Pantalla de Instalación del LEGO Digital Design 4 - ldd.lego.com/download
Un juego educativo de construcción tridimensional útil para trabajar lavisión espacial.
LEGO Digital Designer ‘es un programa desarrollado por LEGO para crear con pequeños bloques de plástico lo que desees. Aunque parezca un entretenimiento para niños, esta aplicación necesita de cierta habilidad para armar un vehículo o una casa hecha de estos versátiles prismas.
LEGO Digital Designer ofrece una interfaz de trabajo muy fácil de comprender, con un entorno en tres dimensiones que puede rotarse a voluntad. Bastan unos minutos para familiarizarse con los elementos de construcción para dejar que la imaginación dé inicio a obras de arte coloridas y brillantes.
LEGO Digital Designer posee algunos accesorios para complementar las creaciones como por ejemplo ruedas, parabrisas, antenas, ventanas, puertas y figuras humanas. Un contador incluido te dirá cuantas piezas y de qué tipo has utilizado, y si lo deseas puedes encargar a la fábrica un paquete de bloques para armarlo en tu hogar’.
Disponible para Windows y Mac OSX – Tamaño del archivo de descarga: 120 Mb Minimum System Requirements for PC
Operating system: Windows XP, Windows Vista or Windows 7.
CPU: 1 GHz processor or higher
Graphics card: 128 MB graphics card (OpenGL 1.1 or higher compatible)
RAM: 512 MB
Hard disk space: 1 GB
Minimum System Requirements for Mac
Operating system: OS X 10.5.8 or higher
CPU: Intel processor
Graphics card: NVIDIA GeForce 5200/ATI Radeon 7500 or better
RAM: 1 GB
Hard disk space: 1 GB
Pantalla inicial del Lego Digital Designer 4 - Microsoft Windows (también disponible para MAC OS X)
Recreación de 'Wuhan Greenland Tower'. | China Daily - ElMundo.es
CHINA | ‘Wuhan Greenland Tower‘
Medirá 606 metros y estará en la ciudad de Wuhan, a orillas del río Yangtsé
Estará acabado en 2015 y conllevará una inversión de 3.400 millones de euros
Efe | Pekín (China)
Un nuevo gigante urbanístico comienza a levantarse en el coloso asiático. La construcción del tercer rascacielos más alto del mundo, que medirá 606 metros, se ha iniciado en la ciudad china de Wuhan, a orillas del río Yangtsé, según informa la agencia de noticias Xinhua.
La llamada ‘Wuhan Greenland Tower‘, que se terminará de construir hacia 2015, es un proyecto a cargo del Shanghai Greenland Group y detrás del que hay una inversión de 4.500 millones de dólares -unos 3.400 millones de euros-.
La ‘Wuham Greenland Tower’ acogerá hoteles de lujo, apartamentos y un centro de conferencias.
El segundo edificio más alto del globo para cuando el rascacielos de Wuhan esté será la Shanghai Tower, de 632 metros de altura, cuya construcción también ha comenzado y se espera finalice en 2014.
Un edificio polémico, no siempre valorado. Clarín.com, Suplemento ARQ
En 2015, el museo Whitney tendrá una nueva sede, diseñada por Renzo Piano. La actual, proyectada por Marcel Breuer, despertó en los años de su inauguración comentarios adversos. ¿Qué será del icónico edificio?
El Museo Withney ha conseguido un nuevo y estupendo edificio, diseñado por Renzo Piano, que está siendo construido en el Meatpacking District de Manhattan y será inaugurado en 2015. Pero ¿qué pasará con su estructura de la calle 75 y Madison, donde en 1966 Jacqueline Kennedy asistió a la ceremonia del corte de cinta? Antipático y amenazante, el edificio podría ser considerado la obra arquitectónica más agresiva de Nueva York.
La artista, heredera y coleccionista Gertrude Vanderbilt Whitney instaló el Whitney Museum of American Art en 1931, en los fondos de su estudio, en la calle 8. En los años cincuenta, el Whitney se trasladó a una pequeña estructura ubicada detrás del MoMA y en 1961 el museo empezó a buscar un sitio adecuado para un edificio más grande y encontró la esquina de Madison y 75, propiedad del urbanista y coleccionista de arte Ian Woodner, quien accedió a vender. La Junta Directiva del Withney, entonces, contrató al arquitecto húngaro Marcel Breuer, formado en la Bauhaus, para que diseñara el edificio. Una reproducción del museo de 1963 lo muestra tal como está actualmente, proyectándose por sobre Madison Avenue como una fortaleza medieval, con sus ventanas de extraña forma, que recuerdan las almenas de la Línea Maginot.
