(Del lat. cultūra). 2. f. Conjunto de conocimientos que permite a alguien desarrollar su juicio crítico. 3. f. Conjunto de modos de vida y costumbres, conocimientos y grado de desarrollo artístico, científico, industrial, en una época, grupo social, etc. DRAE.
La idea es volver asequible una vivienda decente para millones de pobres.
Este es el modelo de vivienda, modular y resistente a sismos con intensidades de hasta 8 grados. Foto: Archivo Portafolio.co
Los arquitectos del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT) trabajan intensamente en el diseño de unos modelos de vivienda para los más pobres, cuyo costo no exceda los mil dólares.
“De la misma forma como unos ingenieros tomaron la iniciativa de fabricar computadores de 100 dólares para llevar mejor educación a los niños sin recursos económicos, nosotros trabajamos en hacer viable la construcción de vivienda decente para las familias más pobres”, sostuvo el director del Centro de Arquitectura de MIT, Tony Ciochetti.
La idea de hacer casas baratas y seguras, le surgió desde hace tres años, luego del terremoto que sacudió a la provincia de Sichuan (China), y de observar de primera mano las precarias condiciones de vivienda en las zonas rurales de India, donde la gente se alberga en chozas con piso de tierra.
El primer prototipo fue idea del alumno recién graduado, Ying Chi Chui, quién construyó un prototipo en el pueblo de Mianyang, en dicha zona.
Bajo el concepto de un sistema modular, la primera casa quedó lista para resistir sismos de hasta 8 grados de intensidad.
Inspired by MIT’s much-publicized One Laptop Per Child, the program sought an affordable housing solution for areas hit by natural disasters. And like OLPC, it revised its target price.
It has a modular layout, with rectangular room units surrounding a central courtyard space - via PSFK
Mi Opìnión: hace dos o tres días que leí esta interesante noticia, pero reservé su inclusión en mi Blog para hoy, precisamente, por ser el Día Internacional de la Arquitectura y el Hábitat. Ya en su momento el Maestro del Media Lab, Nicholas Negroponte, revolucionó el mundo digital con su «One Laptop per Child» de 100 dólares o menos; ahora con un dígito más a la derecha, es el turno de sus colegas de Universidad para dar oportunidades de techo digno a los más necesitados.
Esa moderna academia situada en el barrio de Brixton, al sur de la capital, se llevó la dotación de 20.000 libras (unos 23.000 euros) al ser elegida mejor edificio nuevo construido en Gran Bretaña u otros países de la Unión Europea, siempre que hayan sido diseñados por colegios de arquitectura con sede principal en este país.
Se trata de un instituto de secundaria diseñado por el mismo equipo de arquitectos que logró ese mismo galardón el pasado año por el nuevo museo de arte contemporáneo Maxxi de Roma.
La Evelyn Grace Academy es un edificio estilizado de cristal y acero con un diseño que, según apuntaron los jueces del RIBA, «hace que los niños corran al colegio cada mañana«. Es la primera escuela que gana este galardón aunque en el pasado otros siete edificios de colegios fueron finalistas.
Para Zaha Hadid Arquitects es la primera vez que se embarca en el diseño de un colegio y es también su primer proyecto a gran escala en el Reino Unido. Previamente, Hadid se encargó de diseñar un centro en Escocia, un museo en Glasgow y el Centro Acuático para los Juegos Olímpicos de Londres 2012.
Según señaló Angela Brady, la presidenta del panel de jueces, en la ceremonia celebrada la noche del sábado, la Evelyn Grace Academy «constituye un ejemplo excepcional de lo que se puede lograr cuando invertimos de forma cuidadosa en un nuevo edificio para un colegio bien diseñado».
Architect: Zaha Hadid Architects Client: ARK Schools Photographer: Luke Hayes - RIBA
This year is the first time the shortlist includes practices who have all previously been shortlisted for the RIBA Stirling Prize; and also includes two RIBA Stirling Prize winners: David Chipperfield Architects and Zaha Hadid Architects.
To reach the RIBA Stirling shortlist, the RIBA Awards Group study the recent RIBA Award winners and produce a list of the best buildings. This is based on reports from the juries that visited them in the earlier stage.
