Abreviatura de cinematógrafo, también llamado cinematografía, es la técnica que consiste en proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo o película. Wikipedia.
Desde el nacimiento de los primeros brotes en la primavera, hasta la vendimia en otoño y la poda en invierno, ‘Las Catedrales del Vino‘ retrata los paisajes, arquitecturas e historias humanas que se dan cita en torno a las bodegas, en dos regiones que representan tipos de vino y culturas bien diferentes: Rioja y Jerez.
La película presenta una serie de personajes reales, cuyas actividades cotidianas se entrecruzan en el montaje proporcionándonos una visión global y profunda del mundo del vino. Son personas muy diferentes entre sí, pero comparten una misma pasión por su oficio, que nos permite conocer y penetrar en la cultura del vino.
Las bodegas son testigos mudos del paso del tiempo, atrapado en forma de vino en el interior de barricas y botellas, pero son ante todo fábricas llenas de actividad. Y aunque sus arquitecturas responden a las diferentes técnicas de vinificación, en ocasiones adoptan formas artísticas, como símbolo de prestigio, que les hacen merecedoras del apelativo de ‘Catedrales del Vino‘.
El veinteañero Walter Elias Disney se plantó en California hace ahora 87 años con la intención de convertirse en director de cine. Ni más, ni menos. Aquel sueño de emprendedor terminaría por hacer de la Costa Oeste de Estados Unidos un epicentro mundial de la animación del siglo XX.
Ahora, al pie de la Bahía de San Francisco, su hija Diane quiere «ahondar en la leyenda» y deshacer falsos mitos sobre su padre. Desde hace año y medio está al frente del Museo Familiar Disney, que fundó junto a su hijo Walt.
Reproducción de una fotografía de 1957 en la que aparece Disney junto a su familia en el coche 'Disneyland Autopia'. | Efe.
«Antes era un museo virtual, una web», cuenta Diane Disney a ELMUNDO.es. «La gente nos preguntaba en los cuestionarios ‘¿dónde está el museo real?’. Entonces fue cuando nos dimos cuenta de que era necesario construir uno sobre el suelo«.
La Piedra Rosetta de la animación
Más de 600 objetos, entre recuerdos e instrumental de trabajo de Walt Disney se dan cita en este antiguo centro escolar reconstruido en la zona de ‘Presidio‘, en la periferia de la ciudad de San Francisco. Una explosión iconográfica del universo de los estudios que fundó. Entre este muestrario de ratones, patos, princesas y enanitos, una joya museística recientemente recuperada: elCuaderno de Herman Schultheis.
El Museo expone desde esta temporada un libro de más de 70 años que explica algunos de los secretos que guardaba la animación de finales de los años treinta. «Un libro lleno de recortes y anotaciones sobre cómo se conseguían determinados efectos de animación», señala la historiadora Paula Sigman-Lowery, que ha estado investigando sobre esta obra del animador Schultheis.
«El planteó vender el libro a los estudios Disney por 400 dólares, cuando terminó de editarlo», dice Sigman-Lowerry, «Pero éstos estaban trabajando en otras cosas y no pensaron que aquello fuese importante aquel momento. Así que se lo llevó a casa y poco después, desapareció en los años cincuenta. Era un viajero incansable y explorador, y se marchó a la selva de Guatemala… y no se volvió a saber de él»
El libro, que quedó en manos de su mujer, fue descubierto por unas monjas que heredaron las propiedades familiares, «y allí, en su estudio, en una especie de compartimento secreto, entre otros objetos y material fotográfico, estaba este libro».
Luego de más de cuatro décadas de la muerte de Walt Disney, hay personas que lo ven más como un personaje empresarial fabricado que como una persona de carne y hueso. Para revertir esa imagen sus descendientes construyen un museo en su honor que buscará ser una de las visitas obligadas en San Francisco y que incluirá vitrinas con tecnología interactiva.
El inmueble está en el número 110 de la avenida Longfellow. | The New York Post - ElMundo.es
NUEVA YORK | Ubicada en el barrio Staten Island
La mansión tiene ocho habitaciones, bar en el sótano, piscina, dos chimeneas…
Entre las ‘joyas’ que contiene, destacan varios autógrafos de Marlon Brando
Efe | Nueva York (EEUU)
La casa que albergó a la familia Corleone durante el rodaje del clásico del cine ‘El Padrino‘, ubicada en el barrio neoyorquino de Staten Island, está a la venta por 2,9 millones de dólares (2,16 millones de euros), según ha publicado el diario ‘The New York Post‘.
