The planning that lays the basis for the making of every object or system. It can be used both as a noun and as a verb and, in a broader way, it means applied arts and engineering (See design disciplines below). As a verb, «to design» refers to the process of originating and developing a plan for a product, structure, system, or component with intention. Wikipedia.
La reconocida artista plástica y paisajista nos abre las puertas de su jardín privado y nos cuenta sus trabajo. Mirá las fotos y contanos qué te pareció.
«Nuestra casa es una suma de FOAS y una suma de lo que sea, exactamente un cambio constante. En mi jardín nada está plantado en el suelo, porque no soporto las cosas en el mismo lugar. Es decir que aquí las plantas están plantadas en macetas que les hacen de ‘mocasines’, y les permiten ‘caminar’ y moverse de acá para allá.
Me gustan los cambios porque siempre me hacen sentir que entro en una casa nueva. Si tengo que encuadrarlo en un estilo: eléctrico.»
Los jardines de Cristina Le Mehauté la ganaron el puesto de paisajista más vanguardista. Ella habla de un “arte en movimiento” que tiene expresiones mínimas, de balcón apenas, o abarca todos los espacios disponibles.
Por Luján Cambariere
Llega el tiempo lindo y más que nunca nos percatamos que existe un afuera: aromas, colores, sonidos, texturas que sólo se perciben cuando abrimos una ventana, balconeamos un rato, caminamos descalzos por el jardín o la terraza.
Cristina Le Mehauté es toda una experta en la materia, con varios premios al paisajismo contemporáneo a cuestas y elogios varios a sus propuestas innovadoras desde las distintas ediciones de Casa FOA. Lejos de cualquier fórmula, esta autoproclamada autodidacta compartió algunos de sus conocimientos que apelan más a sensaciones y sentimientos que a reglas fijas.
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In 2003, Governors Island was deeded to the people of New York
ARQUITECTURA | Un puñado de artistas la habitan
Julio Valdeón Blanco | Nueva York
El alcalde Bloomberg tiene un sueño para la isla del Gobernador con cañones orientados a la Estatua de la Libertad. La isla, cedida por el gobierno federal al Estado y la ciudad de Nueva York en 2003 al precio de un dólar, queda al fin en manos de esta última; por 260 millones ese peñón yacente al costado del bajo Manhattan revivirá como puerto para niños y turistas, como un barco mental que navegue contra los vientos que azotan desde el Atlántico.
Primero holandesa y luego inglesa, la isla fue comprada a los indios Manahata por un puñado de nueces. Bastión durante la Guerra de Independencia y la Guerra Civil, su destino estuvo asociado a la Marina, con fortines para los soldaditos que embarcaban rumbo al teatro de la muerte en Europa, en el 14 y también durante la lucha contra el fascismo.
Desde los sesenta perteneció a la Guardia Nacional, que mantenía acantonados más de 3.000 empleados. A mediados de los noventa fue abandonada. Nadie quería ya aquel islote con muros del XIX, flipado por los vendavales, que sirvió a Reagan para encender los reflectores durante los actos del cumpleaños de la Estatua, hermano pobre de la isla Ellis, a la que acudían los apátridas del mundo con su hatillo de utopías dispuestos a renacer en América.
El plan de Adriaan Geuze, arquitecto paisajista holandés del estudio West 8, reinventa el esqueleto del peñón con magníficos parques y colinas fabricadas con las piedras de los barracones. Es fascinante e hiperbólico, quizá el más audaz que se haya planteado en décadas. Sobresalen las afiladas gargantas, apuntadas hacia los lugares sagrados de Nueva York, el paseo junto al agua y el promontorio con perspectiva de 360º, desde el que asomarse a la violencia de los rascacielos del Downtown, la silueta de Brooklyn o la entrada del océano. Se trata de un plan imaginativo, solvente, hermoso y delicado, con esa pizca extra de monumentalidad fundido a fuego en el carácter de Nueva York.
Aunque en los últimos años se habían construido algunas instalaciones, y aunque sólo en 2009 la visitaron más de doscientas mil personas durante el verano, cuando permanece abierta, la isla apenas está habitada un puñado de artistas, que ejercen siempre el papel de pioneros que hubieran sustituido las caravanas, goletas de la llanura, por caballetes.
In a short, funny, data-packed talk at TED U, Catherine Mohr walks through all the geeky decisions she made when building a green new house — looking at real energy numbers, not hype. What choices matter most? Not the ones you think.
