Utilizado habitualmente en el contexto de las artes aplicadas, ingeniería, arquitectura y otras disciplinas creativas, diseño se define como el proceso previo de configuración mental, «pre-figuración», en la búsqueda de una solución en cualquier campo.
Etimológicamente derivado del término italiano disegno dibujo, designio, signare, signado «lo por venir», el porvenir visión representada gráficamente del futuro, lo hecho es la obra, lo por hacer es el proyecto, el acto de diseñar como prefiguración es el proceso previo en la búsqueda de una solución o conjunto de las mismas.
Wikipedia.
Fue creada por Arne Jacobsen en 1958 como parte de un proyecto integral que incluyó la arquitectura y la decoración del hotel Radisson Royal en Copenhague.
Algunas semanas atrás introdujimos a Arne Jacobsen a partir de uno de sus principales hitos, como lo es la Egg Chair. Hoy retomamos parte de su historia a partir de otro de sus grandes desarrollos, la silla Swan.
En 1958 Arne Jacobsen es convocado para realizar el hotel Radisson SAS Royal en Copenhague. El edificio resultó ser una obra de arquitectura moderna, con trabajos en acero y aluminio todavía inexplorados para la época. También se convirtió en el primer rascacielo y un símbolo de la capital danesa. El proyecto contemplaba que Jacobsen también se hiciera cargo de la decoración de todos los espacios del hotel, para lo cual desarrolló la Egg y la Swan chair
El rasgo característico que diferenció a estas dos sillas fue la innovación tanto respecto a lo formal como a los materiales elegidos. Con el tiempo se le reconoció a Jacobsen lo innovador de crear diseños de formas orgánicas, donde no hubiera líneas rectas. Por otro lado, la Swan chair también se destaca por el uso de materiales poco convencionales para la época.
Render del frente del showroom de Mercedez Benz en Puerto Madero, de Red Scarlet
Diseño corporativo
El estudio Scarlet Red remodeló el showroom de Mercedes Benz en Puerto Madero, un espacio neutro donde los vehículos son protagonistas. Además, una nueva concesionaria de Honda, en Núñez, del estudio Carlos Cottet, que traduce valores de modernidad y solidez
Por Federico Prack
LA NACION
Recientemente, la firma Mercedes Benz reinauguró su showroom en una esquina estratégica de Puerto Madero, un espacio neutro que traduce elementos de la imagen corporativa, donde los vehiculos expuestos son los verdaderos protagonistas.
El local toma la planta baja del edificio de oficinas de Juana Manso y Azucena Villaflor, y fue proyectado por el estudio Scarlet Red, que fue seleccionado en un concurso privado. Cuenta con un sector administrativo y otro de exposición, articulados por un hall de entrada.
Pierre Paulin fue famoso por sus diseños de look "space-age" - Silla Tongue
El diseñador francés Pierre Paulin, cuyos muebles decoran el palacio presidencial del Elíseo, murió el sábado en un hospital en Montpelliera los 81 años , según hizo saber la familia a los medios franceses.
Paulin se convirtió en un diseñador afamado gracias a sus coloridos y vibrantes muebles de look ‘space-age’.
Entre sus creaciones más conocidas se cuenta el escritorio conocido como ‘CM 141’, diseñado en el estilo funcional del Bauhaus y los legendarios sillones ‘Tongue’ o ‘Ribbon Chair’ de la década de los 60 y 70.
Murió el diseñador Francés Pierre Paulin París.-Pierre Paulin, uno de los más grandes diseñadores franceses de muebles, murió a los 81 años, anunció el domingo a la AFP la primera secretaria del Partido Socialista, Martine Aubry, quien era una de sus amigas más cercanas.
MADRID .-Tan bueno que no se ve. Dos diseñadores cosmopolitas, el inglés Jasper Morrison y el japonés Naoto Fukasawa, iniciaron hace un par de años una particular reivindicación de los placeres cotidianos. Defendían un diseño que llamaban supernatural . Era el goce de lo común: lo ordinario convertido en extraordinario. Su cruzada buscaba llamar la atención sobre magníficos productos anónimos, como el clip o el palillo, que acompañan toda nuestra existencia pero jamás nos molestan. Nadie se cansa nunca de un diseño así.