El inmueble de ocho habitaciones, que ha pertenecido a la misma familia durante las últimas seis décadas, fue el hogar del clan mafioso durante los 18 meses que duró el rodaje del filme y, entre las ‘joyas’ que contiene, destacan varios autógrafos del actor Marlon Brando, que en la cinta encarnó a Vito Corleone.
La mansión, construida en los años 30 del pasado siglo y localizada en el número 110 de la avenida Longfellow, en el neoyorquino Staten Island, cuenta además con tres baños, un bar en el sótano, una piscina, dos chimeneas y un garaje de cuatro plazas. El inmueble se asienta sobre una parcela de más de 7.000 metros cuadrados.
Un verano atrás, la casa de subastas Christie’s divulgó con orgullo que se disponía a sacar al mercado una joya arquitectónica única en el mundo: la Ennis House, construida en 1924 por Frank Lloyd Wright en lo alto de una colina en la urbanización Los Feliz Hills, en Los Ángeles, por fabuloso precio de 15 millones de dólares. Sin embargo, combinación de factores -coyuntura económica y lo peculiar del lote- no favorecen el cambio de manos, hasta el punto que el precio de la propiedad fue rebajado primeramente a 10 millones y, este verano, a 7,5 millones, justo la mitad de la oferta de partida.
Para su actual propietario, la Fundación Ennis House -antiguo Trust para la Conservación del Patrimonio Cultural- la decisión entonces fue tan necesaria como dura. «A pesar de las conversaciones mantenidas con numerosos inversores potenciales, no hemos hallado los fondos suficientes para sufragar el mantenimiento», expresaron.
Tenían que encontrar un nuevo dueño lo suficientemente sensible como para adquirir la casa y cubrir así los costes de reparación efectuada en 2005 a raíz del terremoto de 1994 que casi consigue echar abajo el inmueble. Las obras requirieron una inversión de 6,5 millones de dólares en reponer bloques de piedra sustraídos, contener uno de los muros y afianzar la situación de la Fundación. Una de las promotoras de la colecta de hace un lustro fue Diane Keaton, que figura entre los 11 miembros de la institución conservadora.
La entidad, que acusó a su último propietario privado, Augustus O. Brown, de abandonarla a su suerte, se dedicó afanosamente a la captación de fondos -ya en 2002 la casa recibió 100.000 dólares de la Fundación Getty para una reparación urgente- pero las donaciones fueron insuficientes.
La Ennis House, de inspiración indígena mexicana, es un auténtico tesoro de la arquitectura mundial y precisamente por eso resulta tan difícil encontrarle comprador. Hilton & Hayland, la lujosa agencia local responsable de su venta -junto a su socio internacional Christie’s-, no ceja en su empeño y exhibe con gusto el inmueble en su escaparate virtual.
El verano pasado, Christie’s Great Estates informó de que se disponía a sacar al mercado una joya arquitectónica: la Ennis House, construida en 1924 por Frank Lloyd Wright en Los Ángeles (EE.UU.), por un precio de 15 millones de dólares (11,8 millones de euros). Sin embargo, la ausencia de compradores ha hecho que el precio de la propiedad fuera rebajado inicialmente a 10 millones de dólares (7,8 de euros) y, este verano, a 7,5 millones (5,9 millones de euros), justo la mitad de la oferta de partida.
The Ennis House is a residential dwelling in the Los Feliz neighborhood of Los Angeles, California, USA, south of Griffith Park. The home was designed by Frank Lloyd Wright for Charles and Mabel Ennis in 1923, and built in 1924. Wikipedia.
Ten months after it was listed for $15 million, the Frank Lloyd Wright-designed Ennis House is still for sale. In February, the price was dropped to $10.5 million.
Built in 1924 for Charles and Mabel Ennis on a hilltop in Los Angeles, the 6,000-square-foot Ennis House is the largest of Wright’s four textile-block-style dwellings. The house, which is listed on the National Register of Historic Places, has been a popular location for movies, music videos, and photo shoots.
In recent years, the Ennis House Foundation, which owns the landmark, has spent $6.5 million on repairs due to earthquake and rain damage. Still, the house requires $6 million worth of work. To prevent demolition and guide future renovations, the foundation has put a conservation easement on the property.
