Zaha Hadid Architects: JS Bach Chamber Music Hall, Manchester
La arquitecta anglo-iraquí diseña en Manchester una sala de música de cámara
ANATXU ZABALBEASCOA – Madrid
Le ha costado 30 años, pero, finalmente, Zaha Hadid (Bagdad, 1950), la arquitecta más famosa del mundo, dejará su huella en el Reino Unido, el país que la ha visto formarse y crecer profesionalmente pero que, hasta hoy, parecía resistirse a verla triunfar. Aun así, lo hará con un edificio pequeño, un inmueble sin lugar, un auditorio de tela, una sala de música de cámara ideada para escuchar a Bach y levantada en medio de un museo…. durante el breve periodo de apenas dos meses que dura el Festival Internacional de Verano de Manchester. Muchos inconvenientes convertidos en un nuevo reto para esta arquitecta acostumbrada a lo difícil.
La arquitecta anglo-iraquí diseñó en Manchester una sala temporal de música de cámara para el Festival Internacional de Verano. Se trata de un pequeño pabellón de tela y sillas Panton alojado en el Museo de Arte local, que podrá visitarse hasta el 1 de septiembre próximo
FIETTA JARQUE Y ANATXU ZABALBEASCOA
Los grandes museos continúan construyendo impresionantes franquicias de su marca bajo el efecto Guggenheim, mientras desarrollan en Internet formas de ampliar su público en lugares remotos. El arte tiende hacia la experiencia global.
Esto sucedió en 1957. La primera exposición importante en varios años estaba a punto de inaugurarse en un señorial museo canadiense, los visitantes esperaban en la puerta impacientes -cuenta Duncan Cameron, entonces nuevo director del Royal Ontario Museum, en su texto ¡Al cuerno con el público!-, cuando entra a verlo presa de la indignación el jefe de las salas. Furioso, expresa su descontento: «Hay que detener esto. Todas esas sandeces en la prensa, en la radio, y toda esa propaganda a propósito de la exposición…». Por lo visto, los empleados del museo habían desarrollado a lo largo de décadas un profundo orgullo por el magnífico brillo del parqué en las salas que ocupaba la muestra y toda esa avalancha de gente que se preveía era una amenaza mortal para su mantenimiento. ¡Había que evitar la afluencia de público!
La obra de la brasileña Christina Oiticica, elaborada «a medias con la naturaleza», llega a Madrid
JAVIER HERAS– Madrid
Todo empezó por accidente. Había pintado un lienzo tan grande que no cabía en su casa en el Pirineo francés y tuvo que dejarlo secar en el monte. A la mañana siguiente, la tela estaba recubierta de polvo, insectos y hojas; pero el estropicio, lejos de desagradarle, la fascinó. Desde entonces, Christina Oiticica (Rio de Janeiro, 1951) ha hecho partícipe de sus obras a la naturaleza. En el mismo lugar donde elabora el cuadro, lo planta bajo tierra. Meses después regresa para desenterrarlo. «Siempre te llevas una sorpresa», explica la artista. «Algunos cuadros se estropean sin saber por qué. Otros se transforman de manera maravillosa».
Después de experimentar con el entorno (lo que se conoce como Land art) en la India y el Amazonas, Oiticica se embarcó en 2006 en un proyecto cuyo resultado, una selección de 34 obras, llega hoy lunes a la galería Biondetta de Madrid. La exposición se desarrolla en torno al Camino de Santiago, un lugar que determinó las vidas de la pintora y de su marido, Paulo Coelho. A él le inspiró su primera novela, El peregrino de Compostela (1987). A ella, arquitecta de profesión, la motivó en 1990 a dedicarse íntegramente a la pintura. «Este camino de historias seculares, sueños y esperanzas es sagrado para Christina y para mí», señala el escritor en el prólogo del libro que recoge la historia del proyecto, Camiño Peregrino, editado por Fundación Via Galego.
En las urbes españolas proliferan los bancos y farolas reciclables
ANATXU ZABALBEASCOA – Madrid –
En 1995 Miguel Milá diseñó una versión del banco romántico de toda la vida. En lugar de las varillas de madera pintadas de verde puso lamas desnudas de mayor grosor y sustituyó la antigua fundición de hierro por aluminio, que se conserva mejor. Además, el nuevo banco era ergonómico, se adaptaba al cuerpo, era antivandálico y se mostraba atento a los cambios sociales: hacía hueco a los solitarios, permitía contemplar el paso de la gente en butacas individuales.
Durante años, muchas ciudades del mundo, de Buenos Aires a París y Londres, han instalado ese banco en sus calles. Pero la empresa que lo produce, la española Santa & Cole, no ha dejado de darle vueltas a cómo mejorar lo que parecía perfecto. En 2002 consiguieron el certificado FSC, que asegura que la madera empleada en la construcción de los asientos procede de bosques en los que se planta cuanto se tala.