El museo, ubicado junto a la ciudad palatina, se inauguró en octubre de 2009
El premio, creado en 1977, se otorga a proyectos ligados al mundo musulmán
Era el único proyecto de Europa entre los 19 que quedaron finalistas
El premio lo recogerá esta tarde en Qatar el consejero andaluz de Cultura
Toñi Caravaca | Sevilla
El Museo de Medina Azahara en Córdoba, obra de los arquitectos Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano -que ganaron el concurso de ideas convocado por la Junta-, ha sido reconocido hoy el Premio Aga Khan de Arquitectura 2010, según informa la Consejería andaluza de Cultura. El museo era uno de los 19 finalistas al premio en la presente edición y el único proyecto europeo que optaba al galardón.
El Museo de Medina Azahara fue inaugurado en octubre de 2009 para la conservación, investigación y difusión de los restos de la antigua ciudad palatina mandada construir por Abderramán III en el siglo X. La inauguración la presidió la Reina Doña Sofía el 9 de octubre de 2009.
Este prestigioso galardón internacional, creado por el Aga Khan en 1977, se otorga a destacados proyectos arquitectónicos, urbanísticos o paisajísticos vinculados al mundo musulmán, recuerda un comunicado de la Consejería.
El galardón internacional de arquitectura se otorga a proyectos vinculados al mundo musulmán
SANTIAGO BELAUSTEGUIGOITIA– Sevilla
El Museo de Medina Azahara, en Córdoba, ha sido reconocido hoy con el Premio Aga Khan de Arquitectura de 2010. El galardón ha llegado cuando se cumplen 25 años de la creación del conjunto arqueológico. El Museo de Medina Azahara es obra de los arquitectos Fuensanta Nieto y Enrique Soberano. Fue inaugurado en octubre de 2009. El museo tiene la función de conservar y difundir los restos de la antigua ciudad palatina cuya construcción fue ordenada por Abderramán III en el siglo X.
El día 24 de Noviembre se ha hecho público en el Museo de Artes Islámicas de Doha (Qatar), el premio concedido al Museo de Madinat al-Zahra. El Jurado ha destacado que «El Museo de Madinat al-Zahra es un símbolo de la convivencia que evoca el nombre de Andalucía y da fe de que, verdaderamente, Córdoba es futuro, no sólo pasado».
El Premio Aga Khan de Arquitectura fue creado en 1977 por Su Alteza el Aga Khan, con objeto de mejorar la comprensión y el aprecio de la cultura islámica, a través de sus expresiones arquitectónicas. El galardón reconoce ejemplos de excelencia arquitectónica, atendiendo a aspectos tan diversos como el diseño contemporáneo, la vivienda social, la mejora de la comunidad y el desarrollo, la restauración, la reutilización y conservación de áreas históricas, así como la jardinería y el medio ambiente.
El Museo de Madinat al-Zahra (Medina Azahara), en Córdoba – El Tiralineas
El Museo de Madinat al-Zahra (Medina Azahara), en Córdoba, de los arquitectos Fuensanta Nieto y Enrique Soberano, ha ganado el Premio Aga Khan de Arquitectura, un galardón que reconoce proyectos arquitectónicos, urbanísticos o paisajísticos vinculados al mundo musulmán. Inaugurado en octubre de 2009, el museo se ocupa de la conservación, investigación y difusión de los restos de la antigua ciudad mandada construir por Abderramán III en el siglo X.
El edificio es una construcción semienterrada, con lo que se evita el impacto visual sobre el conjunto arqueológico y su entorno protegido, de 7.300 metros cuadrados de superficie, muros de hormigón blanco visto, encofrado de tabla de madera, cubiertas de acero cortén y patios de piedra caliza.
Nota de prensa enviada por Nuria Maciá (Imaginarte – Comunicación Creativa), transcribo información y fotografías tal cual las recibí. Como de costumbre, enriquezco la nota con enlaces y referencias de interés para los lectores de mi Blog.
Eboli chairs by Cadpdell have been set up in the dining room of Karim Rashid’s restaurant (Las Vegas)
«… Capdell & Karim Rashid The Eboli model by the design seat firm Capdell decorates the Silk Road restaurant of Karim Rashid, located in the newly – opened Hotel & Spa Vdara in Las Vegas.
Eboli chairs by Cadpdell at Silk Road Restaurant (Las Vegas)
A total of 178 Eboli chairs by Cadpdell have been set up in the dining room of Karim Rashid’s restaurant, located in this brand new “City Center” in Las Vegas. There are other 18 additional chairs installed in another exclusive dining room.
