que adaptarnos. Al final, resultó un trabajo interdisciplinario”, agrega. Un ejemplo: la arquitectura se preocupa por temas como el asoleamiento y la luz natural, mientras que el diseño escenográfico busca controlar el ingreso de luz para crear sombras, efectos teatrales y cajas negras en las que se despliegan las distintas escenas. Hasta hubo que cerrar la lucarna del edificio para que el sol no interfiriera con el clima buscado. Berra, quien fuera el responsable de las proyecciones en la fachada del Teatro Colón en los festejos del Bicentenario, lo sintetiza en una frase: “Dominar la luz equivale a dominar la escena”.
El jardín escuela Cristobal M. Hicken cumplió 95 años
Para celebrar su aniversario, el establecimiento educativo desarrolló la 53° Semana de la Botánica y la Jardinería.
El (día) 4 de este mes se cumplió el 95 aniversario de la Escuela de Jardinería «Cristóbal M. Hicken», primer establecimiento educativo comunal. Conjuntamente desarrollamos la 53º Semana de la Botánica y la Jardinería, la cual tiene como eje temático «Los Jardines en la Antiguedad«. Las actividades de esta exposición estuvieron a cargo de alumnos y profesores de la escuela.
Como cierre de su exitosa Semana de la Botánica, que coincide con el festejo del aniversario de la institución, la Escuela Técnica de Jardinería «Cristóbal Hicken» realizará un gran espectáculo coral al aire libre en el Jardín Botánico.
Se ejecutará un fragmento de la Misa Criolla, cantada por un coro de más de cien integrantes. El espectáculo tendrá lugar el sábado 7 de noviembre, a las 14,30 hs., en Las Heras 4078.
«El Paseo del Prado y el Paseo de Recoletos desde la Fuente de los Cuatro Estaciones», obra de Antonio González Velázquez
SUSANA GAVIÑA | MADRID
«El dibujo es, por lo general, el nexo de unión entre lo que el arquitecto sueña y lo que realiza», reza una de las páginas del catálogo de la exposición «Dibujo de arquitectura y ornamentación del siglo XVIII», organizada por la Biblioteca Nacional (BN) que hasta el 22 de noviembre, tiende ciento setenta puentes, entre lo soñado y lo construido, aunque algunos no fueron más que fantasías efímeras. Estos puentes están firmados por arquitectos españoles, franceses e italianos, como Isidro Velázquez, Silvestre Pérez, Filippo Juvarra, Ventura Rodríguez, Juan de Villanueva, Jean-Françoise Blondel y Giovanni Battista Sacchetti.
La muestra, que ha contado con la colaboración de la Fundación Banco de Santander, reúne una pequeña selección de todos los fondos que reúne la BN. En total son 1.200 dibujos, recopilados ahora en un volumen que verá la luz el próximo 21 de octubre. Este amplio trabajo es también la continuación de otro sueño que comenzó hace casi veinte años, «cuando Fusi era director de la BNE», recuerda Delfín Rodríguez, historiador del Arte y comisario de esta exposición. El sueño consistía en reunir en tres volúmenes todos los dibujos e ilustraciones, del siglo XVI al XIX, relacionados con la arquitectura, que la BN albergaba entre sus muros.
El jueves comenzó la cuarta edición de «Cultura y media«, la tarjeta de presentación del futuro Centro de Desarrollo Multimedia que funcionará a partir de 2010 en el Centro Cultural San Martín de la Ciudad de Buenos Aires. Esperan recibir cerca de 20 mil visitantes.
Por: Guido Carelli Lynch
«Tiempo Real» es el leitmotiv de la cuarta edición del festival de arte digital, que junto con iniciativas como One Dot Zero, conforman la punta de lanza del mapa del arte digital y multimedia en Buenos Aires.
En tiempo real también ocurren las instalaciones, las performances y los recitales que se congregan en este concepto pensado por el trío de curadores que conforman Graciela Taquini, Jorge Zuzulich y Natalia Rizzo. Se suman también los aportes de Rodolfo Hermida, Juan Aramburu y la supervisión de la directora general del centro cultural, María Victoria Alcaraz, una feliz excepción de (la falta) de continuidad de políticas culturales en la ciudad de Buenos Aires, que ya sobrevivió a tres administraciones porteñas.
Un laboratorio de producción multimedia, elaborado por Shared Canvas, el colectivo que integró a Estado lateral, Late y Lucas DM –tres de los grupos más destacados del arte digital local, artistas callejeros interviniendo la fachada de uno de los centros culturales más importantes de la Ciudad y sus ascensores. Todo puede ocurrir, también se reproducen películas y cortos en programación continuada de distintos festivales internacionales: el Viba, Óptica, Kansk Video Festival y 1000 Metros bajo tierra.
