El IVAM acoge Malas Calles, una visión de la vida urbana del último siglo - Foto: EPA
El IVAM apuesta con ‘Malas calles‘ por la diversidad y la inclusión en las urbes
FEDERICO SIMÓN – Valencia
Una exposición recoge desde hoy en Valencia la fascinación que las ciudades han ejercido sobre el arte contemporáneo, desde la euforia embriagante por las multitudes y los colosos verticales de los años veinte hasta el absoluto desasosiego que embarga las urbes en los inicios del siglo XXI. Comisariada por José Miguel G. Cortes, profesor en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, la muestra mezcla en el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) las cartografías imaginarias de Guy Deborn de 1956 con fotografías de Paul Graham, música de Chemical Brothers con un documental del arquitecto Rem Koolhaas, o una instalación del cubano Carlos Garaicoa con la película Un hombre con una cámara (1929), de Dziga Vertov.
Valencia, 10 feb (EFE).- Una exposición que propone al espectador una visión global e interdisciplinar de cómo la representación del espacio publico, las calles y la plaza de la ciudad se han conformado en el último siglo se puede contemplar desde hoy en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM).
La muestra «Malas Calles», que permanecerá en el museo hasta el 9 de mayo, agrupa fotografías, vídeos, películas, objetos domésticos, esculturas e instalaciones procedentes de pinacotecas y colecciones privadas europeas, entre ellas los fondos del IVAM.
En una rueda de prensa, el comisario de la muestra, José Miguel García Cortés, ha explicado que «las calles son uno de los elementos más importantes del tejido urbano, y sus modificaciones, acontecimientos y estructuras son fundamentales para entender aspectos esenciales de la vida en las ciudades».
Grandes cubos iluminados que sugieren contenedores de mercancías portuarias conforman la exposición permanente, en la que podemos ver documentos de video y audio, pantallas interactivas y objetos originales relacionados con la historia de la pesca. Pero el Museo do Mar no sólo es la colección permanente: explora también las exposiciones temporales.
Bienvenidos al Museo do Mar de Galicia, un lugar donde comprender la enorme vinculación histórica de los gallegos con el mar a través de su aprovechamiento y conocimiento.
Resulta imposible imaginar la arquitectura contemporánea sin las lecciones del gran teórico y maestro (de Mies, de Gropius) que fue el suizo-francés Le Corbusier. Lo que hoy vivimos con la mayor naturalidad, como pueden ser los ventanales inmensos dueños del paisaje circundante, o la rampa como vía de acceso, fueron ideas constructivas nacidas de una mente brillante e inquieta que dibujaba a mano alzada, sus colaboradores dicen que no hacía planos… los dictaba.
Pinturas, esculturas, muebles, dibujos y poemas del padre de la arquitectura moderna integran la muestra curada por Heidi Weber un el entorno bucólico de un parque de esculturas que invita al sosiego.
Por Alicia De Arteaga
Enviada especial, Punta del Este 2010
En el escenario mundano y fashion de Punta del Este, el arte ocupa su lugar y lo hace con proyección internacional. El año comenzó en la Fundación Atchugarrycon la inauguración de la muestra «Le Corbusier, el artista», que reúne 120 trabajos procedentes de la colección de Heidi Weber.
Es una retrospectiva memorable por el lugar de exhibición y porque recorre la faceta menos difundida del padre de la arquitectura moderna. Antecedente obvio fue la exposición organizada tres años atrás por el Museo Reina Sofía de Madrid, en colaboración con Heide Weber.
Suizo, nacionalizado francés en 1930, Jean Edouard Jeanneret (1887-1965) adoptó en sus primeros escritos el nombre Le Corbusier, que era el apellido de su abuela materna. Sin haberse graduado de arquitecto, impulsó en las primeras décadas del XX un giro copernicano al concepto de hábitat, regido hasta entonces por los mandatos de la Ecole de Beaux Arts.
Animado por la audacia propia de un visionario, se lanzó a una aventura sin retorno que cambiaría para siempre la manera de vivir en el interior de una casa y la relación con el espacio exterior.