The elegance Eboli gives off maintains the characteristic profiles from the eighteenth century, avoiding the typical ornamentation of the time and highlighting the beauty of shapes (straight lines and curves), offering a comfortable and luxurious seat-up to the restaurant hosts and diners. The upholstered version with armrests of this design by Capdell wraps up whoever sits down to taste the culinary works of the renowned chef Martin Heirling.
Silk Road has an eclectic touch conferred by the colouring of the space and the combination of contemporary and elegant sittings distributed in private rooms. The sculpturing division of the dining room bestows it with a faint, lively and energetic lighting in the daylight, intimate and sensual at night.
Further information on Eboli or on Silk Road: www.capdell.com www.vdara.com http://www.vdara.com/amenities/silk-road-restaurant.aspx
Junto al Southbank Centre, uno de los espacios culturales más importantes de Londres, cayó una moneda de 3 metros de diámetro de la palma de un gigante, y quedó deformada por el impacto con el suelo. Así es como el autor de esta curiosa instalación, Paul Cocksedge, explica la presencia de Drop, una mole de metal magnetizada a la cual la gente adhiere monedas reales hasta cubrir toda su superficie. A su lado, un hombre que dice ser su cuidador –aunque nadie le cree– se dedica a levantar las monedas que se desprenden y a colocarlas nuevamente en su lugar cuando perfectamente podría llevárselas. Al mismo tiempo, en varios puntos de la ciudad ocurren hechos artísticos abiertos al público : la creatividad está en el aire.
Todo esto sucede mientras en el centro de eventosEarls Court se lleva a cabo la tradicional feria100% Design London , dedicada al diseño industrial y el mobiliario. Allí, más que escenas bizarras o desaforadas, se advierten algunas tendencias bien racionales, como la síntesis y delgadez , hasta llegar casi a la desmaterialización. Lámparas, percheros, mesas, sillas y sillones tienden a definirse sólo en su perímetro: líneas desnudas que recortan el espacio y delinean las siluetas de los productos.
Tal vez, un caso extremo de ese espíritu de síntesis lo ilustró la luminaria Wired, del estudio británico Something From Us, cuya base insinúa la intersección a 90° de dos “placas” virtuales, de las que sólo se definen sus perímetros, dibujados en el vacío con barras delgadas de metal. La misma búsqueda pudo apreciarse en los productos del colectivo de diseño Mark, entre los cuales se destacó el perchero Six, de Dylan Freeth, materializado con tubos de hierro pintado al horno, cuya estructura resuelve tanto el soporte como el sostén de la ropa. Ambos productos comparten la concepción morfológica de simetría radial : geometría pura esbozada con trazos etéreos pero firmes.
También la familia de asientos Net, del diseñador Sam Johnson, ofreció bancos, sillas y taburetes de hierro galvanizado con estructuras lineales de sostén. A éstas les agregó unas superficies de apoyo inspiradas en la trama de las redes de pesca , que a su vez generan formas orgánicas de doble curvatura. En tanto, el perchero Standard, del diseñador británico John Green, propone una sumatoria constructiva de elementos tubulares igualmente despojados, en la que se alternan listones de madera con caños de metal unidos por encastre.
100% Design opened its doors during the London Design Festival Read more: The Best Green Designs From 100% Design London! | Inhabitat - Green Design Will Save the World
Otra de las tendencias visibles en la feria fue la mímesis con la naturaleza : la lámpara Ribbon Pendant (de Tom Raffield) remeda a un nido colgante y está realizada con flejes de chapas de madera curvados al vapor. También la mesa Wave Table, (colectivo Kay + Stemmer) que, aún con las restricciones de una forma recta y adusta recrea la veta de la madera con caladuras irregulares.
La figura del árbol también estuvo presente. El inclasificable Hobi tree, del estudio coreano i-Clue Design, es un pequeño arbolito pelado, podría decirse un bonsái de ABS inyectado, que puede servir como centro de mesa, alhajero o escurridor de mamaderas. O la mesa Fuse Table, (Vitamine), con un “tronco” de madera del que se desprenden “ramas” metálicas que soportan la superficie.
El estudio británicoScabetti, de Dominic y Frances Bromley, recurre a la imagen del cardumen tanto en luminarias esculturales como en diversos accesorios. Estos productos utilizan el j uego de llenos y vacíos para generar contrastes sugerentes de luces y sombras. Otra línea de luminarias, A Moment, del estudio coreano Blue Door, pero en este caso al ras del suelo, consiste en una familia de “piedras” traslúcidas de formas sensuales en las que el interruptor tiene la forma de un pájaro posado sobre la superficie lisa. “Recrear en el hogar un momento de la vida natural ”, fue la idea de Park Woo Sung, su autor.