Catherine Mohr works on surgical robots and robotic surgical procedures, using robots to make surgery safer — and to go places where human wrists and eyes simply can’t. Full bio and more links
Comentario personal: este artículo es, evidentemente, publicidad encubierta. Los argumentos que una y otra vez replican los representantes de Autocad y vinculados para vender sus productos. Mucho de agua tibia, bastante de lugares comunes y una idea que no se dice, pero esta: compren, somos la única opcion antes del fin del mundo, En fin, vaya como información y para satisfacer a su legión (nunca mejor dicho) de seguidores.
Los procesos BIM (Building Integration Modeling) conectan la etapa conceptual de un proyecto con la del diseño. Y los modelos 3D ayudan a prever conflictos que puedan generarse en infraestructura o construcción.
Según un reciente estudio de McGraw Hill, la mitad de la industria de la construcción a nivel global está utilizando nuevas tecnologías para maximizar el rendimiento de las distintas áreas de trabajo, lo que representa un crecimiento del 75% en los últimos dos años.
Sin embargo, muchos profesionales cuestionan cuán exitoso puede ser el proceso de Building Integration Modeling (o BIM, manejo de la información del edificio) para las grandes construcciones.
En comparación, el nivel de complejidad y planeamiento que requieren los rascacielos en contraste con los edificios más bajos es mucho más alto ya que, naturalmente, hay que considerar otros factores.
En este sentido, cada elemento de la construcción requiere de mayor consideración dependiendo del tamaño del edificio. Los arquitectos e ingenieros tienen que tener en cuenta cientos de factores para darle forma al proyecto, como la estética, la eficiencia energética, la optimización del espacio, la seguridad y, por supuesto, el costo.
Imagen Panorámica del futurista inmueble. | ELMUNDO.es
LA FINCA | Ha sido adquirida por un conocido promotor madrileño
El inmueble se había convertido en objeto de deseo de la ‘yet set’ nacional
Incluso el futbolista Cristiano Ronaldo barajó la opción de adquirirlo
Jorge Salido Cobo | Madrid
La casa más mediática de La Finca -la urbanización más exclusiva de Europa-, en Pozuelo de Alarcón, tiene nuevo dueño. Su ya ex propietario, el prestigioso y famoso arquitecto Joaquín Torres, del estudio A-cero, la ha traspasado por más de ocho millones de euros. Un conocido promotor madrileño ha adquirido el preciado inmueble por el que también se han interesado, entre otros, Cristiano Ronaldo, Ricky Martin y los Thyssen (Borja y Blanca).
Según han confirmado a Su Vivienda fuentes cercanas al arquitecto, la jugosa operación inmobiliaria se ha cerrado finalmente entre ocho y ocho millones y medio de euros. Una nada despreciable cantidad que da fe de que el ‘ladrillo’ de lujo sigue siendo todo un refugio blindado frente a la crisis. Ésta ha sido fraguada a tres bandas: el director financiero de A-Cero, Promora (una de las agencias inmobiliarias con más prestigio de Madrid y especializada en viviendas localizadas en zonas del más alto nivel) y el propio comprador.
La espectacular vivienda, hecha a medida por y para Joaquín Torres y cuya construcción finalizó en 2008, se convirtió en ‘deseo de compra’, aunque no estuviera en venta, casi sin querer a raíz de comenzar a aparecer en los medios de comunicación, principalmente revistas especializadas en diseño y arquitectura. Pero lo que la colocó en el centro de la diana fue el interés de Cristiano Ronaldo en ella.
21st Century Museum of Contemporary Art Kanazawa, Ishikawa, Japan - Foto: Pritzker Prize
ARQUITECTURA / PREMIO PRITZKER / SANAA
Con apenas 15 años de trabajo conjunto, los japoneses Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa ganaron el Pritzker 2010. Las razones: una arquitectura potente, pero a la vez delicada, que contempla al usuario y al entorno.
Graciela Baduel.
gbaduel@clarin.com
Por una arquitectura que es a la vez delicada y potente, precisa y fluida, ingeniosa pero no abierta o exageradamente inteligente; por la creación de edificios que interactúan bien con sus contextos y las actividades que contienen, creando un sentido de plenitud y de riqueza vivencial; por un lenguaje arquitectónico singular que surge de un proceso de colaboración que es único e inspirador; por sus notables edificios realizados y la promesa de nuevos proyectos juntos».