París, Londres, Madrid o Nueva York cuentan con estaciones de metro en desuso, algunas convertidas en museos, otras simplemente abandonadas
ÁNGELA GILABERT
Cierto halo fantasmagórico y de misterio envuelve a las estaciones abandonadas. Los suburbanos con más solera como el de París, Londres, Madrid o Nueva York cuentan con estaciones en desuso, algunas rehabilitadas y convertidas en museos, y otras simplemente en estado decadente, vivas sólo para que se puedan contemplar fugazmente desde los vagones.
Sobre el proyecto para construir el denominado Museo de la Tolerancia de Jerusalén, una iniciativa que no hace sino desatar furias por diversos motivos, se amontonan los escollos. El último, pero de gran relevancia, la espantada del arquitecto Frank Gehry, cuya empresa advirtió al Centro Simon Wiesenthal, patrocinador del museo, de que no podrá utilizar su diseño de titanio, cristal y piedra. El motivo de la retirada: la petición de la fundación para que el arquitecto redujera la magnitud de la obra y su coste financiero, que en plena crisis económica rondaba los 175 millones de euros. «Ya no estamos implicados en el proyecto», ha afirmado Craig Webb, uno de los socios de la firma Gehry Partners. Y, en efecto, en la página web del Centro Simon Wiesenthal, el apartado dedicado al Museo de la Tolerancia está en construcción. Cualquier referencia al proyecto inicial ha desaparecido. Mientras, los responsables de las instituciones, de la fundación y de la empresa del laureado arquitecto guardan silencio
Rijksmuseum o Museo Nacional de Amsterdam -EFE / Publico.es
ISABEL FERRER – La Haya –
La reforma del museo nacional de Ámsterdam (Rijksmuseum) ha entrado en su recta final. El acceso principal a la gran galería, a pie de calle, respetará la autonomía de los ciclistas. Al mismo tiempo, permitirá el movimiento de peatones y visitantes. El nuevo diseño, firmado por los arquitectos españolesAntonio Cruz y Antonio Ortiz, al igual que el resto de los trabajos del centro, ha logrado el apoyo unánime del Ayuntamiento local y de la poderosa Federación Ciclista. Sus socios consideraban peligroso compartir el arco exterior del museo que ahora albergará la entrada con los miles de turistas que se esperan a partir de 2013, fecha de conclusión de las obras.
Los que creen que ya lo han visto todo que se apunten dar una vuelta por Washington en mayo de 2011. Para entonces está prevista la inauguración de la próxima gran travesura arquitectónica en el marco de un gran museo norteamericano: un pabellón inflable y translúcido de casi 50 metros de altura cubrirá temporalmente el patio central del Museo Hirshhorn, en el paseo nacional de Washington. Será como un grandioso monumento a la burbuja inmobiliaria…y a la artística, que también pincha de vez en cuando. Entonces los museos plantan cara a la crisis con imaginación.
El Museo Hirshhorn y su Jardín de Esculturas se empezó a proyectar en los años 60 para dar salida a la colección de impresionistas franceses, modernistas americanos y escultura de Joseph Hirshhorn, un inmigrante de Letonia que llegó a los Estados Unidos con su madre viuda cuando tenía 6 años, a los 14 entró a trabajar en Wall Street y a los 40 ya era un hombre rico y un mecenas respetado.
Esta americanísima historia fue destacada por el propio Hirshhorn en la inauguración del museo, en 1974: «para mí es un honor haber entregado mi colección de arte al pueblo de los Estados Unidos como una pequeña retribución por lo mucho que esta nación ha hecho por mí y por otros que como yo llegaron aquí como inmigrantes; lo que yo he conseguido en los Estados Unidos no habría podido conseguirlo en ninguna otra parte del mundo».