¿Es un pájaro? ¿Es un avión? ¿Es Superman? No. Tiene algo de las tres cosas, pero en realidad es la nueva Terminal 1 del aeropuerto de Barcelona, que ha diseñado Ricardo Bofill (Barcelona, 1939) y que algunos ya consideran una de las mejores obras de su larga trayectoria como arquitecto. Lo de Superman es broma, aunque teniendo en cuenta que el edificio, que se inaugura el próximo martes, tiene una superficie de medio millón de metros cuadrados, capacidad para acoger 55 millones de pasajeros al año y una amplísima área de servicios, mucho de super sí tiene. Lo que es más cierto son las otras referencias. «La forma es vagamente metáforica, entre un avión y un pájaro, aunque las metáforas en arquitectura no pueden ser exactas», explicaba ayer el arquitecto en su despacho, frente a una mesa amplia y casi vacía en la que sólo destacaban las hojas en blanco en las que dibuja sus proyectos.
«Empiezo a trabajar siempre con un lápiz y una página en blanco. Me encierro dos días aquí, en el despacho, y sin otras referencias me pongo a trabajar. Solo, porque la arquitectura es cosa de equipo, pero cuando defines el concepto y tienes que plasmar en una línea la síntesis de las ideas de un proyecto estás solo, contigo mismo, con tu experiencia y lo que sabes. Esta parte de definir mentalmente lo que quieres es lo que más me gusta de mi trabajo, lo más difícil y lo más bonito. Es la parte mágica de la arquitectura, lo más creativo».
La nueva terminal de El Prat, la T-1, que empezará a funcionar el próximo miércoles, supondrá en la práctica el estreno de un nuevo aeropuerto para Barcelona, ya que la instalación es cuatro veces mayor que la T-2, donde se concentran las antiguas terminales, y podrá atender a 30 millones de pasajeros.
Vivienda integrada en el paisaje de México del estudio Cadaval & Solá-Morales
REPORTAJE: Diseño
Un proyecto muestra el trabajo vigoroso, colorista y de coste sensato de 14 estudios emergentes iberoamericanos
M. JOSÉ DÍAZ DE TUESTA – Madrid
¿Qué están haciendo los arquitectos emergentes al otro lado del Atlántico? Y otra cuestión, a posteriori, nada irrelevante: ¿cómo darlo a conocer al mundo? El proyecto Freshlatino, comisariado por la arquitecta Ariadna Cantís, que se expondrá en varias sedes del Instituto Cervantes (Francfort, Hamburgo, Lyon, Bucarest, Río de Janeiro y Lisboa), trata de responder a ambos interrogantes. El proyecto reúne a 14 estudios iberoamericanos que en una videoinstalación responden a una cuestión básica: cómo ven la ciudad del futuro. Si atendemos a sus proyectos, éstos hablan de una arquitectura desprovista de prejuicios, con mucha energía, colorista, muy próxima a lo cotidiano, de pequeña escala y de presupuestos modestos (opuesta a la otra, versión americana), que difícilmente logra colarse en los canales de difusión.
Los principales objetivos de la muestra apuntan a dar a conocer la producción de los dos últimos años de los diseñadores y las empresas, generar un espacio anual de exhibición de los nuevos trabajos y fomentar el vínculo entre diseño e industria. Estarán presentes los trabajos de Diana Cabeza, Ricardo Blanco, Vanina Mizrahi y Federico Churba entre otros
Los ganadores del concurso Vivienda Social ARQ tienen una obra diversa, caracterizada por su espíritu lúdico. Ponen el énfasis en el proceso proyectual y apuntan a la producción de estímulos.
POR GRACIELA BADUEL .
gbaduel@clarin.com
Exultantes, los ganadores del primer premio del Concurso Vivienda Social ARQ recorren de una punta a la otra el stand de Diario de Arquitectura en Batimat-Expovivienda. Miden los perfiles metálicos, juegan con la maqueta… Todavía no pueden creer que lo que hasta hace poco era un render hoy haya tomado forma tridimensional.