Desde su aparición, en el año 2006, y con el bagaje acumulado en tres ediciones en los años sucesivos, Cultura y Media se ha consolidado como un referente ineludible de un territorio que proporciona una nueva forma de ver el mundo fundado en la intersección entre las nuevas tecnologías digitales y la cultura. Esta cuarta edición presenta la problemática del Tiempo Real como eje de trabajo para las diferentes áreas que la conforman. Si bien este concepto puede asociarse a las denominadas artes performáticas (teatro, danza, música), en donde el suceso artístico transcurre ante la presencia del público, es con el desarrollo tecnológico a partir del cual puede vislumbrarse una nueva dimensión para el mismo.
Muro de adobe y piedra en una antigua casa de la provincia de Burgos (España).
El workshop Adobe: Material Natural apuntó a incluir este material de tradición artesanal en el imaginario del diseño actual para generar valor desde los recursos disponibles, con criterios eco sustentables.
En el marco de las 130 actividades organizadas en el Mes del Diseño en Buenos Aires, el estudio Diseñaveral organizó el workshopAdobe: Material Natural, con el objetivo de desarrollar una experiencia en torno a la utilización del adobe como un material posible de ser abordado desde el diseño. Profesionales y estudiantes provenientes de diferentes ramas de la disciplina pudieron asistir a un taller de seis encuentros, en el que trabajaron con este material con tradición artesanal.
El estudio Diseñaveral está integrado por Maximiliano Cifuni y Leandro Laurencena y basa su trabajo en la investigación material. Tras ser convocados para coordinar el evento, Cifuni y Laurencena intentaron plasmar una característica de trabajo basado «en la exploración como herramienta orientada a descubrir nuevas oportunidades para los materiales y las tecnologías, pensando en los materiales como generadores de identidad estratégica».
Desde el primer día se trabajó en grupos y de manera multidisciplinaria. También hubo invitados especiales, que transmitieron sus propias experiencias y conocimientos. Uno de ellos fue el arquitecto «Chacho» Pereyra, quien propuso reflexionar sobre el sentido del workshop en el contexto de un movimiento emergente llamado «eco-proyecto» que postula como ideas fundamentales la autoconstrucción, la valoración de los recursos disponibles y la utilización de criterios de diseño eco sustentables.El momento más divertido del taller fue la visita a la Ecovilla Chobita, en Cañuelas, provincia de Buenos Aires, construida totalmente en adobe, donde los participantes se animaron a meter las patas en el barro y se sumergieron en un piletón de barro con paja y arena para preparar el material y luego construir paredes con su propio adobe.»La experiencia es muy interesante porque tiene mucho de lúdico. El barro es como un juguete de la infancia, y desde que somos pequeños nos permite encontrarnos con la materialidad», sostuvo Laurencena.
En todos sus encuentros, el workshop giró en torno a una pregunta: ¿Cuál es tu adobe? El propósito fue incentivar a cada integrante para que tomara una posición frente al material, que permitiera la construcción de propuestas innovadoras tanto funcionales, técnicas, productivas y/o estéticas.
Madrid celebra durante noviembre el mes del diseño finlandés
Nueve exposiciones recorren las artes aplicadas en el país escandinavo
Isabel Espiño
El 1936, el arquitecto finlandés Alvar Aalto ideó un jarrón de cristal con unas formas sinuosas que recordaban a los miles de lagos de su país. Siete décadas después, el ‘jarrón Savoy‘ sigue produciéndose en las fábricas de IIaltta (una conocida firma finesa de vidrio). De Aalto a IIaltta, del diseño de los años 30 a los creadores más recientes, las artes aplicadas finlandesas llegan a Madrid en noviembre gracias al ‘Mes del diseño finlandés’. Nueve exposiciones y un amplio programa de actividades culturales paralelas que permiten aproximarse a las creaciones escandinavas.
El ‘Savoy’, con sus formas orgánicas y simples, resume a la perfección el concepto del ‘Finnish design‘ que comenzó a triunfar en los años 50. «El diseño finlandés está basado en la funcionalidad y, sobre todo, el respeto a la naturaleza», explica Kari Korkman, director de la Helsinki Design Week y comisario de la exposición Helsinki Madrid FinDesign, inaugurada este martes en el Matadero de Madrid.