100% Design London is about the best of contemporary interior design. 100% Design London features world-class interiors show 100% Design, architectural and interior materials exhibition100% Materials and emerging talent showcase 100% Futures.
Al igual que las catedrales medievales, en cuya construcción se tardaba siglos, la Sagrada Familia acumula ya 128 años desde que el arquitecto diocesanoFrancisco de Paula del Villar comenzó el proyecto de una iglesia neogótica el 19 de marzo de 1882, un proyecto al que se incorporó un joven Gaudí a finales de 1883.
Cuando dentro de 500 años, un sucesor de Ken Follet novele una nueva «Los pilares de la tierra» a partir de la Sagrada Familia, explicará que desde que Gaudí murió en 1926, continuaron su labor otros seis arquitectos siempre sus directrices, los planos y, sobre todo, las maquetas de yeso a escala 1:10 que se salvaron del incendio que destruyó su taller durante la Guerra Civil.
Cuando muere Gaudí en 1926, el arquitecto sólo había visto construido el primer campanario de la fachada del Nacimiento, dedicado a San Bernabé, de 100 metros de altura.
El propio Bonet recuerda en declaraciones a Efe que en la última visita al templo del secretario de Estado Vaticano, Tarcisio Bertone, para preparar la visita del Papa, sus palabras no pudieron ser más elocuentes: «Gaudí es el Dante de la arquitectura«.
Desde sus inicios, el templo siempre ha sido expiatorio, pues su construcción se ha financiado con donativos, a los que se han sumado en los últimos años el dinero que dejan en taquilla los más de 2 millones de turistas anuales que visitan la Sagrada Familia.
Gaudí inició el proyecto por la cripta, el espacio en el que hoy se encuentra su tumba, pero cuando comenzó las obras del ábside y del claustro, un importante donativo anónimo empujó al arquitecto a desestimar el proyecto neogótico inicial y a acometer una obra de más envergadura: una iglesia de grandes dimensiones, con planta de cruz latina, que, en lugar de una, tendría 18 torres de gran altura.
En su visita al templo, el Papa encontrará, explica Bonet, la totalidad del espacio que ocupa la iglesia «totalmente cubierto y cerrado», que incluye, además de la nave central y las laterales, el transepto, las capillas del ábside y el deambulatorio o girola.
Tras el acto del día 7, añade Bonet, «el día siguiente continuaremos las obras por encima de la cubierta para levantar el cimborrio más alto, dedicado a Jesucristo, que se alzará hasta los 170 metros».
Para más adelante quedarán los cimborrios dedicados a la Virgen María y a los cuatro evangelistas (Juan, Lucas, Marcos y Mateo) y las cuatro torres de la fachada de la Gloria, dedicados a los apóstoles Pedro, Pablo, Andrés y Jaime; así como el claustro perimetral, otra de las peculiaridades de la basílica barcelonesa.
En enero está previsto que comiencen las obras de una de las dos sacristías, la que se encuentra junto a la fachada de la Pasión.
¿Cómo concibió Antoni Gaudí el templo? ¿Qué se le pasó por la cabeza? El arquitecto fue fiel al cristianismo en su diseño y decoración. Mil detalles atestiguan el valor simbólico de todo el edificio.
Entradas anteriores en ArquitecturaS que tratan sobre La Sagrada Familia y Gaudí:
El Papa abrirá mañana al culto la Sagrada Familia, que podría terminarse en 2026 gracias a los avances tecnológicos y a los millones de turistas que financian las obras
El artista (1852-1926) fue ridiculizado al principio de su carrera y olvidado tras su muerte. Murió atropellado, en loor de santidad.
Reus y el pequeño pueblo tarraconense de Riudoms siguen disputándose, todavía hoy, el honor de haber sido locus natalis de Antonio Gaudí en el verano de 1852. De familia de artesanos, enfermizo durante la infancia, Gaudí pasaría mucho tiempo en soledad y en contacto con el campo. De ahí, se aduce, vendría un arte arquitectónico personalísimo en un espíritu ornamental basado en motivos de la naturaleza, y moderno precisamente por medievalista y primigenio. Es el mayor ejemplo mundial de modernismo orgánico.
Para llegar a la arquitectura “exuberante”, según el ensayista Valentí Puig, “de sentido litúrgico”, Gaudí ganó fama entre el público burgués de Barcelona con proyectos que han ganado tanta fama como la Casa Milà, popularmente conocida como La Pedrera, la Casa Batlló o el Parque Güell, obras todas barcelonesas, donde Gaudí desarrolla su peculiar lenguaje arquitectónico, innovador tanto en elementos estructurales como en simbología.