Ingeniosos, irreverentes y descontracturados, los tres integrantes de Paaar, Leonardo Jáuregui, Leandro Zapata y Marcos Calvari, se sacan chispas para hablar de sus obras. El estudio marplatense tiene apenas dos años de vida y se caracteriza por la diversidad de proyectos y por el espíritu lúdico que se adivina en cada uno de ellos, algo que se refleja también en el nombre que eligieron para la firma.
«Al igual que en nuestras obras –dice Jáuregui– la múltiple interpretación da como resultado numerosas respuestas, todas certeras. Para nosotros, se refiere a la producción del par ‘arte arquitectura’, no como dos elementos separados sino como un ente homogéneo, testimonial e intrínsecamente responsable… Cada uno de nosotros tres adopta una ‘a’ (por arte, arquitectura, acción, aberración, o cualquier cosa que se quiera).»
Mesa y sillas de la colección Fronzoni Color realizadas este año por Giulio Cappellini y mesas nido Hip, de Leonardo Talarico.
Los productores apuestan por un diseño esquemático llevado a su mínima expresión – El ‘gurú’ Giulio Capellini encabeza esta vuelta a lo esencial
ANATXU ZABALBESCOA – Madrid
También entre sillas y mesas nacen y renacen las modas de los kilos de menos. O de los kilos de más. El volumen y el peso son, en realidad, la mitad del diseño. Y estirar, o redondear, un tercio de la estrategia de un diseñador. Pensemos en el escocés Charles R. Macintosh y en los respaldos alargados, imposiblemente altos, de sus sillas Arts&Crafts. Evoquemos la sinuosidad fondona del pop o las curvas estilizadas del art nouveau. Aunque, también en diseño, la redondez no indica siempre sobrepeso, sí es cierto que los ángulos rectos remiten, inequívocamente, a la seriedad matemática. Y no están los tiempos para muchas bromas.
Tal vez por eso, este año, el gurúGiulio Cappellini ha querido, en su habitual apuesta múltiple y siempre
acertada, romper también una lanza a favor de lo magro. Así, junto a productos nuevos, como las escuetas mesas nido Hip (de Leonardo Talarico), un clásico en el ahorro espacial sin florituras ni excesos pero, eso sí, coloreadas para que la seriedad se haga más llevadera, ha optado por recuperar el legado de uno de los diseñadores más misteriosos de la historia del diseño. Cappellini ha rescatado, y -atención- coloreado, la colección Fronzoni ’64 del enigmático Angiolo Giuseppe Fronzoni (1923-2002).
LA ENTRADA A SAN PEDRO. Bernini diseñó el pórtico con la idea de "modelar toda la ciudad de Roma con sus manos, como si fuese una inmensa escultura".
Aprobado en 1657 por el Papa Alejandro VII, el monumental complejo diseñado por Gian Lorenzo Bernini será restaurado en su totalidad. El plan, que se prolongará durante cuatro años, abarca las 284 columnas y todos los santos y figuras que coronan los dos brazos de la Columnata.
La monumental Columnata de Bernini, en la plaza de San Pedro, será sometida a una restauración que durará cuatro años, informó hoy el director de los Museos Vaticanos, Antonio Paolucci.
Paolucci precisó que el 11 de junio será presentado en la Feria de Milán el plan de restauración de las 284 columnas que conforman el espacio ideado por Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) en 1657, cuando el papa Alejando VII aprobó el proyecto del pórtico de San Pedro.
Además de las columnas, también serán restaurados todos los santos y figuras que coronan los dos brazos de la columnata.
Desde hace varias semanas se analiza un grupo de columnas de la parte izquierda y en fechas próximas comenzará la restauración del complejo monumental.
La restauración de la monumental Columnata de Bernini de la plaza de San Pedro durará 42 meses y costará de 10 a 20 millones de dólares (7,1 y 14,2 millones de euros), dijo hoy el secretario del Governatorato (el gobierno que gestiona Ciudad del Vaticano), obispo Renato Boccardo.
