«… (Del lat. musēum, y este del gr. μουσεῖον).
1. m. Lugar en que se guardan colecciones de objetos artísticos, científicos o de otro tipo, y en general de valor cultural, convenientemente colocados para que sean examinados.
2. m. Institución, sin fines de lucro, abierta al público, cuya finalidad consiste en la adquisición, conservación, estudio y exposición de los objetos que mejor ilustran las actividades del hombre, o culturalmente importantes para el desarrollo de los conocimientos humanos.
3. m. Lugar donde se exhiben objetos o curiosidades que pueden atraer el interés del público, con fines turísticos.
4. m. Edificio o lugar destinado al estudio de las ciencias, letras humanas y artes liberales. …» (Fuente: Diccionario de la Real Academia Española)
Un edificio polémico, no siempre valorado. Clarín.com, Suplemento ARQ
En 2015, el museo Whitney tendrá una nueva sede, diseñada por Renzo Piano. La actual, proyectada por Marcel Breuer, despertó en los años de su inauguración comentarios adversos. ¿Qué será del icónico edificio?
El Museo Withney ha conseguido un nuevo y estupendo edificio, diseñado por Renzo Piano, que está siendo construido en el Meatpacking District de Manhattan y será inaugurado en 2015. Pero ¿qué pasará con su estructura de la calle 75 y Madison, donde en 1966 Jacqueline Kennedy asistió a la ceremonia del corte de cinta? Antipático y amenazante, el edificio podría ser considerado la obra arquitectónica más agresiva de Nueva York.
La artista, heredera y coleccionista Gertrude Vanderbilt Whitney instaló el Whitney Museum of American Art en 1931, en los fondos de su estudio, en la calle 8. En los años cincuenta, el Whitney se trasladó a una pequeña estructura ubicada detrás del MoMA y en 1961 el museo empezó a buscar un sitio adecuado para un edificio más grande y encontró la esquina de Madison y 75, propiedad del urbanista y coleccionista de arte Ian Woodner, quien accedió a vender. La Junta Directiva del Withney, entonces, contrató al arquitecto húngaro Marcel Breuer, formado en la Bauhaus, para que diseñara el edificio. Una reproducción del museo de 1963 lo muestra tal como está actualmente, proyectándose por sobre Madison Avenue como una fortaleza medieval, con sus ventanas de extraña forma, que recuerdan las almenas de la Línea Maginot.
RIO DE JANEIRO — El legendario ex futbolista Edson Arantes do Nascimento, Pelé, y el célebre y centenario arquitecto Oscar Niemeyer presentaron este jueves en Rio de Janeiro el proyecto del museo dedicado al ‘Rey del fútbol’ en la ciudad portuaria de Santos, litoral de Sao Paulo.
«El (Pelé) es el jugador de todas las generaciones y merece varios homenajes», declaró Niemeyer, de 103 años.
El museo, en forma de balón, ya comenzó a ser construido en el centro histórico de Santos (85 km de Sao Paulo) y se prevé que estará finalizado en 2012.
Se pretende resguardar las memorias y proezas del ‘Rey’ -que cumplió 70 años el 23 de octubre y fue autor de 1.284 goles- con la exposición de más de 3.000 piezas, pero también fomentar el turismo en la ciudad.
El genial arquitecto ya ha diseñado el que será un equipamiento en honor del legendario jugador
L. A. R. |
El para muchos rey del fútbol y el Príncipe de Asturias de las Artes cara a cara. Dos de los hijos más geniales de Brasil, juntos ayer para hacer realidad un proyecto, la construcción de un museo dedicado al balompié, deporte fundamental en la idiosincrasia del país que acaba de pasar unas elecciones generales y de colocar a una mujer al frente de su presidencia. Un museo que llevará el nombre de Pelé, tendrá forma de bola y exhibirá en su interior todos y cada uno de los trofeos acumulados en su historial deportivo por el mejor jugador del mundo con permiso de Maradona. Entre ellos, la copa Jules Rimet que Brasil recibió como campeona del mundo en 1970 en México y que significó el tercer mundial del jugador del Santos. En total se exhibirán unas tres mil piezas, muchas de ellas tesoros y recuerdos vinculados al eterno 10 brasileño que para los aficionados constituyen verdaderos iconos de la historia del fútbol.