The Ennis-Brown House
«No house should ever be on a hill or on anything. It should be of the hill. Belonging to it. Hill and house should live together each the happier for the …»
Los Angeles often feels like another planet to non-natives, from the confluence of cultures to the often unearthly architecture. In Architecture of the Sun: Los Angeles Modernism 1900-1970,Thomas S. Hines serves as our ambassador to this brave new world on the left coast that served as the perfect environment for international architectural styles to find room to grow in the United States. Hines, Professor Emeritus of History and Architecture at UCLA, where he teaches cultural, urban, and architectural history, sees L.A. as a prime “consumer and translator of modernist architectures developed elsewhere,” and, thus, “presents a seductive case study of the effect upon modernism of regional patterns and imperatives—and vice versa.” California dreaming in steel, glass, and stone thus continues the dreams of European modernists while simultaneously engaging the local flavors of the City of Angels. Hines’ voyage of discovery through the manmade landscape of Los Angeles is a strange, and stirring, trip.
Inception Posters by Ignition Print, via IMP Awards. Foto: Architizer
For a movie about the “architecture of the mind,” much of the design of the blockbuster Christopher Nolan film Inception seems tame—at first. We catch aerial glimpses of Paris, Mombasa (actually filmed in Tangiers), and Tokyo from a camera angle set close to the horizon, underscoring the mass scale and infinite loop of the film’s plot. (See: previous cityscapes — Hong Kong, Chicago — from Nolan’s last film The Dark Knight.)
The pace and tone are ultra-realistic, the lighting crisp, the characters well-dressed, never betraying the seriousness of the affair. It’s the buildings that warp, explode, and shift on screen as they do in the protagonist’s mind.
InInception, we see an architecture student named Ariadne (Ellen Page) recruited by Cobb (DiCaprio) to break into a wealthy businessman’s mind to plant an idea. Having lived in Paris during her studies (at one point she romanticizes walking across the Pont de Bir-Hakeim on her way to class), she adapts quickly to building mazes in the shared dreamscape. She is also able to bend the rules of physics: her Paris bends and layers itself over her in a dream state, one of the scenes that became a teaser image and poster for the movie. It’s as if we were inside the head of Nolan’s Joker, a world based on reality but without rules.
Overall, we see how the built world is distorted and replayed inside our heads. In a film somewhat devoid of human emotion, the subtle characters let architectural emotions go wild. Maybe Inception’s buildings are mugging for an Oscar or something.
Saltó a la fama con su segundo largometraje Memento, basado en un relato corto escrito por su propio hermano, Jonathan Nolan, que luego adaptarían juntos a un guión convencional para rodar la película y por el cual fueron candidatos Oscar en la categoría de mejor guión original.
El actor presenta la esperadísima nueva película del director de ‘El caballero oscuro’, un cruce entre ‘Matrix’ y ‘Olvídate de mí’. Le acompañan Ellen Page, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard y Cillian Murphy.
Este blog se aleja otra vez de su esencia para extraviarse en el último título de Christopher Nolan, un gigante de la creación cinematográfica que con «Inception» (no muy bien traducida como «Origen») sumerge al espectador en una espiral tan ambiciosa y profunda como bien trazada. Que algo así nos llegue en agosto, sin que el autor hinche el producto para cobrarnos por las gafas y sin necesidad de montar un refrito a partir de algún taquillazo previo, otorga aún más mérito a una obra que incluso en sus imperfecciones resulta majestuosa. ¿Con cuántas películas sale uno del cine con esas ganas irresistibles de ponerse a hablar?
Me refiero a Origen de Christopher Nolan con Leonardo DiCaprio, estrenada como de soslayo en este silencioso estío que preludia tantas cosas.
Y, sin embargo, resulta una película inmensa y de mucha actualidad para nosotros los españoles, que además de regalarnos lecciones bien profundas sobre el mundo como ensoñación nos reconcilia con ese gran cine del que estamos ayunos últimamente. Tal vez, por tener nuestro tiempo atrofiada esa facultad fundamental para la vida humana en que consiste la imaginación y cuya renuncia a ponerla en juego –habría que preguntarse por qué– tantas cosas explica sobre el estado de insatisfacción en el que estamos instalados el hombre y mujer contemporáneos. Y que tanta satisfacción, en cambio, otorga al poder político vigente.