El 1° de julio fue el Día del Arquitecto Argentino. Para recordarlo de un modo diferente, Gustavo Sartorio, Yamila Zÿnda Aiub y Mario Roberto Alvarez, tres arquitectos de tres generaciones, cuentan cómo encontraron el amor de su vida al mismo tiempo que iniciaban sus carreras, en una experiencia que los marcó para siempre
Javier Mariscal posa en la exposición sobre su obra en el Design Museum de Londres.
El Design Museum de Londres dedica una retrospectiva al diseñador español
E. FERNÁNDEZ-SANTOS ENVIADA ESPECIAL – Londres
A Javier Mariscalno le gustan los ejercicios de nostalgia, asegura que no son buenos para su delicada autoestima. Por eso, la exposición que desde el próximo miércoles le dedica el Design Museum de Londres (ese edificio de formas cúbicas frente al Támesis donde los colores y los objetos cobran vida como en una idílica guardería) no es un viaje en el tiempo por la enorme obra del padre de Cobi sino una «deconstrucción» del paisaje creativo de uno de los diseñadores fundamentales de la España reciente.
Mariscal (Valencia, 1950) trabaja a contrarreloj con su equipo. El material ha llegado desde su estudio de Barcelona, donde durante los últimos meses se ha trabajado en esta exposición en la que hay más guiño y humor que solemne celebración de sí mismo.
Julia, hija mayor de Mariscal, corta y pega cajas apurada por la falta de tiempo para que todo esté listo para la inauguración de Drawing life, un juego de palabras que da título al recorrido, un nombre propuesto por el propio museo que Mariscal aplaude por sus posibles sentidos. «Yo no sé inglés. Así que me invento mil posibilidades que me gustan, dibujar en vivo, dibujar una vida, dibujando la vida, ser feliz dibujando, atrapar la vida….», explica.
Oficina-estudio enterrado en un jardín de las afueras de Madrid, de los arquitectos José Selgas y Cano.
La nueva arquitectura sumerge sus cimientos – Una oficina de Selgas y Cano ejemplifica una tendencia orgánica
ANATXU ZABALBEASCOA – Madrid
Cavar un hoyo es un viejo recurso que suele resultar rompedor. Son muchos los animales que se resguardan de fríos y miedos en madrigueras, y los habitantes de Matmata, al sur de Túnez, viven en mudanza perpetua. En esa línea de orden natural, sentido común y resultados sorprendentes trabajan los arquitectos madrileños José Selgas y Lucía Cano. En sus proyectos más íntimos (su propia vivienda, levantada hace tres años, y ahora su estudio a las afueras de Madrid) demuestran que les gusta la vida entre los árboles. Así, mientras la mayoría de los arquitectos apuesta por las alturas y las vistas despejadas, ellos se concentran en las raíces. La vida a ras de suelo. Y en ese empeño, su arquitectura es un laboratorio de pruebas: cuestionan las tipologías e indagan en el uso de los nuevos materiales. Aunque no haya en ese ideario práctico ninguna vocación formal, tampoco temen a la forma: la idea es partir de cero y no contentarse con los cerramientos o las soluciones al uso. Ni siquiera con las formas habituales. Aunque el edificio resultante siempre rompa moldes, Selgas y Cano construyen arquitecturas lógicas, edificios que hablan de pruebas y de industria para, de modo paradójico, acercarse a los lugares. Dentro de esa ambición, pocos aislantes mejoran la vida subterránea.
El ministro de Cultura griego, Antoni Samaras, ayer con la pieza original del Partenón que ha devuelto el Vaticano.
Reportaje
Durante la inauguración del Nuevo Museo de la Acrópolis, el ministro de Cultura recoloca en el friso procedente del templo, como acto simbólico, un trocito devuelto por el Vaticano
JACINTO ANTÓN (ENVIADO ESPECIAL) – Atenas
“Ha llegado el momento de cerrar las heridas del Partenόn con el retorno de las esculturas que le pertenecen”. De esta manera tan expresiva abordo ayer el polέmico tema de los mάrmoles exiliados en su discurso de inauguraciόn del Nuevo Museo de la Acrόpolis el presidente de Grecia, Karolos Papouliuas. En el curso de una ceremonia que contό con una amplia representaciόn de gobiernos de todo el mundo –ninguna de Gran Bretana (no era el día) ni de, lo que es menos explicable, Espana-, el nuevo equipamiento ateniense abriό sus puertas al pie de la Acrόpolis envuelto en luz, proyecciones y una música melancólica. Rodeado, también, de grandes medidas de seguridad, con centenares de musculados policías en plan “esto es… Esparta” aunque no fueran lacedemonios sino áticos –y de altura-. Por su parte, el primer ministro Costas Karamanlis, sobrino de Konstantinos Karamanlis, que con Melina Mercouri fueron los dos grandes impulsores del museo, vinculó también el nuevo centro al clamor “de toda la humanidad” por la reunificación de los mármoles del Partenón y la devolución de los que faltan, en manos del British Museum de Londres. Mucho más tibio en cuanto al espinoso asunto del retorno estuvo en su parlamento el director general de la Unesco, Koichiro Matsuura, que se limitó a expresar sus votos por una “solución satisfactoria mutua” entre Gran Bretana y Grecia. José Manuel Barroso, presidente de la Comisión Europea –que ha aportado fondos para el proyecto- ya es que ni mencionó los mármoles, aunque eso sí, soltó una estupenda cita del Adriano de la Yourcenar sobre cómo las acropolis griegas han fecundado el mundo.