Durante la presentación del proyecto de restauración en la Feria de Muestras de Milán, Boccardo dijo -citado por medios locales- que el Vaticano no pagará nada, ya que los costes se cubrirá con diferentes patrocinadores privados.
Trabajarán sobre las 284 columnas que conforman el espacio ideado por Gian Lorenzo Bernini en 1657. Se revisarán cubiertas y canalones de agua, y se retirarán los arreglos viejos
Una de las salas de la 40º edición de 'Art Basel'. | M. M.
ARTE | 40 aniversario de Art Basel
La feria de arte más prestigiosa del mundo mira la crisis con optimismo
Miró y Picasso comparten sala con piezas de artistas emergentes
España estará representada por nueve galerías
Meritxell Mir | Basilea (Suiza)
Sentada a orillas del canal francés de Sant Louis, Anne Lahumière contaba el dinero que había conseguido vender con su galería en Art Basel. Corría el año 1970 y la que rápidamente se convertiría en la feria de arte contemporáneo más importante del mundo había abierto sus puertas por primera vez. En 2009, ni Lahumière ni ninguno de los 300 galeristas que participan en la presente edición de la muestra suiza se atrevería a contar sus millonarias ventas en un lugar tan poco discreto.
«Art Basel ha cambiado de forma extraordinaria», asegura esta galerista de París, que no ha fallado a ninguna de las 40 ediciones de la feria. «Al principio estaba abierta a cualquier galería que quisiera exhibir sus piezas de arte», recuerda. «En cambio, hoy, hay un comité de selección muy estricto» que se encarga de que lo mejor de Miró y Picasso comparta sala con piezas de artistas emergentes, como Horowitz o Elmgreen & Dragset que rejuvenecen su arte. Todo un manjar para coleccionistas y amantes del arte.
Art Basel, la feria de arte más importante del mundo, es, por naturaleza, el termómetro del mercado. Los síntomas de la crisis se han venido sintiendo también en este sector, aunque hasta ahora no se sabía a ciencia cierta si se trataba realmente de una enfermedad o era sólo hipocondria.
La 40ª edición de la feria suiza, que abre hoy sus puertas al público hasta el domingo, vivió ayer una jornada sólo para coleccionistas y profesionales. Con el termómetro en la boca se puede decir ya que el mercado del arte goza de una salud razonablemente envidiable para otros sectores del comercio y las finanzas. «La crisis suele favorecer a las ferias», decía ayer en Basilea Lourdes Fernández, directora de Arco. «Los coleccionistas y los responsables de museos tienen la oportunidad de ver galerías de todo el mundo con sus mejores piezas, y tienen tiempo para pensar antes de decidirse. Es lo que pasó en la última edición de Arco, que fue mucho mejor de lo que pensábamos. Creo que estamos viviendo un momento muy importante».
BASILEA.- Con gorra very british color beige, anteojos negros y sonrisa permanente, Brad Pitt hizo su entrada triunfal en Art Basel 40 seguido por una nube de flashes. Recorrió las galerías del primer piso y se detuvo para comprar una pintura enorme de 3 x 2 metros en la galería Zwirner. La pintura en colores vibrantes está inspirada en la carreras de Fórmula 1 y está cotizada en un millón de dólares, bastante menos que la reserva que hizo el ruso Roman Abramovich para quedarse con el stand que exhibe una «sala Andy Warhol» de 11 metros de largo. El galerista suizo Bsichoferger pide por ella 74 millones de dólares, el ruso quiere que la obra integre el museo que su novia Dasha Zhukova acaba de inaugurar en Moscú. Ya se sabe el amor no tiene precio.
Contrariamente a los pronósticos, el ambiente en Art Basel es positivo, no de euforia. Conocedora del mercado y sus variables, Ana Sokolov, colombiana con base en Nueva York, ex Christie´s, se pasea con medias turquesa y minifalda por el collectors lounge. Su sonrisa lo dice todo «Esta todo ok, hay buenas cosas y los compradores están firmes «, comenta Sokolov, quien además de consultora de grandes inversores, tiene una lista de coleccionistas a quienes compra directamente.
Arquitectonico 
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