Renace un cine de barrio. Ahora, que las salas tradicionales se rinden ante las tiendas de ropa y el público conduce kilómetros hasta los macrocines de los centros comerciales, surge la sala Berlanga, en pleno centro de Argüelles, un lugar promovido por la SGAE que promete convertirse en el centro de referencia del cine español, iberoamericano y europeo independiente.
Una sala, la antigua California, en la calle de Andrés Mellado, que después de haber sido sede de la Filmoteca o haber proyectado películas X y también en versión original, rinde homenaje al «maestro del cine español», Luis García Berlanga. El veterano director, en silla de ruedas y sin apenas poder articular palabra, recibió el cariño y los aplausos de las personalidades que asistieron a la reinauguración de la sala. Entre ellas, Andrés Vicente Gómez, el presidente de la SGAE, José Luis Borau o Manuel Gutiérrez Aragón, presidente del Instituto Buñuel e impulsor de la iniciativa.
La sala Berlanga, con 250 butacas, es la más puntera de la capital. Podrán verse películas en 3D, con un proyector de 35 milímetros y uno digital en 4K. El 11 de junio en la sala que aspira a ser el centro de reunión de grandes del cine español abrirá sus puertas al público con el estreno Yo, don Giovani, de Carlos Saura. Los vecinos aguardan con impaciencia.
El Instituto Buñuel de la Fundación Autor de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) reabrió este miércoles las puertas del antiguo cine California, rebautizado como Sala Berlanga, con la que rinde tributo a Luis García Berlanga. El realizador valenciano, de 88 años, asistió a la reapertura de este cine, que iniciará su andadura cinematográfica el 10 de junio con el estreno de ‘Io, Don Giovani’, de Carlos Saura.
El nuevo cine, preparado para proyectar filmes en 35mm, Digital 4K y 3D, cuenta con un aforo de 250 butacas (ocho de ellas adaptadas para minusválidos), frente a las 541 del antiguo cine, situado en la calle Andrés Mellado de Madrid.
En esta apertura oficial contó con la presencia del propio Berlanga, y se proyectó el documental de José Luis García Sánchez ‘Por la gracia de Luis‘, que gira entorno a la figura del director de cine.
ARTHUR SCHOPENHAUER: "La arquitectura es música congelada. - Imagen: Revista Ñ / Clarín
De Monteverdi a Miles Davis y de allí a los efectos sonoros del cine, la arquitectura tuvo un rol central en la historia de la música. Estudios y discos recientes vuelven a poner esa relación en primerísimo plano.
Por: Juan Carlos Garay
Hace apenas unos meses se llevó a cabo la cuarta versión del Festival Internacional de Música en Cartagena de Indias. Entre tantos festivales dedicados a la música clásica, éste tiene un atractivo especial. La ciudad en que García Márquez ubicó su novela El amor en los tiempos del cólera conserva todavía el sistema de transporte de carrozas tiradas por caballos, los añejos faroles en las fachadas de las casas y, en general, la arquitectura de los siglos diecisiete y dieciocho. Algunas cosas han cambiado, pero no mucho: los primeros conventos de monjas, hoy convertidos en lujosos hoteles, mantienen más que el nombre y la fachada. Cada celda es ahora una lujosa habitación, pero la roca sólida, los dinteles bajos, parecen contener los ecos de los rezos o los suspiros de las novicias.
Los conciertos que se ofrecieron en las capillas de los hoteles nos mostraron algo más allá del refinamiento de los intérpretes. Nos mostraron un sonido característico, una resonancia especial entre esos altos muros de piedra blanca y esas enormes vigas de madera. La capilla del hotel Santa Clara, construida en 1617 para la oración de las monjas Clarisas, dejó resonando durante eternos segundos las enormes vibraciones de Fratres para violín y orquesta de Arvo Pärt. En tanto que la capilla del hotel Santa Teresa, de la misma época pero más pequeña, se prestó para músicas de cámara, más íntimas, como las Escenas infantiles para piano de Robert Schumann. Nunca como en ese momento fue tan evidente la frase que dijera Schopenhauer: «la arquitectura es música congelada«.