The Awards Group go on to visit all UK based buildings (as EU visits have already taken place). Listed below are all the buildings that were chosen for this stage and competed for the final six places:
Sandal Magna School, Sheffield – Sarah Wigglesworth Architects
Wise Building, Machnynlleth – David Lea & Pat Borer Architects
Apex and Arc, Bury St Edmunds – Hopkins Architects
Marshland Discovery, Rainham Marshes – Peter Beard_LANDROOM
Circle Bath Hospital – Foster and Partners
Kendrew Quad, Oxford – MJP Architects
Rothschild Foundation, Waddesden – Stephen Marshall Architects
Sevenoaks School – Tim Ronalds Architects
Ravensbourne College – Foreign Office Architects
Bear Lane – Panter Hudspith
Chelsea Academy – Feilden Clegg Bradley Studios
Raven Row – 6a Architects
One New Change – Atelier Jean Nouvel with Siddell Gibson
City of Westminster College – schmidt hammer lassen architects
Harbour Island Appts, Copenhagen – Lundgaard & Tranberg
SEB HQ, Copenhagen – Lundgaard & Tranberg
Faustino Winery, Spain – Foster and Partners
About the Stirling Prize Now in its sixteenth year, the RIBA Stirling Prize in association with The Architects’ Journal and Benchmark is awarded to architects of the best new European building ‘built or designed in Britain’.
The Evelyn Grace Academy, London by Zaha Hadid Architects has won the prestigious £20,000 RIBA Stirling Prize 2011.
This is the second year running that Zaha Hadid Architects have won the RIBA Stirling Prize; last year winning with MAXXI Museum of 21st Century Art in Rome.
Amazon.es llegó a España y ya está disponible desde mi Blog. Si quieres buen material de lectura cultural que verse sobre Arquitectura, haciendo «click» en los enlaces de este post puedes adquirirlos sin moverte de tu ordenador.
Como amante de los libros y lector ávido esta nota es la mejor manera que encuentro de compartir un preámbulo al «Día Mundial de la Arquitectura» que se celebra cada primer lunes de octubre, es decir, mañana – día 3; y que será punto de partida para toda una semana de festejos cuya programación he reseñado en entradas (posts) anteriores.
Uno de los ganadores del prestigioso Premio Pritzker de Arquitectura, calificado por muchos como artesano del oficio y por no pocos como un asceta del diseño y la construcción, nos ofrece a través de esta publicación de la prestigiosa casa Editorial Gustavo Giliuna cuidada recopilación de escritos diversos donde se aprecia su disciplina y rigurosidad al proyectar.
‘La construcción es el arte de configurar un todo con sentido a partir de muchas particularidades. Los edificios son testimonios de la capacidad humana de construir cosas concretas. El núcleo propio de toda tarea arquitectónica reside, para mí, en el acto de construir. Es aquí, cuando los materiales concretos se ensamblan y se levantan, donde la arquitectura pensada se convierte en parte del mundo real.’ Peter Zumthor
Quise cerrar esta reseña, abierta con un ganador del Pritzker, con otro galardón de dicho Premio: en este caso, la primera dama en obtenerlo.
Horas después se conoció el veredicto del Premio Stirling 2011 que fue otorgado a un Colegio diseñado por la Oficina de esta afamada arquitecta – mi elección no pudo resultar mejor.
Zaha Hadid tiene la virtud de no dejar a nadie indiferente: cuenta con legión de fanáticos a la vez que multitud de críticos.
PULLMAN, Wash. – The new Museum of Art/WSU exhibit «Art for Architecture” seems larger than life. And the patrons assembled for the opening reception Thursday, Sept. 29, could be described that way too.
Jim Olson FAIA
The retrospective of architect Jim Olson’s career drew artists, architects and art collectors from Seattle and New York City. The show is an example of how Chris Bruce, director of the museum at Washington State University, is using his connections in the art world to debut top-flight exhibits in Pullman.
The exhibit also shows how art connects with other aspects of higher education at WSU, said eminent Northwest architect Olson. He said his work brings together the disciplines of landscape architecture, interior design, architecture and art.
The art/architecture connection has been appreciated by his art collector clients, some of whom were at the reception.
Jeff Brotman, co-founder and chairman of the board of Costco, called Olson«a genius.”