«En nuestro país tenemos muchos logros tecnológicos, como Nokia, así que el diseño incorpora ideas tecnológicas [la primera silla de oficina fabricada teniendo en cuenta los datos antropométricos fue diseñada por un finlandés, Yrjö Kukkapuro, en 1978] pero es a la vez puro y simple«, añade Korkman, a la vez que señala una lámpara, un bulbo formado por finas tiras luminosas, incluida en la exposición, que exhibe 200 creaciones de nuevos diseñadores fineses.
«El diseño finlandés actual mantiene un gusto por las formas muy sobrias, con economía en la construcción y fáciles de entender», explica el arquitecto madrileño Pedro Feduchi, también comisario de la muestra del Matadero.
Matadero expone creaciones del país nórdico hasta el mes de enero
RAFAEL FRAGUAS– Madrid
Finlandia, el país de los lagos y los hielos distante de España 3.500 kilómetros, acudió ayer a Madrid con su emblema más cálido: el diseño. La capital finlandesa, Helsinki, convertida en su metáfora, muestra en el escenario municipal del Matadero algunas de las mejores creaciones de sus ideadores, precursores del desarrollo sostenible. Su embajador fue el primer ministro del país nórdico, Matti Vanhanen, de visita oficial en España, que explicó la entidad que esa actividad ha adquirido en la nación de los lagos, tanta, que le ha conferido proyección mundial. Su secreto lo explicó así: «Armonía entre el respeto al medio ambiente y las tecnologías de la información».
Expresión de tal mixtura ha sido allí la fusión de las facultades de Arte, Tecnología y Economía, según anunció el primer ministro. Una apuesta atrevida para encarar la crisis. Ante ella surgen allí propuestas capaces de humanizar lo que el escritor estadounidense Norman Mailer denominara lifemanship, la organización de la vida cotidiana, cuyos principales ideadores fueron, son y, por lo contemplado en esta muestra, con certeza serán, los diseñadores nórdicos.
Madrid acoge las soluciones del diseño finlandés para un futuro más racional
ANATXU ZABALBEASCOA– Helsinki
«En Finlandia nos educan para que no llamemos la atención». Habla el arquitecto Juhani Pallasmaa. Su libro Los ojos de la piel (Gustavo Gili, 2006), vaticinó la actual crisis arquitectónica acusando a muchos edificios recientes de un desmesurado interés por el espectáculo. Pallasmaa partía con ventaja. En su país preparan a los ciudadanos para la humildad y la discreción con la firme creencia de que esas cualidades son la antesala de la reflexión. Así, los diseñadores más ambiciosos de Finlandia se acercan al futuro observando el presente. Y conociendo el pasado. Saben que vociferando sólo llamarán la atención un momento. Y no les tientan esos 15 minutos de gloria.
Con ese bagaje, el potencial local y la calidad global se han convertido en el sello finlandés en diseño y en arquitectura. Desde su territorio frío, de apenas cinco millones de habitantes, Finlandia le habla al mundo con la seguridad de un puñado de marcas incuestionables que han conectado con la esfera más internacional de la moda (Marimekko), la tecnología (Nokia), el diseño (Artek) o la decoración (Iitala).
Aunque en los parques de Helsinki lápidas del siglo XIX hincadas en el suelo conviven con pinos y no existe una valla que impida que la mancha de césped invada la acera, Finlandia es un país joven -se independizó de Rusia en 1917- y esmeradamente cuidado. Aquí el concepto de lo funcional está tan digerido -la lamparilla de los portales sirve de alumbrado público e ilumina también el número escrito en ella- como la idea de naturaleza -capaz de hacer convivir abedules, bayas y asfalto sin que nada tenga que perder-. Fue seguramente esa raigambre natural la que hizo que, durante décadas, la modernidad finlandesa estuviese ligada a un arquitecto que cuestionó la propia idea de la modernidad arquitectónica por inhumana. Alvar Aalto llevó hasta el Báltico tradiciones mediterráneas para idear una nueva arquitectura. Si la naturaleza fue la clave en el hacer de ese arquitecto, las generaciones posteriores necesitaron oponerse a una presencia tan destacada, hasta que supieron ver en el viejo maestro no una sombra, sino cimientos. Por eso, hoy, su legado sigue dando frutos. Y no sólo porque sus piezas de Artek continúen en producción 75 años después. La impronta de Aalto puede leerse tanto en las mesas que la arquitecta Kirsi Gullichsen ha ideado para Habitek como en las viviendas que los estudios A-piste y Archeus han levantado en el archipiélago de Inkoo y en un barrio de Espoo. En la Fundación Arquitectura COAM, en Madrid, podrá verse cómo la manera de inclinar la cubierta (evitando el acabado triangular a dos aguas), la idea de arropar con maderas locales el interior y el exterior, la voluntad de elevar las casas con un zócalo de piedra local o la frescura de jugar con las asimetrías hablan de Aalto, pero también de sostenibilidad delatando un entendimiento del suelo finlandés. La idea es proponer sin destruir. Por eso su vanguardia no es guerrera.