Actualización: 10 de noviembre de 2010
El interior de la Sagrada Familia, tras la consagración. | Efe - ElMundo.es
Tras la visita del Papa a Barcelona, el lunes fue el día del aplauso unánime al genio de Gaudí y a la organización del macroevento, pero también del balance económico de comercios y restaurantes y de la vuelta a la normalidad para los vecinos de la basílica. El efecto de las imágenes televisadas del templo no se hizo esperar: el martes, la cola de visitantes daba la vuelta a la manzana.
Benedicto XVI fue el encargado de descubrir al mundo el bosque de columnas de la nave central de la Sagrada Família, una obra faraónica que, aunque sigue en obras, ha recibido el elogio de la prensa mundial. Los cálculos apuntan a que 1,2 millones de personas siguieron en algún momento la ceremonia.
Una marca de gran prestigio en relojería, Tudor, nos asombra con su nueva línea 2010 bajo el lema «Designed for performance, Engineered for elegance» (que podría traducir como «Diseñado para el funcionamiento, Ingeniería para la Elegancia» ya que combina lo mejor de la tecnología con la belleza)
Inspirados en el pasado, con claras referencias al movimiento futurista y la tradición del diseño automovilístico (particularmente el icónico Porsche, rey de las carreteras y las pistas) en el presente los nuevos modelos TUDOR narran historias de elegancia y rendimiento, de sofisticación de diseño y altas prestaciones.
La nueva línea TUDOR 2010 es fruto de la tensión dinámica que surge cuando la tecnología relojera se traduce en un estilo único de sofisticación accesible, de elegancia e innovación que podemos llevar en nuestras muñecas. Curvas del reloj que nos remiten a la aerodinámica de los bólidos a motor. En un lenguaje que habla de una generación que disfruta de la belleza y del placer del diseño sin renunciar a la tecnología, al referente de la velocidad y la eficiencia que Porsche demuestra en cada circuito.
De la unión entre lo vintage (diseño retro) y la velocidad con aire futurista, surge, el nuevo TUDOR Heritage Chrono, de la colección TUDOR Sport, inspirado en el Cronógrafo TUDOR Oysterdate de principios de los años setenta. Además esta gama marcadamente deportiva ha ido acompañada, de una colección con aires retro, de depurado diseño estilo vintage inspirado en referentes de los años 60, cuyo nombre, Glamour, no es nada casual.
Los nuevos relojes presentados por TUDOR en Baselworld 2010 (Show Internacional de la Relojería y la Joyería) profundizan y amplían el estilo iniciado en 2009, insistiendo en ese concepto de elegancia combinada con las máximas prestaciones.
Maqueta. El prisma se insertó en el paisaje de Shenzhen con mínimo impacto sobre el suelo. Clarin, Arquitectura
Si fuera vertical, sería tan alto como el Empire State. La comparación con ese ícono global alcanza para darse una idea de la escala del Vanke Center, una de las más recientes obras de Steven Holl en China, que también ha sido bautizada como “Horizontal Skycraper”.
Más allá de sus más de 400 metros de longitud, el Vanke puede considerarse un rascacielos acostado debido a la diversidad de su programa: las oficinas centrales de la compañía inmobiliaria del mismo nombre, hotel, condominio de viviendas, auditorio, centro de conferencias, restaurantes…
Pero es mucho más que un rascacielos debido a su relación con el entorno: el área parquizada equivale al 40 % de la superficie construida y es, casi en su totalidad, de uso público. Como el edificio prácticamente deja la planta libre a nivel del suelo, todo ese espacio puede destinarse a la interacción social.
El estudio de Holl, asociado con el local Li Hu, pone en palabras esta concepción cuando asegura que el objetivo de su trabajo es “explorar la creación de un espacio urbano colectivo en oposición a los edificios-objeto”.
Eso es lo se ve en las cuatro obras que la dupla viene desarrollando en China desde 2003: además del Vanke Center, Holl y Hu diseñaron juntos el Linked Hybrid en Beijing, un complejo compuesto por ocho torres de departamentos, unidas, en el vigésimo piso, por unos brazos que albergan servicios y lo hacen aparecer como una mini-ciudad. También están construyendo en Nanjing el Museo de Arte y Arquitectura y otro complejo de usos mixtos, el Sliced Porosity Block, en Chengdu.