Olson remodeled the Brotman’s 1950s Lake Washington home three times before it was torn down to make room for their new Olson – designed home. It boasts 22-foot ceilings and natural lighting to showcase the art they have collected for more than 30 years.
Olson made trips to Pullman to consult with Bruce during the nine months the exhibit was in the works. Owners of Olson-designed homes contributed some of their art for the show.
September 30-December 10, 2011 Reception: Thursday, September 29, 6 pm, Lecture: 7 pm in CUB Auditorium
The Museum of Art/WSU is proud to present a career overview of one of the Northwest’s most significant architects, Jim Olson.
Olson has long been inspired by the relationship of architecture, art and nature. A primary focus of his work is creating residences for major art collectors. The interplay between interior space for display and exterior view is a signature element in Olson’s design approach. A graduate of the University of Washington department of Architecture, Jim established his own firm in Seattle in 1966 and the office has since grown into a diverse practice with an international reputation, now known as Olson Kundig Architects. Jim was the recipient of the 2007 Seattle American Institute of Architects Medal of Honor, and the firm won the National AIA Firm of the Year Award in 2009. Along with Olson’s numerous built designs for major art collectors around the world, is the recently opened “Lightcatcher Building” for the Whatcom Museum in Bellingham, Washington.
El Braccio di CarloMagno del Vaticano acogerá a partir de este jueves la exposición ‘Gaudí y la Sagrada Familia de Barcelona. Arte, ciencia y espiritualidad’, una muestra que reflexiona sobre la relación del arquitecto catalán con el arte y la trascendencia.
A través de su recorrido, que ocupa una superficie de 800 metros cuadrados en el lateral de la plaza de San Pedro, el visitante podrá conocer la historia y la figura artística de Antoni Gaudí y se podrá informar sobre la Sagrada Familia, tanto en sus aspectos técnicos como sobre su mensaje religioso.
Entre los objetos que se exponen destacan maquetas de la época de Gaudí, planos, muebles, fotografías, audiovisuales y objetos litúrgicos diseñados por el propio arquitecto.
El Vaticano también acogerá algunas actividades paralelas que darán a conocer diversos aspectos de la cultura y la Iglesia catalana, como un concierto de la Escolanía de Montserrat y la conferencia ‘Arquitectura: símbolo y sagrado’, a cargo del presidente del Pontificio Consejo por la Cultura, Monseñor Gianfranco Ravasi.
La Fundación Sagrada Familia, la Fundación Joan Maragall y AC/E. Acción Cultural Española, están ultimando los detalles para dar a conocer al Vaticano la obra del gran creador Antoni Gaudí, que cuenta con un reconocido valor artístico y un innegable sello cristiano que se sintetiza en su gran obra: la Sagrada Familia.
A partir de la exposición Gaudí y la Sagrada Familia de Barcelona. Arte, ciencia y espiritualidad, prevista inicialmente para la pasada primavera, el Braccio de Carlo Magno de la Ciudad del Vaticano mostrará la relación entre el arte, la arquitectura y la trascendencia de la mano de Antoni Gaudí.
La exposición, que se podrá visitar –con entrada gratuita- del 24 de noviembre de 2011 al 15 de enero de 2012, está comisariada por Daniel Giralt-Miracle. Paralelamente, y como también estaba previsto inicialmente, se celebrarán en Roma una serie de actividades institucionales y académicas para dar a conocer diversos aspectos de la cultura y la iglesia catalanas – la del tiempo de Gaudí y la actual -.
La nota de prensa completa, con los detalles, se puede descargar clicando en el link
The Moscow Metro is a lesson in Russia’s history and architecture, where you can meet Lenin, Dostoyevsky and Pushkin on your travels.
As you travel on Moscow’s Metro, the history of the city’s past eight decades unfolds before your eyes.
The stations range in design, from palatial baroque marble and granite structures to modern iron and glass, revealing the tastes, ideas, hopes and disappointments of the times in which they were built.
First steps underground
The Moscow Metro dates back to 1931, when its construction began, although engineers Pyotr Balinsky and Evgeny Knorre submitted their first designs to the Moscow City Duma as far back as 1902.