Río de Janeiro, 4 nov (EFE).- El arquitecto brasileño Óscar Niemeyer elogió hoy al «rey» del fútbol, Edson Arantes do Nascimento «Pelé», a quien definió como «un ídolo inolvidable», durante la presentación del diseño de una escultura que será erguida en su honor, junto con un museo dedicado a su trayectoria.
Niemeyer, de 102 años, recibió hoy al ex jugador en su estudio de Río de Janeiro, que ofrece privilegiadas vistas a la playa de Copacabana, para entregarle oficialmente los bocetos del monumento de 20 metros de altura, que llevará la firma del arquitecto más aclamado de Brasil.
«Estoy muy honrado, porque casi siempre se hacen homenajes a las personas que ya se fueron, pero yo tuve la bendición de recibirlo antes de morir», afirmó Pelé, quien el mes pasado celebró sus 70 años.
El jefe de la sección de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno (Moma) de Nueva York, Barry Bergdoll, ofrecerá una conferencia en Tenerife el 7 de noviembre sobre las «Corrientes emergentes: proyectos para un frente marítimo«, con la que inaugurará un taller internacional.
Barry Bergdoll participará en el taller internacional «Green Low Cost«, una iniciativa organizada por la Asociación Laboratorio de Investigación e Innovación en Arquitectura, Urbanismo, Diseño y Turismo Avanzado (El Laboratorio) con el apoyo del programa «Septenio» del Gobierno de Canarias.
El taller se desarrollará en el Ayuntamiento de La Orotava del 6 al 13 de noviembre y tiene como objetivo buscar ideas para el futuro social y cultural de las islas turísticas para lo que se trabajará, como ejemplo, en el caso de este valle tinerfeño, informa el programa «Septenio» en un comunicado remitido a Efe.
El encuentro «Green Low Cost» está constituido por un taller, un ciclo de conferencias y una programación paralela y Barry Bergdoll, considerado como uno de los críticos e historiadores de arquitectura más influyentes e importantes del ámbito internacional, será el encargado de inaugurar las conferencias, abiertas al público previa inscripción por correo electrónico.
En el caso del taller internacional, los asistentes serán alumnos de las universidades Europea de Madrid (UEM), Las Palmas de Gran Canaria (ULPG), Politécnica de Valencia (UPV), Técnica de Berlín (UTB) y de la Escuela Especial de Arquitectura de París (ESA).
Estos alumnos analizarán los problemas comunes que atañen a los territorios insulares, como los residuos, la deforestación o las dificultades de transporte, entre otros.
En este taller se analizará también el caso concreto de Tenerife, para, finalmente, proponer «proyectos-ideas«.
La arquitectura para el cambio social. La 0.3, Clarín - Arquitectura
Una muestra en el MoMA neoyorquino pone de manifiesto la alta necesidad de difundir propuestas que ayuden a comprender la arquitectura social, más allá de planteos heroicos, egotistas o caritativos.
Las actitudes ideológicas de la década de los 60 marcaron el comienzo de un cuestionamiento del fracaso del proyecto moderno, constatando su ineficacia para haber logrado proporcionar los recursos que hubieran garantizado la realización de su ideal de igualdad social. En noviembre de 1964, el arquitecto Bernard Rudofsky presentó en el MoMA ‘Architecture without Architects’, una exposición en la que, reivindicando la idea de una ‘arquitectura sin pedigrí’, que rescatase el ideal de una relación orgánica entre paisaje y modos de vida, se planteaba simultáneamente una crítica contra la arrogancia de la autoría heroica implícita en la visión moderna del arquitecto, que habría abocado finalmente en una incapacidad para constituirse como un verdadero agente activo para la construcción de aquel ideal.