Es irónico que sólo a partir de esas experiencias extremas volvamos a reflexionar sobre el espacio como componente de la música. Las dimensiones, los planos, las proporciones con que trabajan los arquitectos son conceptos que también, a su manera, ocupan a los compositores. En el marco de las religiones, por ejemplo, la creación sonora ha estado ligada al espacio en que se interpreta. La psicóloga Susan Elizabeth Hale propone que las cuevas, nuestros primeros habitáculos, nos parecían acogedoras por ser una remembranza del útero.
De ahí brota el impulso humano de construir, de inventar nuevos espacios para magnificar esa sensación. En su libro Sacred space, sacred sound, Hale recrea ese trayecto de la cueva a la capilla y luego a las grandes catedrales, deteniéndose especialmente en el aspecto sonoro. Como su especialidad no es la física, sus definiciones acústicas terminan pareciéndose más a una poesía mística. De la Catedral de Chartres, en Francia, dice: «Es música en sí misma. La catedral puede hacer un eco con el sonido más leve. Incluso los susurros suenan como un aleteo de ángeles en el cielo». Pero algo queda resaltado a lo largo de su libro: cada lugar tiene una reverberación única determinada por las dimensiones, los materiales, la temperatura, la humedad y tantas otras sutiles variables. No hay dos construcciones que suenen igual.
The indoor pool at Hearst Castle in San Simeon, California - Foto: Wikimedia Commons
Más de 550 kilómetros separan San Francisco de Los Angeles, espacio suficiente para albergar pueblos con aire francés, leones marinos al sol, villas de lujo y musculitos de escándalo. Y sobre todo escenarios para filmes como ‘Vértigo‘ o castillos que inspiraron a Orson Welles para su ‘Ciudadano Kane‘.
El arquitecto y urbanista revisa los cambios en el espacio público que se producen cuando los cines de barrio son reemplazados por shoppings. Y destaca la participación vecinal en el rescate de tres salas porteñas.
Dos cines menos y un barrio más vacío. En diciembre, se incendió la sala del Cine Teatro Bristol, en la Avenida Santa Fe (foto); en enero, cerró el Cine Astro, en la vereda de enfrente. En menos de dos semanas, el centro de la bonaerense Martínez se quedó sin sus dos salas históricas.
Es cierto que el Bristol ya hacia tiempo funcionaba solo como teatro, y muy esporádicamente. También es cierto que los ya incómodos asientos del Astro sobraban para albergar a los escasos pero fieles asistentes a alguna película ya desplazada del circuito principal. Y es cierto, también, que sigue habiendo cines en Martínez, aunque ahora estén al final del patio de comidas de un shopping. Pero así como una parte de la memoria de nuestras vidas se nos fue entre las llamas del Bristol y los candados del Astro, lo mismo puede decirse de nuestra identidad urbana y de la ciudad en la que vivimos como hecho colectivo.
El Bristol y el Astro sobrevivieron estoicamente al cierre «serial» de cines que desde principios de los ochenta arrasó con la mayor parte de las salas suburbanas (e incluso con algunas memorables del centro porteño) y las transformó en iglesias electrónicas, outlets, bingos o estacionamientos. Quizás ayudó la buena situación económica del barrio o la ubicación en un enclave de alta densidad, con una base considerable de espectadores. Lo cierto es que hasta hace unos años todavía eran habituales las colas en la noche del sábado o la tarde del domingo. Ahora nos encontramos con una situación como la que el propio cine expone en «Cinema Paradiso», que sin embargo conviene analizar en claves que trascienden la nostalgia personal y entran en el análisis urbano.
Se proyecta en el festival ‘¿Cuánto pesa su edificio, señor Foster?’
El documental es obra de los españoles Norberto López Amado y Carlos Carcas
Luis Martínez | Berlín
«¿Cuánto pesa su edificio?, señor Foster». En una ocasión, el visionario Buckminster Fuller sorprendió al entonces joven arquitecto con esta pregunta. No supo qué decir. Al día siguiente, tenía la respuesta. Pesaba demasiado. Y la mayor parte de los kilos se encontraban en los cimientos. En ese momento, lo tuvo claro, algo tenía que cambiar. Lo que cambió fue su vida. Toda ella.