Simulación del futuro Museo Munch (el edificio inclinado de la izquierda), proyectado por Juan Herreros, enfrente del edificio de la Ópera y el Ballet Nacional de Oslo.-
El proyecto del arquitecto español Juan Herreros para el nuevo museo del autor de ‘El grito‘ suscita una fuerte controversia a causa de sus dimensiones
ISABEL LAFONT – Madrid
Los críticos de arte aullaron en 1893 cuando vieron por primera vez El grito, la obra más famosa de Edvard Munch. Más de un siglo después, también se han alzado voces contra el proyecto del nuevo museo que albergará el legado artístico del pintor noruego. El debate, en esta ocasión, tiene que ver con el impacto urbanístico del edificio proyectado por el arquitecto español Juan Herreros que, en 2013 según los plazos previstos, se alzará en el barrio de Bjorvika, en la bahía de Oslo. Es parte de un gran plan de remodelación que pretende abrir la capital noruega al mar.
El director general de Patrimonio Nacional en Noruega, Jorn Holme, ha sido el último en expresar sus reservas sobre el proyecto, que el pasado mes de abril se adjudicó Herreros tras ganar un concurso internacional al que también se presentaron superestrellas como Zaha Hadid o Tadao Ando. El plan, llamado Lambda, abarca, además del Museo Munch, una playa, un barrio residencial y una biblioteca.
Según declaraciones de Holme, sus objeciones se refieren a la totalidad del proyecto urbanístico de la capital noruega, que afecta a la zona en la que Oslo fue fundada en la Edad Media y que contiene un importante patrimonio cultural. «La intención del director general nunca ha sido suscitar o participar en un debate arquitectónico», puntualiza Margrethe Tviberg, directora general en funciones de Patrimonio Nacional. «Jorn Holme no tiene nada que decir respecto a Lambda, el proyecto para el Museo Munch, o la arquitectura del reconocido Juan Herreros como tal. Patrimonio Nacional ha expresado su objeción al emplazamiento del edificio, no al edificio en sí mismo». Tviberg insiste en que esa preocupación se encuadra en la discusión sobre la remodelación urbanística de la capital noruega que tiene como interlocutor al Ayuntamiento de Oslo -que es quien lo ha promovido- y que «no se trata de un debate sobre el nuevo Museo Munch específicamente».
Detalle fachada Museo del Romanticismo. Foto: Web Oficial
Nueve años de esperaHa permanecido cerrado más de nueve años, pero los madrileños no han olvidado el Museo Romántico (perdón, Del Romanticismo, su nuevo nombre oficial). Y es que no son pocos los que se acercan cada día para preguntar cuándo se abre. Bien, pues ese día ha llegado y la espera ha merecido la pena. El precioso edificio del siglo XVIII ha sido transformado de arriba abajo con una reforma valorada en siete millones de euros. Convertido ahora en Museo Nacional, dispone de un 40% de obras inéditas, tres jardines, auditorio, biblioteca…
El 11 de noviembre de 1776, el arquitecto Manuel Rodríguez presentó, en el Ayuntamiento de Madrid, la solicitud de licencia para edificar un palacio en la calle San Mateo, en un terreno propiedad del marqués de Matallana. Diseñado en estilo neoclásico, cuenta con dos fachadas de marcada simetría y escasa decoración, limitándose ésta a las molduras de granito que rodean los vanos. La distribución interior se dispuso en torno a tres patios, permitiendo una abundante iluminación.
A comienzos del siglo XIX, el palacio fue adquirido por los condes de la Puebla Maestre. Es en este momento cuando se introducen algunas renovaciones estéticas, dotando de una mayor ornamentación a la fachada principal, cuyo balcón central incorporó el escudo nobiliario de la familia.
El 21 de junio de 1921, Vega Inclán instaló la Comisaría Regia de Turismo en el palacio. En 1927 el Estado lo adquirió, como sede definitiva del Museo Romántico, que se había inaugurado en 1924.
El Museo ha pasado por diferentes fases de rehabilitación y restauración. En 1944 se acometió una restauración que afectó a la fachada, crujía de la calle Beneficencia, escalera y decoración de las salas, así como el arreglo de los pasillos y del pequeño jardín. Desde este año, la exposición permanente no ha sufrido apenas cambios hasta la actualidad. Posteriormente, en el año 1996, se terminó otra fase de restauración, que afectó especialmente a los espacios bajo cubierta y a la planta baja.