Cuarenta y seis años después, de nuevo en el MoMA, se presenta una exposición que vuelve a reflexionar y a reivindicar el papel del arquitecto como modelador de su entorno desde una consciente responsabilidad de compromiso social: ‘Small Scale, Big Change: New Architectures of Social Engagement’. Comisariada por el responsable del Departamento de Arquitectura y Diseño del museo, Andres Lepik, la exposición presenta una descripción en diferentes soportes de once proyectos localizados en Estados Unidos, Chile, Venezuela, Brasil, Francia, Burkina Faso, Bangladesh y Líbano en los que la intervención arquitectónica se ha planteado como un ejercicio en el que la tarea del arquitecto va más allá del diseño y la construcción de un edificio, para extenderse hacia un planteamiento en el que el edificio actúa crucialmente como pieza de reparación o de incentivación positiva dentro de un contexto en situación crítica. La muestra se complementa con tres sitios web que actúan como puntos de encuentro e intercambios de experiencia entre arquitectos, ONG y responsables de comunidades.
Forman parte de esta exposición modelos de construcción sostenible a través de la integración de técnicas constructivas tradicionales y técnicas avanzadas y otros conceptos que forman parte de los intereses más estrictamente actuales de la arquitectura. Esta exposición, sin embargo, no debe ser leída en clave de aproximación a conceptos de innovación, sino más bien como expresiones de vigencia y reinterpretación de fundamentos del Movimiento Moderno y de la recuperación de planteamientos teóricos e ideológicos que, desde los 60, han venido reaccionando contra el debilitamiento de la trascendencia política del arquitecto, buscando recuperar el concepto ideal del proyecto moderno y del arquitecto como un agente libre y no como un servidor del poder.
Cabe asumir que el recurrir a proyectos situados en lo que en la exposición se denominan ‘ comunidades desfavorecidas’ tiene como objetivo concreto mostrar con mayor claridad el efecto de las intervenciones planteadas desde este posicionamiento del arquitecto como ‘moderador de cambios’ –que se propone como un modelo para redefinir su rol dentro del status quo presente–.
Así se interpretan el proyecto de Francis Keré en Gando, el de Anna Heringer en Bangladesh (foto – encabezado) o Fréderic Druot con Lacaton & Vassal en la periferia parisina: casos en los que los arquitectos han definido modos de acción específicos a partir de análisis pragmáticos de los diversos condicionantes confluyentes en el contexto para producir edificios que han catalizado un progreso positivo de las condiciones sociales. No obstante, esa concentración exclusiva en ‘zonas desfavorecidas’, ligando la reivindicación de lo social desde lo exótico-marginal, implica el riesgo de distanciar demasiado la trascendencia de una acción social de la arquitectura de la realidad en crisis del primer mundo. La presencia de algunos proyectos sobradamente mediatizados demuestra cómo aún colean las estrategias de los tiempos de exaltación en los medios de las figuras-estrella y arquitecturas de presupuestos estratosféricos ahora clamando un falso mea culpa colectivo mediante un mismo discurso, supuestamente invertido, y que celebra esa arquitectura–limosna (no social). Alejandro Aravena y las viviendas en Iquique de su firma Elemental , ‘que transforman la caridad en un emprendimiento rentable’, como Lepik señala en su ensayo para el catálogo de la exposición, resultan el paradigma de esta situación que lleva a invisibilizar propuestas menos mediáticas pero posiblemente menos decantadas hacia tópicos, más coherentes y con más interesantes matices conceptuales. También plantea dudas una propuesta como Inner City Arts, de Michael Maltzan, que se basa en la pauperización de modelos de sofisticada arquitectura.
El Patronato del museo ha aprobado el nombramiento del arquitecto como nuevo miembro del Órgano Rector de la pinacoteca, en sustitución de Alfonso Pérez Sánchez.
NATIVIDAD PULIDO / MADRID
El Patronato del Museo del Prado, en su reunión plenaria celebrada esta mañana, presidida por la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, ha aprobado el nombramiento de Rafael Moneo como nuevo miembro del Órgano Rector de la pinacoteca, en sustitución de Alfonso Pérez Sánchez, ex director del Prado, fallecido el pasado mes de agosto.
Según un comunicado emitido por el Ministerio, la designación del arquitecto navarro «se fundamenta en su prestigio internacional en el mundo de la cultura, y en la singular y especial vinculación de Moneo al Museo del Prado«. No hay que olvidar que Moneo es el flamante autor de la ampliación del Prado, un espectacular proyecto para él agridulce, que vio la luz en 2007 después de cinco años plagados de polémicas. Pero, como él confesaba a ABC, siempre tuvo fe en el proyecto, lo que le llevó a sobreponerse a momentos muy duros. De su ambiciosa ampliación del Prado destaca su actuación en el Claustro de los Jerónimos, que se desmontó pieza a pieza y hoy es una de las joyas del museo; la recuperación de la puerta de Velázquez y el ábside de Villanueva, el parterre que une los dos edificios, la Sala de las Musas, las puertas de Cristina Iglesias…
La pinacoteca aprobó también la compra del cuadro de Bruegel el viejo descubierto en septiembre
M.L. . COLPISA. MADRID.