‘Es hora de curar las heridas del monumento con el regreso de los frisos’
Los mármoles del Partenón fueron expoliados en el S. XIX por el Reino Unido
‘No podemos legalizar el saqueo de hace dos siglos’, dice el ministro de Cultura
Efe | Atenas
El nuevo Museo de la Acrópolis fue inaugurado este sábado en Atenas en medio de una gran expectación y con la renovada esperanza de conseguir el retorno a Grecia de los mármoles del Partenón expoliados a principios del siglo XIX por el Reino Unido y que se exhiben en Londres.
En presencia de unos 300 invitados, como el presidente de la Comisión Europea, Jose Manuel Durao Barroso, y el secretario general de la UNESCO, Koichiro Matsuura, el presidente griego Carolos Papulias, declaró que «ha llegado la hora de curar las heridas del monumento con el regreso de los frisos (expoliados)».
Barroso dijo que «después de tantos años de trabajo todos los países del mundo estaban esperando» el nuevo museo de la Acrópolis que esté «en plena armonía con la roca sagrada».
El moderno edificio de cristal, cemento y hierro, con 14.000 metros cuadros de espacio de exposición construido en el barrio Makriyanis, a 300 metros de la roca sagrada, alberga más de 4.000 piezas arqueológicas exclusivas de la Acrópolis y restos de las ciudades descubiertas durante las excavaciones.
Es la primera vez en la historia museística griega que los visitantes pasean entre valiosas estatuas clásicas. «¿Y si tropezamos con ellas? ¿Se podrán tocar?», pregunta Yanis, esperando ayer para entrar con un billete electrónico, uno de los 750 visitantes para cada uno de los tres primeros días «de ensayo».
Al salir entusiasmado comenta que nunca pensó que podría observar desde tan cerca las obras maestras de la Antiguedad (tocar sólo pueden tocar las esculturas los ciegos). Los guardas de las salas, perfectamente uniformados (algo único en museos estatales) vigilan y seguro que piensan cómo se sentirán cuando haya casi mil visitantes por hora.
Inauguró el sábado último el nuevo edificio de 14.000 m2, exhibiendo calcos de yeso en lugar de las obras originales del templo principal, realizadas por Fidias
Edificio España, perteneciente a Banif, en la Plaza de España.- CRISTÓBAL MANUEL
Reportaje
Las secuelas de la burbuja y el dilatado plazo (cuatro años) para cambio de uso deja vacíos edificios emblemáticos en el centro
ANDREA ARABIA
Están en pie pero sin vida. Son singulares, protegidos, se encuentran en buen estado y en las mejores zonas de Madrid, pero sin ninguna utilidad. Son varios los edificios completamente deshabitados o en situación de semiabandono en la capital. El más llamativo está en la Puerta del Sol, bajo el anuncio luminoso de Tío Pepe. La lista de ilustres abandonados sigue con la manzana de Canalejas, sede de la Mutua Madrileña, en la calle de Almagro, o el edificio acristalado que corona el Antiguo Teatro Fontalba, en la Gran Vía.
Las razones de que estos edificios emblemáticos estén semiabandonados son muchas y están en buena parte ligadas a la especulación de los años de la burbuja. Las causas más comunes apuntan a la dilatación de los trámites urbanísticos que exige un cambio de uso; a la espera del vencimiento de los contratos de alquiler o que, al tratarse de edificios protegidos, los permisos se dilaten más de la cuenta, según apunta Antonio Pleguezuelos, director de Urbanismo de la consultora Aguirre Newman. Cambiar el uso es muy complejo. Requiere un mínimo de cuatro años. Francisco Pleguezuelos, director del área hotelera de BNP Paribas Real Estate, asegura que mientras están parados «estos inmuebles no sólo no generan beneficios ni plusvalías, sino que producen importantes gastos en labores de mantenimiento, gastos de seguridad e impuestos».