Empezaba la carrera del arquitecto planetario. No hay continente que no cuente con una obra suya. El viaducto de Millau en Francia, el aeropuerto de Pekín, la ciudad de Masdar en Abu Dhabi… Una vida esparcida por el mundo. De contarlo se encargan los documentalistas españoles Norberto López Amado y Carlos Carcas en una cinta que toma como título la pregunta-probación de Fuller. La película, que se presentó en la sección Panorama de la Berlinale, es un recorrido por la obra, vida y viajes de un hombre obsesionado con su trabajo, los aviones y el esquí. Norman Foster (Manchester, 1935) recibe a EL MUNDO.es en el hotel Adlon, a pocos metros de su cúpula del Reichstag.
Presentó en la Berlinale un documental sobre su vida y obra.
En él abre las puertas de su intimidad y habla del cáncer que sufrió.
Cree que, para ser arquitecto, uno debe ser «optimista y curioso».
RAFA VIDIELLA.
El arquitecto, uno de los más conocidos del mundo, estuvo en Berlín para presentar How much does your building weigh, Mr. Foster?, un documental sobre su persona dirigido por los españoles Norberto López y Carlos Carcas. Compartimos veinte minutos con Foster en exclusiva para hablar de su vida, de la película y de cómo seguir mirando al cielo en tiempos de pesimismo.
Este documental narra la trayectoria vital de uno de los arquitectos más emblemáticos del siglo XXI y su inquebrantable pasión por mejorar la calidad de vida a través del diseño. Además, recoge los orígenes de Norman Foster y cómo sus sueños e influencias inspiraron la creación de edificios como el aeropuerto de Pekín (el más grande del mundo), el Reichstag, el edificio Hearst de Nueva York y construcciones como el puente más alto del planeta, el viaducto Millau, en Francia, entre otros. (ART COMMISIONERS)
Tomando la afición de Foster a volar, la cinta realiza, durante setenta minutos, un viaje guiado por los aires en el que se sobre vuelan algunos de sus más famosos edificios, como el aeropuerto de Pekín o el viaducto más alto del mundo, el de Millau, en Francia.
La sensación de formar parte de ese vuelo se incrementa cuando la cámara recoge desde diferentes ángulos partes de los edificios que evidencian la difícil tarea de los directores para conseguir tales planos.
Según afirma uno de sus directores, Norberto López, la idea era «rodar la arquitectura como nunca se había rodado, e intentar transmitir el riesgo y el sentimiento que hay detrás de las edificaciones».
Con voluntad de documental histórico, la obra se plantea en forma de narración y es complementada con entrevistas al propio Foster, así como a otros arquitectos o artistas que reflexionan sobre las ideas y visiones de quien afirma: «Todo lo que veo me inspira«.
El Festival Internacional de Cine de Berlín (o Berlinale) es un prestigioso festival de cine internacional que se celebra en la ciudad de Berlín, Alemania. La figura del premio consiste en un Oso, siendo el forjado en oro el que posee mayor valor. El Oso de Oro y los Osos de Plata a la mejor dirección y a la mejor interpretación, tanto masculina como femenina, son entregados durante el mes de febrero en el Berlinale Palast. También esta el Oso de oro Honorífico, por toda una vida de director, actor o actriz.
El mítico filme de Fritz Lang desembarca en la Berlinale en un reestreno de la versión original restaurada a partir de una copia hallada en el Museo del Cine de Buenos Aires | Ambientada en vivo por la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín, Metrópolis será retransmitida en directo a la Puerta de Brandeburgo, donde se espera que decenas de miles de personas planten cara al frío y a la nieve
Cuando Fritz Lang vio en 1928, en Londres, la versión de su Metrópolis cortada por los productores estadounidenses dijo: «Ésta es otra película». Ayer por primera vez después de más de 80 años, una versión casi integral y restaurada fue proyectada en la Puerta de Brandeburgo con ocasión de la 60° Berlinale. La película, con 25 minutos de secuencias inéditas encontradas en Buenos Aires en 2008, fue la tarta de cumpleaños para el aniversario del festival.
CulturaReposición de la cinta en la Puerta de Brandemburgo
En Barcelona, el gran arquitecto británico presentó el documental “¿Cuánto pesa su edificio, Sr. Foster?”, que repasa su vida y sus logros. Y remite a una pregunta que le hizo, en sus comienzos, el legendario Buckminster Fuller.
![[foto de la noticia]](https://i0.wp.com/estaticos02.cache.el-mundo.net/elmundo/imagenes/2010/08/04/cultura/1280847795_extras_portada_1.jpg "[foto de la noticia]")
Arquitectonico 
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