The Duma, which was then made up of wealthy people, was not convinced at first: after all, they lived in the centre of the city and didn’t have to travel in the overcrowded trams. But after five failed proposals, the Duma finally approved the plans and building began.
On May 15, 1935, 18 years after the Bolshevik revolution, the Metro threw open its doors and carried its first passengers down its escalators and on to its new wagons with padded seats (unlike the uncomfortable wooden seats in trams).
Logotipo del Metro de Moscú (en ruso: Московский метрополитен)
The first Metro line – running from Sokolniki to Dvorets Sovetov (now Kropotkinskaya) – was 11km (seven miles) long and had 13 stations. The Metro now has a track of more than 300km with 12 lines and 182 stations, which vary in depth from five to 80 metres. The city plans to add another 120km of track by 2020.
The Lenin rebrand
For the first 20 years of its history, the Moscow Metro was named after Lazar Kaganovich, the “Iron Commissar” and Stalin’s right-hand man, who was in charge of construction of the first stage of the Metro (he blew up the Cathedral of Christ the Saviour in December 1931 as part of the Proletarian Capital project).
In 1955, the Metro was renamed after Vladimir Lenin. Although Russia has long since changed its political path, you can still find the images of Lenin at more than 10 stations, including busts of Lenin at Belorusskaya and Komsomolskaya stations, impressive mosaics at Baumanskaya and Kievskaya, and a tile panel in the passage between the Borovitskaya and Biblioteka Imeni Lenina.
Images of Stalin, which were omnipresent on the Metro in the late Forties, were gradually removed after his death in 1953 and the subsequent denunciation of his legacy.
Architectural eras
Visitas virtuales de las estaciones del Metro de Moscú - CasaRusia.com
The first Metro stations, up until the mid-Fifties, were conceived and built as luxurious “palaces for the people”, great architecture for a great state. Art historians say the richly decorated underground was a deliberate ideological move to eulogise the young Soviet country. Stations built between 1937 and 1955 are characteristic of this first architectural period.
Como se puede ver en las imágenes, las estaciones del metro de Moscú se parecen más a una galería de arte que a las terminales de un tren subterráneo. Y no se trata sólo de una estación bonita, sino que la red del metro moscovita es una gran obra de arte arquitectónica y un atractivo turístico per se.
A pocos les interesaría hacer una visita virtual por el metro de Nueva York o de Londres, sin embargo si no se tiene la oportunidad de hacerlo en persona, vale la pena conocer, al menos virtualmente, el de Moscú.
El Metro de Moscú (en ruso: Московский метрополитен) también conocido como el palacio subterráneo, fue inaugurado en 1935, es el primero del mundo por densidad de pasajeros, transporta alrededor de 3.341.500.000 personas al año y cerca de 9,2 millones de personas lo utilizan al día.2 Tiene 182 estaciones y una longitud de tendido subterráneo de 298 kilómetros (tercero en el mundo después de Londres y Nueva York) con 12 líneas.
En la línea nº 5, con forma de anillo que se cruza con todas las otras, la megafonía indica a los viajeros el sentido en que viaja el tren utilizando voces masculinas cuando avanzan en el sentido de las agujas del reloj, y voces femeninas cuando va en sentido anti-horario. En las líneas radiales, se utilizan voces masculinas cuando los trenes se acercan al centro de la ciudad, y voces femeninas cuando se alejan.
Una de las actividades turísticas habituales en una primera visita a Moscú es la visita a las estaciones de metro más llamativas. A no ser que intencionadamente te hagas la «ruta del metro», normalmente uno las va viendo según pasa por ellas de camino a otros destinos.Si este verano se presenta tu primera visita a la capital rusa, puedes echar un vistazo a los dos sitios web que te proponemos, realmente interesante, para disfrutar de fotos panorámicas y QTVR (realidad virtual) de algunas estaciones del metro moscovita, por si quieres echar un ojo a lo que te encontrarás.
El sitio web donde se puede acceder a las fotografías panorámicas:
La muestra permanecerá abierta en Pontevedra hasta el 4 de noviembre. | N.P. – ElMundo.es
Once centros de enseñanza universitaria de seis países han aunado esfuerzos para hacer posible un proyecto al que su nombre no rinde tributo. ‘Miniaturas‘ es la exposición que ha visto la luz por primera vez en Pontevedra con la implicación de 200 alumnos y profesores de Europa y América. Su resultado: un evento artístico de proyección intercontinental.