Para todos los que amen el mundo de la jardinería y del paisajismo la muestra es imperdible. Pero además, es un patrimonio cultural de nuestro país, apto para todo aquel que quiera ver una exquisita exposición y quiera saber más de cómo se proyectaron varios de los espacios públicos más importantes de la ciudad.
La muestra, que ocupa el Patio de los Tilos y tres grandes salas, ha sido montada con profesionalidad y perfección. Todos los detalles están bien cuidados, y se trata de un muestrario de la vasta obra del paisajista francésCarlos Thays en la Argentina. Pueden verse planos, maquetas, fotos antiguas, y hasta estatuas traídas del Parque Tres de Febrero. Toda la realización estuvo a cargo de Ana María Riccardi, quien coordino los grupos de trabajos, y la curaduría estuvo a cargo de Sonia Berjman, experta en patrimonio histórico y gran conocedora de la obra de Thays. Todo esto pudo llevarse a cargo gracias a la ayuda de la Embajada de Francia, el Gobierno de la Ciudad y particulares como la señora Amalia Lacroze de Fortabat que brindaron su apoyo.
Recorrer la muestra es sorprenderse a cada paso. Es que le debemos a Carlos Thays la mayoría de nuestros parques y plazas, y además nos ha dejado una descendencia de cuatro generaciones de paisajistas en nuestro país.
El embajador de Francia Frédéric Baleine du Laurens cerrará su gestión en Buenos Aires con la satisfacción de haber cumplido dos antiguas asignaturas pendientes: la reapertura de la Editorial Sur de Victoria Ocampo y el homenaje Carlos Thays, el paisajista francés que diseñó los parques de Buenos Aires. El viernes, en la embajada palaciega se sucedieron las palabras de Juan Javier Negri, Ubaldo Aguirre, Eduardo Paz Leston y Monseñor Eugenio Guasta destinadas a poner en valor la iniciativa editorial y el primer volumen consagrado a las «Cartas de posguerra», de Victoria, glosado con gracia por Monseñor Guasta al hablar del vocabulario de la gran dama de las letras, con «ecos de un lenguaje paisano y arcaico».
El festival «Urban TV 2009» vuelve a la Casa Encendida de Madrid con documentales, cortos y debates sobre la vida urbana y sostenible.
DAVID CALLEJO | MADRID
Chang lleva toda su vida viviendo en Hong Kong, rodeado de sus más de site millones de conciudadanos en una ciudad que ocupa el cuarto puesto del «ranking» de lugares con mayor densidad de población.
Por eso hay que usar la imaginación para crear un hogar confortable. Un hogar como el de Chang, que vive en un piso «plegable» de 32 metros cuadrados en el que la cocina igual puede albergar una cena que, con un movimiento de pared, servir como sala de estar. Llevando y trayendo paredes, Chang «remodela» su casa cada diez minutos.
Más de lo que tarda en explicar esta curiosa historia el corto-documental «La casa de Chang», finalista en la categoría de videominuto del festival «Urban-TV 2009», que vuelve a Madrid en su séptima edición para quedarse hasta el viernes en la Casa Encendida. En estos cinco días se podrán ver 335 producciones de 41 países que competirán en las categorías de documental, reportaje, producción «amateur», «vídeo-minuto» y «vídeo-móvil». Como aliciente adicional, el festival acogerá diversas conferencias y debates sobre la vida y la arquitectura urbana, además de la televisión como medio educador.
VII Festival Internacional de Televisión sobre Vida y Ecología Urbanas
2 al 6 de noviembre de 2009.
El festival tiene como objetivo acercar hasta el público documentales y reportajes sobre la vida y ecología de nuestras ciudades, para fomentar el uso de la televisión como herramienta de educación ambiental, así como suscitar debates en este ámbito.
En las ediciones anteriores han participado en URBAN-TV más de un millar de películas, procedentes de más de 50 países.
Arranca el Festival URBAN-TV 2009, una mirada hacia una televisión diferente
Madrid, 2 nov (EFE).- URBAN-TV 2009, el VII Festival Internacional de Televisión sobre Vida y Ecología Urbanas, arranca hoy en la Casa Encendida con un nuevo récord de participación: 335 producciones de 41 países que invitan a reflexionar sobre la televisión de una manera diferente.
Arquitectonico 
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