El arquitecto navarro y premio PriztkerRafael Moneo se ha incorporado al Real Patronato del Museo del Prado, el órgano de gobierno de la pinacoteca. Moneo, responsable de la ampliación del museo, se incorpora al patronato en sustitución de Alfonso Pérez Sánchez, fallecido en agosto.
Guggenheim Museum, Nueva York - Foto: Clarín.com, Arquitectura
Desde hace mucho tiempo la fundación Solomon R. Guggenheim ostenta presencia internacional . “El Guggenheim” tiene museos en Nueva York, Venecia, Bilbao, Berlín y, en los últimos años, en Abu Dhabi.
Sin embargo, recientemente el Guggenheim ha empezado a buscar formas de ampliar aún más su alcance global, sin ladrillos ni hormigón.
Acaba de anunciar el lanzamiento de una iniciativa de seis años , en la que estructuras temporarias diseñadas por arquitectos se trasladarán por todo el mundo. Estos tres “laboratorios” viajarán, en ciclos consecutivos, a los Estados Unidos, Europa y Asia, y permanecerán tres meses en cada lugar. En cada estadía, los curadores del Guggenheim invitarán a personalidades destacadas en los campos de la arquitectura, las artes visuales, las ciencias, el diseño, la tecnología y la educación, para participar en mesas redondas en y sobre las estructuras. Las discusiones se centrarán en las complejidades, realidades y problemas de la vida urbana.
Cada laboratorio tendrá un tema , y al final de cada ciclo las cuestiones abordadas durante los viajes del laboratorio serán presentadas en la sede del museo en Nueva York.
Richard Armstrong, director de la Solomon R. Guggenheim Foundation, espera que el programa atraiga nuevos públicos, y r elacione a la institución con los arquitectos , “sin tener que coleccionar más edificios.” Dos curadores asistentes del Guggenheim – David van der Leer y María Nicanor– están a cargo del proyecto, y ya han seleccionado al estudio de arquitectura Atelier Bow-Wow, con sede en Tokio, para diseñar el primer laboratorio , que se instalará el año próximo verano en algún lugar de los Estados Unidos (probablemente en Nueva York). Yoshiharu Tsukamoto, socio del estudio, adelantó que la estructura sería desarmable y “probablemente se la construiría con algún material metálico”.
La Bienal Brasileña de Diseño 2010 se realiza en Curitiba, uno de los escenarios urbanos más apropiados de Brasil para mostrarle al mundo innovación, diseño y sustentabilidad. En la ciudad donde se desarrolló una de las experiencias urbanísticas más influyentes de Latinoamérica se realizan actividades, workshops, muestras y seminarios sobre la actualidad del sector.
La experiencia cruza la frontera de la exposición lineal de objetos de diseño y se apropia de los espacios públicos emblemáticos de Curitiba: el Parque Barigui, el Jardín Botánico y el Museo Niemeyer, entre otros sitios que funcionan de base de operaciones . Los organizadores prevén un flujo de 250 mil visitantes, que hasta el 31 de octubre podrán recorrer el presente, el futuro y el pasado de las claves del diseño brasilero.
El mentor de la revolución urbana de Curitiba es el arquitecto Jaime Lerner , quien tiene un lugar destacado en la Bienal.
Logo de la Bienal 2010 en la Web del Museo Niemeyer, Curitiba (Brasil)
“Diseño Urbano, una trayectoria” , es la expo más importante de las nueve muestras que reúnen las contribuciones creativas del pasado cuyas influencias permanecen hasta el presente con proyectos que articulan diseño e innovación. En el Memorial de Curitiba se despliegan las intervenciones y soluciones más exitosas planteadas por Lerner, bautizadas como acupuntura urbana . El Dock-Dock es la apuesta más innovadora. Se trata de un sistema de vehículo individual súper compacto , que ocupa un tercio de espacio que un auto común. El proyecto forma parte de un estudio desarrollado por Lerner para complementar las redes de transporte existentes.