En lugar de edificios monofuncionales, todos son construcciones híbridas con yuxtaposiciones programáticas, que fusionan paisaje, urbanismo y arquitectura. Y comparten estrategias sustentables, como el calentamiento y enfriamiento geotérmico, los paneles solares fotovoltaicos y el reciclaje de las aguas grises.
Desniveles. A nivel del suelo se plantearon recorridos y espacios públicos. Clarín, Arquitectura
Como un dragón
El Vanke Center está emplazado en Shenzhen, una ciudad cercana al océano y con clima subtropical. En lugar de crear estructuras pequeñas para los distintos requerimientos del programa, Holl/Hu se inclinaron por una gran estructura a la que decidieron hacer flotar sobre ocho enormes columnas, de manera que diera la impresión de que alguna vez estuvo parada, con sus ocho patas, sobre un mar que luego se retiró. Como en el Linked Hybrid, la utilización del número ocho responde al significado de la cifra para los orientales, que lo relacionan con la buena fortuna. Pero más allá de la simbología, el complejo es al mismo tiempo un edificio y un paisaje, que combina ingeniería sofisticada y medio ambiente natural.
La estructura, similar a la de un puente atirantado, está suspendida sobre ocho soportes separados entre sí por unos 50 metros y consiste en un fuerte marco de hormigón con tensores capaces de soportar una carga de más de 3 mil toneladas.
El desarrollo se materializó sobre un terreno de unos 60 mil metros cuadrados que forma parte del sistema municipal de administración del agua de lluvia, dado que está muy cerca de una laguna. Holl, también a cargo del diseño paisajístico, la integró al proyecto y agregó ensenadas y espejos de agua, de modo de crear una suerte de microclima para el edificio y su entorno.
Sábado 16-10-2010, récord de visitas diarias en el Blog ArquitecturaS: 3.503 en un sólo día - blog.darioalvarez.net
Gracias a la celebración el pasado fin de semana del 48H Open House Barcelona – y la oportuna publicación de esta innovadora iniciativa en mi Blog) se superó la cantidad de visitas diarias y semanales jamás registrada en los más de 4 años que lleva en línea. Hasta donde recuerdo, sábado y domingo fueron los primeros días en que una entrada individual recibió más visitas que la página principal de ArquitecturaS. Usualmente los sábados son los días en que mi Blog recibe el menor número de visitas: la excepción a la regla se produjo el día 16-10-2010 con la cifra récord de 3.503 visitas en una misma jornada.
Semana 41-2010: 16.413 visitas registradas en ArquitecturaS - Arquitecturas.WordPress.com
Este inusual flujo de visitas resultó también en la mayor semana de visitas a mi Blog, ya que se alcanzó una cifra récord de 16.419.
Detalle del sábado 16-10-2010: 10 entradas más visitas y 10 enlaces más usados - blog.darioalvarez.net
Volviendo al tema del efecto de la entrada (post) correspondiente al 48H Open House (Nota a los Organizadores del Evento: invítenme a la próxima edición para que la cubra en vivo y en directo, generando contenidos que resulten conveniente tanto a Ustedes como a mi) recibió algo más del doble de visitas que la propia página inicial de este Blog, como pueden ver en el sumario a la izquierda de este texto. El sitio oficial del evento recibió más de 100 visitas a partir de esta entrada, los blogs que lo reseñaron cerca de 50 y los medios de comunicación que lo hicieron casi 40 «clicks» – toda una red de vínculos «ganar – ganar».
Detallado lo anterior (muy cuantitativo todo, apenas con algunas descripciones cualitativas) las metas a cumplir por este Blog quedarían registradas así:
Mantener un promedio superior a 2.000 visitas diarias;
Sostener semanalmente un promedio superior a 15.000 visitas;
Lograr que octubre de 2010 supere las 60.000 visitas; y,
Cerrar 2010 con un total de visitas superior al medio millón (faltando más de 75 días para finalizar el año ya registramos un total de visitas superior a todo el acumulado del año pasado, 2009)
Para cerrar esta entrada – análisis cuantitativo del día con mayor cantidad de visitas a mi Blog en sus más de cuatro años en línea, la Tabla – Sumario que muestra la evolución por Meses y Años, Promedios por Día y Semanas (más) recientes.
Gracias a todos por hacer de ArquitecturaS, el Blog de Darío Álvarez, un sitio de referencia para los temas Arquitectura, Urbanismo, Construcción, Proyectoy Diseño.