Interior Palacio del Marqués de Matallana, Museo Romántico. Foto: Ministerio de Cultura, España
Estilo: Neoclásico
El Museo Romántico está situado desde sus orígenes en el antiguo palacio del marqués de Matallana, construido por el discípulo de Ventura Rodríguez, Manuel Rodríguez. A principios del siglo XIX fue comprado por el marqués de la Puebla del Maestre y en 1923 pasó a albergar la Comisaría Regia de Turismo, organismo creado por el Marqués de Valle-Inclán, quien en 1921 donó al Estado los fondos de su colección. El edificio fue adquirido por el Estado en 1927.
El edificio fue construido entre 1776 y 1779 dentro de unas líneas clasicistas en las que se mantienen ciertas reminiscencias barrocas, como se pueden comprobar en el uso de molduras en forma de orejas que adornan los balcones. Cuenta con una doble fachada, siendo la de la calle San Mateo la que contiene las estancias principales. La estructura del edificio está organizada en torno a dos patios cuadrados y cuenta además con un interesante jardín romántico.
A pesar de que conserva perfectamente la estructura y organización en planta, el edificio ha sido restaurado en varias ocasiones, estando en la actualidad cerrado por las obras de renovación de su instalación permanente.
The Haus der Deutschen Kunst was built in 1933-37 to replace the Munich "Glass Palace" Art Gallery
Fue construido en Munich por Hitler para exhibir 2.000 años de arte germano. Desde el fin de la guerra atraviesa distintas etapas, sin abandonar nunca la discusión de su propia historia. El arte que hoy exhibe interviene su arquitectura, pensada desde el nazismo.
Por: Alberto Giudici
Fue uno de los edificios preferidos de Adolf Hitler. No sólo porque controló obsesivamente cada detalle de su diseño, sino porque la Haus der Deutschen Kunst (Casa del Arte alemán), en Munich, reuniría en su interior dos mil años de la producción artística germana: toda una exaltación del genio ario a lo largo de su historia. De proporciones monumentales, sólo el pórtico medía, y mide hoy, 175 metros de largo. En cada uno de sus extremos había un fóculo, cavidad inmensa para encender el fuego sobre un basamento de piedra: un panteón del arte donde la llama sagrada iluminaba el ideario nazi. Hoy, el fóculo no existe, la solemne escalinata que llevaba al Salón de entrada, el Ehrenhalle, fue eliminada y el pórtico está tapado por una espesa arboleda que recorre la fachada. Difícil ubicarlo si uno va distraído, salvo que detrás del tupido follaje asome como en estos días, algo que parece un interminable edredón de estridentes colores, en azul y rojo. Se trata de una intervención del artista y arquitecto chino Ai Weiwei para su muestra So Sorry (Cuánto lo siento, sería la irónica traducción), abierta hasta el 17 de enero. Salvo en las esquinas, donde tampoco hay arboleda, pero sí pósteres gigantescos del artista con aires de mandarín, la instalación recorre buena parte del frente. Titulada «Remembering» (Recordando), mide 100 m de largo por 10 de alto y 9.000 mochilas de colores, una evocación de los escolares muertos por el derrumbe de colegios, durante el terremoto en la ciudad china de Sichuan, en 2008.
La Fundación ICO inaugura la exposición ‘Desafiando la arquitectura moderna’ sobre la obra de la pareja de arquitectos fineses Reima y Raili Pietilä, en colaboración con el Museo de Arquitectura Finlandesa de Helsinki. En la imagen, la zona residencial de Suvikumpu, en Finlandia, diseñada por los Pietilä. Foto: Simo Rista / MFA
La Fundación ICO ha inaugurado su nueva temporada con la primera exposición retrospectiva que se realiza en España sobre Raili y Reima Pietilä, pareja de arquitectos finlandeses que alcanzó su prestigio internacional en los años 60. Además, junto a ésta, se expondrá también la Suite Vollard de Pablo Picasso, que forma parte de las Colecciones ICO y es una de las pocas series completas que hay en el mundo de esta obra.
Arquitectonico 
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