Sintético o natural, un aire vegetal arropa edificios de todo el mundo
ANATXU ZABALBEASCOA – Madrid
Lo hemos visto en el paisajismo. Ya no se trata de recortar boj para formar escudos ni de sembrar parterres con flores en las que brillen los colores nacionales. El arte topiario quedó muy atrás y un nuevo paisajismo, más reparador que decorador, prolifera en las ciudades. Así, mientras la reconversión de zonas industriales en espacios verdes lleva árboles a los extrarradios urbanos, el centro de las ciudades clama por espacios sombreados, húmedos y verdes.
En Seúl, el arquitecto coreano Minsuk Cho, del estudio Mass Studies, envolvió la tienda de la diseñadora de moda belga Ann Demeulemeester con un manto de musgo. Consiguió así una fachada viva que convierte el edificio en un pequeño generador de oxígeno. Minsuk Cho (1966) es un arquitecto global. Tras formarse en Seúl, estudió en la Universidad de Columbia, en Nueva York, y luego trabajó en Rotterdam para Rem Koolhaas y su estudio OMA (Office of Metropolitan Architecture). Sin embargo, más que en Holanda, fue en el periplo de sus viajes de estudio y trabajo donde Cho aprendió a construir lo inesperado, a saber ver donde más cuesta hacerlo. Así, en este pequeño inmueble ha sabido llevar naturaleza donde ésta no parecía caber ni tener cabida.
Miembros de Rebiennale desmontando la Bienal de Arquitectura de 2008.
REPORTAJE: Estilos
Un colectivo plantea un futuro para las infraestructuras de una gran cita de arte
ROBERTA BOSCO – Venecia
¿Qué pasará con todas las estructuras de la Bienal de Venecia, pensadas para acoger miles de visitantes, cuando se cierre el próximo 22 de noviembre? ¿Cuál es el impacto sobre la ciudad de este multitudinario evento, que se alterna anualmente con la Bienal de Arquitectura? «Las bienales duran entre tres y cinco meses. A su clausura todas las estructuras, y a menudo las propias obras, concluyen su ciclo vital como inútiles desechos que alimentan la insostenibilidad ambiental. De ahí la idea de reutilizar estos materiales en un proyecto colectivo de regeneración urbana, que convierte la Bienal en un laboratorio de ideas y prácticas, llevando la interacción con la ciudad mas allá de las visitas a las exposiciones».
Quien así habla es la antropóloga y documentalista Marina Nebbiolo, miembro de Rebiennale (www.rebiennale.org), un colectivo de arquitectos, diseñadores, artistas, profesores, estudiantes e investigadores varios, que se dedica, por un lado, a estudiar el impacto y la sostenibilidad de los pabellones y los propios proyectos artísticos y, por otro, a reciclar en iniciativas tanto sociales como artísticas todo el material (desde ordenadores y clavos hasta instalaciones efímeras) que queda inutilizado cuando se acaba la Bienal.
«El proyecto, que nació en 2008, en ocasión de la 11ª Bienal de Arquitectura, ha sido posible gracias a la sinergia entre los comisarios y arquitectos participantes y varias asociaciones comprometidas con la autorecuperación y autoconstrucción como soluciones innovadoras a la crisis de la vivienda, reunidas en la plataforma Commons Beyond Building«, explica Nebbiolo. Los resultados de esta estrategia aplicada a la muestra de arquitectura se presentaron la semana pasada en Venecia, durante los días reservados a los profesionales, la denominada vernice de la Bienal, cuando la ciudad bate todo récord de concentración de personas vinculadas al arte por metro cuadrado.
Vivienda integrada en el paisaje de México del estudio Cadaval & Solá-Morales
REPORTAJE: Diseño
Un proyecto muestra el trabajo vigoroso, colorista y de coste sensato de 14 estudios emergentes iberoamericanos
M. JOSÉ DÍAZ DE TUESTA – Madrid
¿Qué están haciendo los arquitectos emergentes al otro lado del Atlántico? Y otra cuestión, a posteriori, nada irrelevante: ¿cómo darlo a conocer al mundo? El proyecto Freshlatino, comisariado por la arquitecta Ariadna Cantís, que se expondrá en varias sedes del Instituto Cervantes (Francfort, Hamburgo, Lyon, Bucarest, Río de Janeiro y Lisboa), trata de responder a ambos interrogantes. El proyecto reúne a 14 estudios iberoamericanos que en una videoinstalación responden a una cuestión básica: cómo ven la ciudad del futuro. Si atendemos a sus proyectos, éstos hablan de una arquitectura desprovista de prejuicios, con mucha energía, colorista, muy próxima a lo cotidiano, de pequeña escala y de presupuestos modestos (opuesta a la otra, versión americana), que difícilmente logra colarse en los canales de difusión.
Arquitectonico 
Debe estar conectado para enviar un comentario.