Tabla - Sumario mostrando evolución por Meses y Años, Promedios por Día y Semanas (más) recientes - ArquitecturaS, el Blog de Darío Álvarez
Nota final: colabora con la actualización tecnológica de este Blog – me resultan indispensables una nueva Notebook y una Cámara tipo bridge para producir fotografías – panorámicas propias de calidad aceptable, ayudame desde este enlace http://widget.chipin.com/widget/id/525f34ffaaab66e6
El concepto de VitraHaus aúna dos temas recurrentes en la obra de Herzog y de Meuron - Foto: Vitra Campus
Detalles de la última obra de Herzog & De Meuron en Alemania, un edificio que inaugura un nuevo camino expresivo para los suizos, basado en la espacialidad y la relectura tipológica.
En la VitraHaus, inaugurada este año en el campus industrial que tiene Vitra en Alemania, Herzog y de Meuron abrieron la puerta a una nueva veta creativa poco explorada: la suma de expresionismo espacial y resemantización tipológica.
En Weil am Rhein, los suizos amontonaron 12 prismas de extrusión, que remiten a la arquetípica forma de una casa, y crearon un conjunto de aspecto inestable que, a simple vista, resulta caótico, pero no lo es. El nuevo edifico aloja la Home Collection de Vitra, una familia de productos que incluye clásicos del diseño, reediciones y muebles de diseñadores contemporáneos.
El cambio de registro creativo es notable para un estudio que desde que comenzó a ser conocido fue aplaudido por las innovadoras pieles de sus edificios. Ya famosos, siguieron repitiendo su búsqueda epidérmica en las envolventes metálicas de Caixa Forum de Madrid y Young Museum de San Francisco, en el olvidable envase del Forum de Barcelona, e incluso, en el hormigón calado del Espacio de las Artes de Tenerife. Pero, en más de una oportunidad, los suizos mostraron que también tenían otros intereses, como puede verse en el edificio 56 Leonard Street de Nueva York. Este también es el caso del nuevo museo de Vitra. Allí, las salas de exposición evocan una “escala doméstica” que se adecúa a los muebles que componen la colección. Es por eso que los arquitectos concibieron a cada uno de los prismas como “casas”, elementos abstractos que juntos forman un único espacio de exhibición, pero conservan el sesgo hogareño. Con pocas excepciones, estos prismas tienen frentes de cristal en sus extremos y dan la impresión de haber salido de una máquina de churros.
Las doce casas se superponen en cinco niveles con inquietantes voladizos de hasta 15 metros, Pero los suizos no se olvidaron de trabajar las envolventes; en la VitraHaus el color antracita exterior le da unidad al conjunto y lo vincula con el paisaje, mientras que el blanco gobierna los interiores para que se destaquen los muebles exhibidos.
En 1981, un incendio destruyó la mayor parte del edificio industrial que la empresa Vitra tenía en Weil am Rhein, Alemania. Desde entonces, en ese mismo terreno, la firma alemana se dispuso a construir un conjunto heterogéneo de obras con la firma de los más famosos arquitectos de la vanguardia contemporánea. Allí, Zaha Hadid pudo levantar su primer edificio. La actual nave insignia del campus, el Vitra Design Museum, es el primer edificio que construyó Frank Gehry fuera de los Estados Unidos. Allí, también por primera vez, Tadao Ando levantó su primer edificio fuera de Japón. Diseñadores como Nicholas Grimshaw, Alvaro Siza y SANAA dejaron su huella en diferentes naves industriales. Además, en el Vitra Campus se pueden ver obras de Richard Buckminster Fuller,Jean Prouvé y Jasper Morrison.
El concepto de VitraHaus aúna dos temas recurrentes en la obra de Herzog y de Meuron: la casa original y el solapamiento de espacios.
En 2004, Vitra lanzó la Home Collection, una colección que incluye clásicos del diseño, reediciones y productos de diseñadores contemporáneos. Aunque hasta el momento se había centrado principalmente en el equipamiento de oficinas para clientes profesionales, Vitra comenzó a dirigirse a un nuevo grupo de destinatarios: los clientes individuales interesados en el diseño.
Como no se contaba con un espacio en el Vitra Campus de Weil am Rhein para alojar la Home Collection, en 2006 Vitra encargó a los arquitectos Herzog y de Meuron diseñar VitraHaus. El edificio no sólo iba a ampliar el valioso conjunto arquitectónico de Vitra, si no que gracias a su situación destacada y a su espectacular diseño asumiría la función de representación del Vitra Campus. VitraHaus se encuentra en el norte de la finca, delante del área acotada de la planta de producción, y junto a otros dos edificios ya existentes: el Vitra Design Museum de Frank Gehry (1989) y el pabellón de conferencias de Tadao Ando (1993). El tamaño de la finca permitió alejar el edificio del Vitra Design Museum y de las puertas de entrada al Campus, de forma que los característicos campos frutales situados junto a los otros edificios encontraran una continuación coherente.