En tanto, en el Museo Oscar Niemeyer, se lleva adelante la expo “La reinvención de la materia” , donde el foco está puesto en el reciclaje de materias primas naturales y la realización de objetos sustentables. Dinamarca también está presente, con la muestra “It’s a Small World” , donde se despliega el panorama sobre nuevas tecnologías y consumo. Con una larga tradición en el mundo del diseño, hoy los dinamarqueses están más preocupados en las soluciones creativas y la problemática ambiental.
Se inaugurará el 17 de noviembre con una muestra de 350 obras de la Colección ABC.
Edificio rehabilitado por el equipo de arquitectos Aranguren & Gallegos. Foto: ABC.es
ABC.es /Madrid
El próximo 17 de noviembre abrirá sus puertas en Madrid el Museo ABC de Dibujo e Ilustración. Lo hará con la exposición «Efecto Iceberg. Dibujo e Ilustración españoles entre dos finales de siglo». Comisariada por el crítico e historiador Juan Manuel Bonet, reunirá 350 obras, que se convierten en una primera aproximación a los extensos fondos de la Colección ABC.
Situado en los números 29-31 de la calle Amaniel — en pleno centro de Madrid, junto al Convento de las Comendadoras —, el edificio ha sido rehabilitado por el equipo de arquitectos Aranguren & Gallegos. Son 3.500 metros cuadrados de superficie divididos en seis plantas entre las que se reparten dos salas de exposiciones, zonas para actividades, archivo, talleres de restauración, cafetería… Este espacio nace con el objetivo de convertirse en un centro de referencia en Europa en torno al dibujo y la ilustración. Un centro donde tendrán cabida disciplinas como el cómic y la animación, donde confluirán exposiciones propias y ajenas, así como revisiones de la Colección ABC, pero también el análisis y el estudio de artistas contemporáneos. Un espacio vivo con una amplia oferta de actividades que va desde talleres a conciertos, pasando por conferencias o cursos de formación en torno a estas disciplinas.
Tras la inauguración por los Reyes en septiembre, hoy se presenta en sociedad con una antológica de la Colección ABC.
NATIVIDAD PULIDO / MADRID
Todo está a punto para que mañana abra sus puertas al público el Museo ABC de Dibujo e Ilustración, un nuevo centro artístico en la capital, que nace con vocación de convertirse en un referente no solo en España sino en Europa.
Fachada principal del Museo (Arqueológico Nacional, Madrid - España) Wikipedia
REPORTAJE: El ‘lifting’ de un tesoro cultural
El museo de la Dama de Elche y otros tesoros de la antigüedad se sacuden el polvo con una radical renovación – Nuevos accesos y techos de cristal, entre las novedades
ÁNGELES GARCÍA– Madrid
Cuando hace dos años comenzaron las obras de restauración del Museo Arqueológico Nacional , el edificio sufría todas las deficiencias imaginables. Era un coloso repleto de tesoros, sí, pero un coloso obsoleto, un gigante dormido y anclado en el pasado. Y, sobre todo, un museo incómodo y démodé. No sólo sus magníficas piezas (las damas de Elche y Baza, el tesoro de Guarrazar….) se estaban exponiendo en deficientes condiciones: también se contravenían las más elementales normas de seguridad (incendios, accesos…) en un edificio que comparte estructura con la Biblioteca Nacional (un tercio es museo y el resto Biblioteca), algo que complicaba la rehabilitación del espacio.
Pero por fin ha sonado la hora del renacimiento para el (Museo) Arqueológico Nacional. El museo, que exhibirá su nueva cara a partir del verano de 2011 pero mostrará al público una de sus remodeladas alas el próximo mes de octubre, presenta ya un aspecto que corta definitivamente con su pasado y entra de lleno en el siglo XXI. Para resolver el espinoso tema de las colecciones y su necesaria reordenación, el Ministerio de Cultura abrió el 3 de agosto un concurso museográfico público que deberá resolverse también en el próximo mes.