La exposición se mantendrá en la Sala X de lafacultad de Bellas Artes de Pontevedra hasta el próximo 4 de noviembre, antes de dirigirse a Brasil, y consiste en una recopilación de 222 miniaturas. Todas las piezas cumplen el requisito de no superar los 25 centímetros cuadrados y, sus soportes, los 55.
Con un mismo tamaño, las pequeñas obras de arte de ‘Miniaturas’ presentan propuestas artísticas dispares y originales realizadas con técnicas tan diversas como el grabado calcográfico, la xilografía, distintos procesos digitales, la serigrafía, la papiroflexia, el reciclado de materiales como botones, telas o madera o los plegados en forma de libro.
La comisaria de ‘Miniaturas‘, la profesora de la facultad pontevedresa Anne Heyveart, explicó que la exposición es el resultado de un movimiento artístico que nació a raíz de la iniciativa adoptada por la belga Chantal Hardy. Consistía en lanzar «una convocatoria a sus contactos de artistas y docentes de gráfica contemporánea de centros de enseñanza de tres continentes con el fin de actualizar el concepto de miniatura».
La cuna de esta exposición fue, en concreto, la octava edición de la ‘Biennale Internationale de Gravure contemporaine de Liège’, en Bélgica. Desde allí, ha dado lugar a un evento que Anne Heyveart resume como «una posibilidad excepcional para el alumnado, ya que colaboran en un evento artístico de relevancia mundial».
El turismo en España representa el 10% del Producto Interior Bruto y el 11,5% de los ocupados en la economía española lo están en alguna actividad turística. Estas cifras dan idea de la importancia que tiene este sector en nuestra economía. El modelo que se impone está claro: sol y playa.
Sin embargo, cada vez más turistas están descubriendo en nuestro patrimonio natural otra manera más ecológica y respetuosa con el medio ambiente para pasar su tiempo de ocio.
Con la colaboración de la Fundación Biodiversidad, fundación pública adscrita al Ministerio de Medio Ambiente y Medio Rural y Marino, este magacín trata de poner de manifiesto la enorme diversidad de nuestro territorio a través de la selección de nueve espacios naturales protegidos, no de los más conocidos, pero sí representativos de la variedad y riqueza de nuestra flora y fauna.
La recuperación de vías ferroviarias para la práctica del senderismo o el cicloturismo, el turismo pesquero o las actividades en granjas son otras opciones turísticas, más sostenibles y lejos del turismo de masas.
CentroCentro de Madrid acoge «Post-it City. Ciudades ocasionales», una muestra con un total de 53 proyectos sobre la ocupación temporal de espacios públicos.
Noemí López Trujillo / Madrid
En la imagen: «@acampasol», la Puerta del Sol después de la «acampada» de indignados del 15M – Foto: Darío Álvarez, Mayo 2011.
Muchos pensarán que un post-it –ese trozo de papel amarillo que hay en casas, oficinas, papelerías, y que la mayoría pronuncia pósit– solo sirve para que tu madre te recuerde que tienes que ir al médico, para apuntarte algún teléfono importante, o para que tu pareja te deje algún mensaje romántico antes de que te despiertes. Sin embargo, otros van mucho más allá y con él crean un concepto, extrapolable al arte, sobre las ocupaciones temporales del espacio público. Es el caso de la exposición que acoge CentroCentro: Post-it City. Ciudades ocasionales. El proyecto –cuyo comisario es Martí Perán– es una coproducción del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) y Acción Cultural Española (AC/E), que se podrá visitar hasta febrero de 2012.
Cubierta de Metro en Sol intervenida por "@acampasol"
¿Qué es el fenómeno «post-it»?
Muchos se preguntarán qué significa este término cuando se aplica a una ciudad y no se trata del papelito amarillo. El concepto post-it city fue acuñado por Giovanni La Varra en su libro Mutations (2001) para designar distintas ocupaciones temporales del espacio público, las cuales generan una nueva forma de urbanismo, de estética y de arquitectura.