Por todas estas razones, con apenas 15 años de trabajo en conjunto, y poco más de un lustro de reconocimiento internacional, Kazuyo Sejima (54) y Ryue Nishizawa (44) fueron distinguidos con el máximo galardón de la arquitectura. Es la cuarta vez que el premio recae en arquitectos japoneses, la tercera en que se otorga a una dupla y Sejima es la segunda mujer galardonada (ver Todos los ganadores… en pág. 8).
El Pritzker, que otorga cada año la familia dueña de la cadena hotelera Hyatt, esta vez se entregará en Ellis Island, Nueva York. Y hasta allí irán a recibirlo el 17 de mayo los miembros de SANAA (Sejima and Nishizawa and associates), responsables de una veintena de obras, principalmente en su país, Europa y los Estados Unidos. El premio viene a coronar la rápida carrera del estudio en el ranking de la arquitectura global: desde que ganaron el León de Oro en la Bienal de Venecia (2004) gracias al Museo de Arte Contemporáneo del Siglo XXI, ubicado en Kanazawa (Japón), no paran de crecer.
Algo de eso se verifica en su primera obra en los Estados Unidos, el Pabellón de Vidrio del Museo de Arte de Toledo, en Ohio, terminado en 2006, donde grandes paneles curvos y transparentes se funden con el paisaje. También en su proyecto para la Serpentine Gallery del año pasado, una estructura etérea de acero inoxidable que reflejaba las gotas de lluvia y amplificaba el canto de los pájaros. Y en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York, una serie de cajones transparentes mal apilados que se adapta al perfil industrial del Bowery, en la zona sur de Manhattan.
Sejima y Nishizawa comenzaron a trabajar juntos en 1995, aunque mantienen proyectos independientes. Una de sus primeras obras, el O-Museum en Nagano (Japón), está enclavado en la ladera de una montaña y se adapta a la topografía de manera tal que no interfiere las vistas de las ruinas de castillo del siglo XIV.
EDITORIAL Lo que parece sencillo
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Berto González Montaner. Editor jefe ARQ
bmontaner@clarin.com
Qué contraste entre la complejidad formal y la carga figurativa del edificio Otto Wulff diseñado por el arquitecto danés M. R. Rönnow en 1913 en el centro porteño y la ascética, abstracta y sensual geometría de las obras del estudio japonés SANAA, reciente ganador del premio Pritzker de la arquitectura.
Rönnow proyectó en la intersección de Belgrano y Perú un edificio cargado de símbolos, rematado por una cúpula con la imagen del Kaiser Francisco José I de Hasburgo (página 28). Un edificio de basamento, desarrollo y remate, ornamentado además con la fauna autóctona y con figuras que representan al herrero, el albañil, el carpintero y hasta al arquitecto que lo construyó.
En cambio SANAA con sus obras no quiere representar nada.
No quiere edificios parlantes. Kazuyo Sejima y Rue Nishizawa se preguntan ¿qué clase de espacio puede ser usado por la gente y que lo disfrute? Y llegan a las soluciones más apropiadas trabajando sobre el programa.
Diseño urbanístico futurista de Antonio Sant'Elia. Wikipedia.
Monumental muestra en la Fundación Proa, con obras que vienen del Museo de Trento, dueño del mayor patrimonio futurista del mundo. Pintura, música, danza, fotografía, moda y objetos de un movimiento revolucionario cuyo efecto aún no ha terminado.
Por Rodrigo Alonso
Para LA NACION – Buenos Aires, 2010
Por algún motivo difícil de precisar, la historia del arte nos ha legado una versión simplificada del futurismo, el movimiento artístico creado por Filippo Tommaso Marinetti en 1909. Los libros suelen datar su origen en los años previos a la Primera Guerra Mundial, e identificarlo con las producciones de poetas, pintores y escultores como el mismo Marinetti, Umberto Boccioni, Carlo Carrà o Giacomo Balla. Pero ésa es sólo una parte de la historia, como lo demuestra El universo futurista: 1909-1936 , la exposición curada por Gabriella Belli, directora del Museo de Arte Moderno de Trento y Rovereto (MART), que se presenta en la Fundación Proa.