El responsable de esta radical transformación es el arquitecto Juan Pablo Rodríguez Frade (Madrid, 1957), cuya rehabilitación del Palacio de Carlos V, en la Alhambra granadina, logró el Premio Nacional de Restauración en 1995. Las cifras básicas dan idea de la envergadura del proyecto: el espacio del museo ha pasado de 14.350 metros a 20.510, y el espacio expositivo que existía, 7.300 metros, ha aumentado hasta 9.715. El presupuesto límite es de 35 millones de euros y la fecha de terminación se ha dilatado un año.
Maestro en el uso de la luz y su influencia en la percepción de los espacios, Steven Holl intenta “crear experiencias” a través de sus proyectos. Pero en el Herning Museum of Contemporary Art (HEART), situado en Dinamarca, va un poco más allá. Al manejo de la luz, que remite inmediatamente a las sensaciones visuales, Holl suma efectos táctiles mediante el tratamiento de las paredes de hormigón, con una fuerte impronta textil.
El estadounidense, calificado como el “mejor arquitecto contemporáneo” de su país por la revista Time, ganó el proyecto para este complejo cultural por concurso, gracias al diálogo que logró establecer entre el edificio, su entorno, y la obra que atesora.
Ocurre que uno de los emblemas de la ciudad de Herning es una antigua fábrica de camisas, en cuyo edificio con forma de cuello, justo enfrente del HEART, se exhibe actualmente parte del acervo del museo.
“Fue el gusto del propietario de la fábrica por el Arte Povera y la obra de Piero Manzoni, lo que hizo posible que en el HEART haya semejante colección”, dice Holl y explica por qué el tema textil está presente en la forma del nuevo edificio. En un paisaje tapizado de verde, la planta de techos del edificio parece una colección de mangas de camisas apiladas como al descuido, que, justamente, dialogan con el “cuello” del antiguo edificio. Es más, el hormigón de las paredes exteriores fue tratado durante el encofrado para darle un aspecto industrial: posee la textura de una tela, con sus pliegues y arrugas. También inspiró a Holl la obra de Manzoni, el revulsivo artista italiano que se hizo célebre por vender, a precio de oro, sus propios excrementos enlatados.
HEART - Herning Museum of Contemporary Art
Sin embargo, el nuevo edificio del HEART nada tiene de provocador. Más bien todo lo contrario. Sus paredes blancas y ondulantes, sus techos cóncavos y sus espejos de agua transmiten una sensación de paz y calidez.
Aventanamientos calados aquí y allá dejan entrar, no sólo la luz natural, sino también el paisaje. El ambiente bucólico parece estar muy lejos de la ironía conceptual de Manzoni, cuya famosa “Base del Mundo” (un pedestal de hierro y bronce, con esa leyenda grabada, puesto patas arriba) se encuentra en los jardines del HEART. La relación con la obra del artista se ve más bien en el revestimiento de los pisos, de hormigón blanco, con texturas que recuerdan a su serie Acromos, piezas desprovistas de color hechas en fibra de vidrio, algodón o piel de conejo.
The landscape of grass mounds and reflecting pools aligns with a geometry of curved roof sections of the new building that houses permanent and temporary exhibition galleries, a 150-seat auditorium, music rehearsal rooms, a restaurant, a media library, and administrative offices all on one level. The new surrounding landscape conceals all the parking and service areas.
Steven Holl Architects – HEART Herning Museum of Contemporary Art in Herning, Denmark revisited
Although we had featured the Herning Museum of Contemporary Art, designed by Steven Holl Architects back in July of 2009, in the light of yesterday’s news of the project receiving a 2010 RIBA International Award, we wanted to show some new material about the project that we have just received. The museum unites three distinct cultural institutions: the Herning Center of the Arts, the MidWest Ensemble and the Socle du Monde.
¿Qué se puede hacer con 450.000 piezas de Lego y muchas horas de paciencia? Entre otros millones de cosas, una réplica del edificio más alto del mundo, el saudí Burj Khalifa. Miles y miles de piezas del juego han servido como «ladrillos»
El arquitecto estadounidense Adam Reed Tucker ha creado con este juego 15 réplicas a escala de emblemáticos edificios de todo el mundo, como el Empire State (12.250 piezas para dar forma a sus -381- metros de altura – hasta la azotea – y 102 pisos), que se exhiben ahora en una exposición hasta septiembre de 2011 en el National Building Museum de Washington.