Al igual que un post-it, estas ciudades aparecen y desaparecen sin dejar un rastro visible, aunque sí ideológico o sociológico. Por definición, su función estructural es efímera, aunque precisamente esta investigación y su posterior exposición tratan de reflexionar sobre la hiperregularización del espacio público. En palabras de Martí Perán, «Post-it City sale de los límites, de lo categórico, de lo imprevisible. Su función es descategorizar todos los prejuicios a la hora de pensar en el espacio público; es decir, cómo comportarse, cuándo y dónde nos podemos tocar o besar, etcétera».
Así pues, el proyecto Ciudades ocasionales investiga los modos en que la subjetividad se apropia de lo urbano diseñando unas microciudades temporales «líquidas». Fluyen de la misma manera que el agua, van y vienen por todo el mundo, aunque, igual que el agua, tienen la capacidad de solidificarse, congelarse, en determinados lugares, y tener repercusiones políticas, económicas y sociales. Son, como explicó la presidenta de AC/E, Charo Otegui, ciudades que se hacen y se deshacen, que se montan y se desmontan.
The new library across from the Pacific Design Center strikes an appealingly upbeat tone, borrowing from various architectural influences to become one of the most impressive public pieces in the region in a decade.
The new West Hollywood Library features a top level with floor-to-ceiling glass and views of the Hollywood Hills. (Benny Chan / Fotoworks / September 28, 2011) http://www.latimes.com
The new West Hollywood Library, set to open to the public Saturday on a curving stretch of San Vicente Boulevard across from the Pacific Design Center, is a building that offers a freewheeling tour through centuries of architectural history. Explicitly or implicitly, it points back to the work of Charles Moore, Pierre Koenig, Frank Gehry and even Michelangelo. The library includes long expanses of floor-to-ceiling glass, in the great California midcentury tradition, as well as bands of marble and generous helpings of architectural ornament.
Along with computer terminals and shelves full of actual books, it incorporates a pair of parking garages, rooftop tennis courts, murals by the street artists Shepard Fairey and Kenny Scharf and new chambers for the West Hollywood City Council.
Whatever you want to call its style (the first local stirrings of a postmodern revival, maybe?), it sounds altogether too busy and too stuffed with architectural influences to succeed. And yet it does succeed — beautifully.
Designed by Steve Johnson and James Favaro of the Culver City firm Johnson Favaro, the library is one of the seven or eight most impressive pieces of public architecture to open in Southern California in a decade.
After two years of construction and many years of planning, the City of West Hollywood is nearing completion of Phase I of the West Hollywood Park Master Plan which includes the building of the highly-anticipated new West Hollywood Library located at 625 N. San Vicente Boulevard (at Melrose).
Phase I of the West Hollywood Park Master Plan is one of the major components of the City’s 25th Anniversary Capital Project which also includes development of the West Hollywood City Hall Automated Garage and Community Plaza Project and implementation of the Plummer Park Master Plan.
El arquitecto Imre Makovecz, maestro de la arquitectura orgánica, falleció en su natal Hungría a los 76 años, según informó su familia.
No se han precisado las causas del deceso.
Nacido en Budapest en 1935, Makovecz defendió la teoría de que los edificios deben ser construidos como si crecieran de la tierra, uniéndose al paisaje, según destaca la agencia de noticias EFE.
Budapest, (EFE).- El arquitecto Imre Makovecz, el representante más conocido de la arquitectura orgánica húngara, falleció hoy, a los 76 años, en Budapest, informó su familia a la agencia magiar MTI sin precisar las causas de su muerte.
Los medios de comunicación húngaros destacan hoy como obra más sobresaliente de Makovecz el pabellón húngaro construido para la Exposición Universal de Sevilla de 1992, marcado por la utilización de la madera como material más importante de la estructura.
Nacido en Budapest el 20 de noviembre de 1935, Makovecz defendió la teoría de que los edificios deben ser construidos como si crecieran de la tierra, uniéndose al paisaje.
Condecorado en Hungría con las distinciones estatales más importantes, este arquitecto construyó más de un centenar de edificios en el país, entre ellos el complejo de la Universidad Católica «Pázmány Péter», varias escuelas y la piscina de la ciudad de Eger.
Después de la caída del «telón de acero», se significó como un personaje conservador de la vida pública del país.
Arquitectonico 
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