The VitraHaus, built by Herzog & de Meuron, is the home of the Vitra Home Collection. Foto: Vitra Magazine - Vitra Campus
VitraHaus Arquitectos: Jacques Herzog & Pierre de Meuron Ubicación: Weil-am-Rhein (Alemania) Llàtxer Moix | La Vanguardia
El campus de Vitra, en la localidad alemana de Weil-am-Rhein, es un parque temático de la arquitectura. El incendio que en 1981 devastó la mitad de los edificios de esta fábrica de muebles dio a su propietario, Rolf Fehlbaum, la idea de rehacerla con la ayuda de grandes arquitectos. Nicholas Grimshaw fue el primero en construir allí. Luego lo hicieron Frank Gehry (su primera obra en Europa), Zaha Hadid (su primera obra en cualquier lugar), Tadao Ando (su primera obra fuera de Japón), etcétera. Los últimos en agregarse a la lista han sido Herzog & De Meuron. La pasada primavera inauguraron su showroom VitraHaus, una especie de pueblo apilado; un amontonamiento de doce volúmenes alargados (de 40 metros de largo por 10 de ancho) de color gris oscuro, cuya sección reproduce la fachada de una casa con techo a dos aguas.
Cada día, 2 millones de toneladas de residuos y aguas residuales acaban en las aguas del mundo. (Imagen: WWF) 20minutos.es
La población mundial utilizó el equivalente a 1,5 planetas para abastecerse en el año 2007.
Los datos han sido presentados por World Wide Fund en su Informe Planeta Vivo 2010, una evaluación que realiza cada dos años.
La población española necesitaría a día de hoy 3,5 Españas.
Aprovechar más las energías renovables y reducir el consumo de carne y productos lácteos. Estas son las principales soluciones que la asociación ecologista World Wide Fund (WWF) ha presentado este martes su Informe Planeta Vivo 2010, una evaluación que realiza cada dos años sobre la situación de la biodiversidad global y el estado de la fauna y flora por todo el planeta.
Y los datos que ofrece en esta nueva edición no son buenos. Según WWF, la salud de los ecosistemas ha disminuido un 30%, con lo que la pérdida de riqueza natural se mantiene constante y al mismo ritmo de los últimos 40 años. Además, la huella ecológica, es decir, la demanda la humanidad sobre los s naturales, ha aumentado más del doble entre 1961 y 2007.
En base a estos datos, los ecologistas aseguran que se necesita un año y medio para regenerar todos los recursos que se utilizaron sólo en el año 2007. Sin embargo, la organización internacional cree que la crisis económica ofrece una oportunidad única para cambiar el modelo de desarrollo actual e iniciar el camino hacia un mundo más sostenible.
En ese sentido, WWF tiene dos retos prioritarios: disminuir al máximo la huella del CO2 y reducir entre la población global el consumo de carne y productos lácteos. Con una reducción del 9% en estos productos, se conseguiría que la huella ecológica fuera un 35% menor. La asociación ecologista advierte además que, de seguir con la actual gestión de los recursos, la humanidad necesitará 2 planetas en 2030 y casi 3 en 2050 para satisfacer sus demandas.
La población mundial vive más allá de los límites de la Tierra y utiliza el equivalente a 1,5 planetas para cubrir sus necesidades. Los españoles consumimos tres veces lo que tenemos.
ARACELI ACOSTA / MADRID
La capacidad de carga del planeta es un término que se acuñó a finales de los años 60 para definir el límite de un ecosistema natural para absorber impactos o soportar un determinado uso.
De ella se deriva un indicador de carácter global, la llamada «huella ecológica», esto es, el territorio necesario para producir los recursos que el hombre necesita y para asimilar los residuos que genera. Y las hectáreas necesarias para mantener a un solo español ascienden ya a 5,4.
Estos números no dejarían de ser precisamente eso si no fuera porque la «biocapacidad» (la capacidad de carga y regeneración) de nuestro territorio para abastecernos y para «absorber» nuestros residuos es sólo de 1,6 hectáreas por persona, según los resultados (referidos a 2007) del informe Planeta Vivo, elaborado por WWF, la Red de la Huella Global y la Sociedad Zoológica de Londres.
Por tanto, estamos superando el nivel considerado sostenible porque consumimos más de lo que tenemos. Tanto es así que la población española necesitaría a día de hoy 3,5 Españas para satisfacer la demanda de recursos y para absorber el CO2 emitido. O lo que es lo mismo: nuestro país consume y contamina tres veces por encima de su «capacidad biológica».
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