El futurismo nació con un manifiesto, como la mayoría de las vanguardias artísticas de comienzos del siglo XX. Allí, Marinetti arremetía contra las academias y los museos que ensalzaban el glorioso pasado italiano y paralizaban a los jóvenes creadores. Con prosa combativa, abogaba por la destrucción de la tradición y la celebración de la vida moderna, las máquinas, la velocidad y el dinamismo urbano. En una frase, hoy famosa, resumía esta postura estética: «Declaramos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras con su capó adornado con gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo… un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia«.
…un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia.1
El Futurismo surgió en (Milán) Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.
Dicen que aquí cerró Cristóbal Colón los últimos flecos de su viaje a las Américas. Lo acogieron los monjes dominicos entre las paredes de este antiguo convento y en él se quedó hasta que puso rumbo al Nuevo Mundo. Mejor entorno no pudo elegir en tierras salmantinas, a orillas del río Tormes, en pleno Valle del Duero y entre hectáreas de castaños, cipreses y secuoyas, precisamente las más antiguas de Europa y las únicas inmersas entre viñedos.
Allí está la Hacienda Zorita, a apenas ocho kilómetros de Salamanca capital, uno de esos Hoteles del Vino(Wine Hotels) en los que el enoturismo cobra vida propia, y lo mismo se puede participar en un peeling corporal vinoterapéutico que degustar un menú maridaje, hacer senderismo, leer el periódico junto al río, disfrutar de un masaje con esencias naturales o conocer a fondo una bodega de crianza. Son las bases de Haciendas de España, un selecto club que integra el turismo de calidad con la enología y que, de momento, dispone de nueve proyectos en sus filas repartidos por todo el país. La sede central está en la Hacienda Zorita.
Lo que cuenta es el emplazamiento y, en el caso de ésta, el convento del siglo XIV sobre el que se asienta ha sido meticulosamente rehabilitado después de décadas sumido en el abandono y pasando de mano en mano. Hasta que en 2001 se convierte en uno de los Hoteles del Vino… y comienza la renovación. La materia prima ya estaba dada. Bastó convertir el almacén en el que se guardaba la harina en una bodega con 1.500 barricas de roble. Lo que más impresiona es su planta, que calca la estructura de la nao Santa María de Colón. Un guiño al descubridor.
La segunda de las bodegas se encaja dentro de la capilla de San Nicolás de las Viñas, donde toma forma el mejor caldo de la hacienda, el Durius Magister, entre obras de arte sacro del siglo XVII como las imágenes de San Nicolás o de la Virgen del Vino, que también existe. Al fondo de las 176 barricas se alza el retablo (realizado por el mismo autor que levantó el de la catedral de Burgos) y los vítores que conmemoran la visita del ex presidente chileno Ricardo Lagos o Juan Vicente Herrera, presidente de Castilla y León.
Es un ciberataque en toda regla. Nueva York ha sido invadida por los clásicos videojuegos de los años 80. Piezas de Tetris, Comecocos todo dominando la Gran Manzana…
Los clásicos bloques de Tetris la bombardean como proyectiles aéreos que se comen los rascacielos planta por planta.
Pero puestos a comer, un comecocos gigante en los túneles del metro. No hay orificio que se le resista a Pacman.
También Donkey Kong encuentra su hueco en la cima del Empire State. Y desde el cielo, el ataque de los invasores del espacio. Todo un homenaje al entretenimiento de hace tres décadas.
Muchos apasionados quedan aún a día de hoy a los videojuegos de antaño, esos de 8-bits que tantas horas de diversión proporcionaron, y proporcionan, a generaciones enteras de jóvenes y no tan jóvenes.
Patrick Jean, del estudio One More Production, es uno de esos apasionados a este tipo de videojuego y también un crack del vídeo. ¿Y qué pasa al juntarse ambas cosas? Pues que sale algo como el increíble vídeo que acompaña a esta entrada.
Edificio Telefónica, en la Gran Vía. Hasta 1953 fue el edificio con más altura en Madrid. Foto: Wikipedia
Reportaje
El arquitecto del rascacielos de Telefónica amenazó con dimitir para preservar su aspecto. De Cárdenas se exilió tras la guerra. Sus hijas recuerdan la vida del edificio. El inmueble de la red de San Luis recibió 120 impactos que el creador documentó en un plan
MARÍA MARTÍN – Madrid
Bucear en la biografía de Ignacio de Cárdenas (Madrid, 1898-Segovia, 1979) es encontrarse en un mar de contradicciones. El arquitecto pasó gran parte de su vida nadando a contracorriente en defensa de sus ideas y, sobre todo, de su criterio artístico, muy avanzado para la época.