El arquitecto Adam Reed Tucker en acción - Brickstructures
Hace tiempo que las piezas de lego se conviertieron en material artístico y ha incluso versiones de escenas de películas como ‘Star Wars‘ adaptadas al universo del juego. En esta ocasión, según declaró a Efe la portavoz del museo Tara Miller, «la familiaridad de los ladrillos de LEGO nos permite aproximar la arquitectura al público y mostrar los planes urbanísticos de una manera más cercana».
Tucker, de 38 años, se sintió inspirado por la línea que marcan los edificios de su Chicago natal y decidió combinar la pasión por su juguete favorito con su carrera de arquitecto.
Homenaje a las Torres Gemelas
Una de las primeras piezas que se ve al entrar a la exposición es una de Torres Gemelas del World Trade Center, que fueron destruidas en los atentados del 11 de septiembre de 2001, a la que dedicó 12 horas de diseño, 60 de construcción y 14.250 piezas de LEGO.
A modo de homenaje, ha situado su obra delante de una foto de gran tamaño de las torres gemelas, diseñadas por el arquitecto Minoru Yamasaki a principios de los sesenta, que construidas en el corazón del distrito financiero de Nueva York y con 110 pisos cada una, se convirtieron en las más altas del mundo hasta entonces.
La actuación está de momento sólo en estudio, dentro de los trabajos de la Autoridad Portuaria de Santander, el Ayuntamiento y el Gobierno regional para la ordenación del frente marítimo de la ciudad. La decisión final se adoptará entre todas las instituciones implicadas a finales de este año o principios del próximo, cuando se tenga ya un proyecto más definido. Por lo pronto, ya se ha pedido la colaboración del arquitecto Renzo Piano, uno de los mejores arquitectos del mundo, que no tiene obra en España, para diseñar el proyecto, que tendría como horizonte temporal para su inauguración el año 2015 y supondría una inversión de 50 millones de euros, sufragados por la Fundación.
Espacio de futuro. El muelle santanderino de Albareda se convertirá en un gran centro cultural y en un lugar de encuentro ciudadano. :: DM
Según han explicado a Europa Press fuentes de las instituciones implicadas en la iniciativa, se trata de un proyecto «innovador» que busca «integrar la ciudad en la Bahía y la Bahía en la ciudad». Al mismo tiempo, este ‘Centro Botín de Arte y Cultura‘ permitiría dar mayor proyección al programa de artes plásticas de la Fundación, situar a Santander en primera línea del circuito europeo del arte y completar un «eje cultural» en la Cornisa Cantábrica que puede convertirse en «uno de los principales ejes culturales de Europa».
La intervención urbana en el actual parking del ferry, impulsada por la Fundación Botín, será abordada por el arquitecto Renzo Piano
El nuevo centro de referencia internacional responde a un proyecto encabezado y financiado por la Fundación Marcelino Botín.
Integrado en la iniciativa de recuperación urbana y de transformación del espacio de la zona portuaria para uso público, el centro que será una realidad en 2015, potenciará y proyectará además en el mundo el programa de arte y cultura de la institución santanderina. El prestigioso arquitecto Renzo Piano, autor entre otras muchas actuaciones de la regeneración urbanística de Berlín, trabaja ya en el diseño de este espacio.
La iniciativa urbana, que recuperará el muelle Albareda – un área de intervención que supera los diez mil metros cuadrados – integrado en ese nuevo espacio de uso y disfrute ciudadano, representará estrechar el vínculo definitivo entre la ciudad y la bahía como lugar de encuentro. El denominado ‘Centro Botín de Arte y Cultura‘ servirá asimismo de plataforma internacional y foco de proyección del programa que define la acción de la Fundación santanderina en los últimos 25 años: Una actividad canalizada al adentrarse en el siglo XXI a través de tres grandes ámbitos de actuación: la investigación en terrenos específicos, científicos y sociales; la formación; y el arte y la cultura, en especial el campo expositivo en el que la Fundación ha logrado un prestigio internacional con sus producciones y proyectos.
Arquitectonico 
Debe estar conectado para enviar un comentario.