El padre de De Cárdenas, que pertenecía a la nobleza criolla, fue un periodista nacido en La Habana que emigró a Madrid en el siglo XIX. De su familia de 16 hermanos, surgieron, entre las mujeres, siete vocaciones religiosas. Y él «era el único de su familia que tiraba, ya no a la izquierda, sino al centro», recuerda su nieto Juan Manuel Matute de Cárdenas.
Su familia poco quiere hablar de los conflictos que provocaron en casa las ideas de su padre en un momento tan convulso como la Guerra Civil, pero los hubo y graves. «Es una herida ya cicatrizada y mi padre nunca habló con rencor», resuelven Inés y Elena de Cárdenas, las únicas hijas del arquitecto que quedan vivas.
Menos dolorosas, pero igual de conflictivas fueron las discordias entre De Cárdenas y sus jefes durante la construcción de su primera obra, «su hija la mayor», como él llamaba a la Telefónica.
La construcción del que, dicen, fue el primer rascacielos de Europa, de casi 90 metros de altura, fue un encargo de la International Telephone and Telegraph Company (ITT) para que su filial española instalase allí la primera central de telecomunicaciones del país. La estética del edificio, así como su ubicación, tenían un claro objetivo: halagar a posibles accionistas, una clase burguesa y conservadora.
El proyecto se encargó inicialmente en 1925 al afamado arquitecto Juan Moya, diseñador de la fachada de la Casa del Cura, que impuso que De Cárdenas, su joven alumno de 27 años, colaborase con él y compartiese honorarios. Según contó el mismo De Cárdenas en sus diferentes escritos, recogidos en el libro de Pedro Navascués sobre el edificio, Moya se lanzó a una decoración demasiado barroca de la fachada, encuadrando cada ventana con hojarasca retorcida, conchas y angelotes, lo que empezaba a espantar al joven arquitecto. «Como la Telefónica quería que hiciésemos algo muy español, nos inclinamos al Barroco de Madrid. Moya gozando con hacer otra vez algo muy barroco y yo aguantando mis aficiones a lo que entonces se llamaba estilo cubista, harto de tanto Renacimiento español».
POR MIGUEL OLIVER
FOTOS IGNACIO GIL
MADRID. El Edificio Telefónica «nació» en Nueva York. Su arquitecto, Ignacio de Cárdenas, lo concibió tras un estudio previo realizado en el estudio de Lewis S. Weeks en Manhattan. De ahí su inspiración americana. Situado en el número 28 de la Gran Vía, se construyó entre 1926 y 1929. Desde entonces no sólo fue el edificio más alto de Madrid -con sus 89,30 metros y sus 15 plantas de techos altos-, sino también el primer rascacielos de Europa.
Su hegemonía en la capital duró casi 25 años -hasta 1953-, cuando se inauguró el Edificio España, en Plaza de España, con 117 metros.
Ignacio de Cárdenas era responsable del departamento de edificaciones de la Compañía Telefónica Nacional de España. Para proyectar el nuevo edificio viajó a Estados Unidos, donde se reunió con su homónimo de la compañía telefónica norteamericana. De ahí deriva la inspiración yanqui del edificio. Sin embargo, fue matizada por Cárdenas en el proyecto definitivo.
Stark Expo 2010 – A Comic Book Movie Update of Flushing Meadows Park
Posted by rita_catinella at 4/5/2010 1:13 PM CDT
I wasn’t planning on seeing Iron Man 2 in theaters (I’m no movie snob, I just have a 2 year old and don’t get out much) but when I stumbled across this promotional web site for the movie I was intrigued to check it out. The site www.starkexpo2010.com is a mock home page for an upcoming “Worlds Fair” called Stark Expo that opens on the fairgrounds of Flushing Meadows, N.Y. on May 7th (the day the movie opens, not coincidentally). The site includes renderings of what the expo will look like, including the New York State Pavilion and the iconic Unisphere. On the bottom of the page you can even view a plan of the grounds from 360 degrees- showcasing all of the sponsored pavilions. As someone who grew up five minutes from the park, I was excited to see it interpreted into a modern fairground with zoomy architectural pavilions. Below are a few renderings from the “expo” slideshow. If you are working on a pavilion project perhaps you can write off the price of the movie ticket as a work expense?
Arquitectonico 
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