When entrepreneur Malcom McLean developed the intermodal shipping container in 1956, he became more than just an inventor; he became an architect. Today, when these containers aren’t moving cargo on truck, ship, and rail, they are being used for various methods of habitation: a home, office, and—in at least one case—an environmental education center.
The Los Angeles design group APHIDoIDEA is working on plans for an Environmental Center of Regenerative Research & Education (eCORRE) Complex, a place where evidence for recycling’s potential is written on the corrugated steel walls. With close proximity to the second busiest port in the world, the firm has proposed a building made from 65 shipping containers. The eCORRE complex would boast a slew of sustainable innovations including a botanical garden “green roof” and the incorporation of reusable energy sources.
“[The project] re-adapts the shipping container as core building elements and implemented sustainable strategies to educate its visitors and users about “green” building practices,” said Jesus Eduardo Magaña, a senior collaborator at APHIDoIDEA. “We separated the structure and the space design from the container itself…at the same time we utilized its two best elements: its design modularity and the durability of its material.
Building a more sustainable future using the power of design.
Through a global network of building professionals, Architecture for Humanity brings design, construction and development services to communities in need.
Construyendo un futuro más sustentable a través del poder del diseño.
Mediante una red global de profesionales de la construcción, Arquitectura para la Humanidad brinda diseño, construcción y servicios de desarrollo a las comunidades que lo necesitan.
En un año que muchos profetas del desastre anuncian como del «fin del mundo», basándose en la manipulación sin tapujos de algunos hallazgos arqueológicos y cientos de supercherías, nada mejor para los arquitectos y quienes aman la arquitectura que incluir un propósito de Año Nuevo que ayude al Diseño de un Mundo Mejor, Solidario y Sostenible. Arquitectura para la Humanidad – Architecture for Humanity puede ser un excelente canal para movilizar positivamente estos propósitos.
El prestigioso arquitecto ha presentado el proyecto definitivo, con un coste global de 77 millones que incluyen el soterramiento del tráfico y la ubicación de su obra en el muelle de La Albareda.
P. Chato T. Cobo / SANTANDER
Emilio Botín y Renzo Piano junto a una maqueta del Centro de Arte Botín en la sede de la Fundación. Foto: Fundación Botín
La construcción se desplaza unos cien metros hacia la Estación Marítima, de manera que la famosa Grúa de Piedra santanderina se mantiene en su actual ubicación. El arquitecto ha asumido algunas de las ideas de los santanderinos, lo que, según subrayó, «no es una debilidad, es una fortaleza». Además de con el Banco Santander, el edificio formará eje con el Mercado del Este. El Centro Botín «volará» sobre la Bahía y la luz del mar reverberará sobre las «más de 300.000 piezas de cerámica de la piel que cubrirá la fachada».
Piano explica que su obra «volará» sobre la bahía tendrá una ‘piel’ de cerámica y un coste global de 77 millones que incluyen el soterramiento del tráfico
El Centro de Arte que la Fundación Botín proyecta para Santander permitirá ampliar los Jardines de Pereda en cerca de dos hectáreas, lo que supondrá una oportunidad única para la capital cántabra.
Ubicación y contexto urbano, Centro de Arte Botín, Santander – Renzo Piano Building Workshop (Imagen Cortesía Fundación Botín)
Así lo explicó hoy el director general de la institución, Íñigo Sáenz de Miera, en un encuentro con los medios de comunicación. El director, que disculpó al presidente de la Fundación, Emilio Botín, ofreció una rueda de prensa acompañado por el autor del proyecto, el arquitecto Renzo Piano, quien dijo que para una persona de su profesión “es muy importante hacer edificios que la gente quiera”.
Tras una reflexión y un periodo en el que Renzo ha sabido escuchar y conocer a esta ciudad y a sus habitantes – apuntó Sáenz de Miera – el proyecto ha evolucionado hasta desplazarse de la ubicación presentada el 16 de septiembre en 100 metros. Se plantea ahora en línea con el centro del Mercado del Este e incluye soterrar el tráfico, ganando para los Jardines de Pereda un total de 19.000 metros cuadrados que permitirán su unión con el mar, en una integración Puerto-Ciudad.
Santander, (EFE).- La Fundación Marcelino Botín expondrá durante un mes planos y maquetas del futuro Centro de Arte Botín que reflejan la evolución del proyecto para que los cántabros lo conozcan y, desde el conocimiento, lo amen, se sientan orgullosos de él y lo acaben «adoptando».
El horario diario de apertura será de 10 a 20 horas, ininterrumpidamente, salvo los días 24, 25 y 31 de diciembre y 1, 5 y 6 de enero, que será sólo por la mañana, de 10 a 15 horas.
Planos, alzados, maquetas, fotografías, bocetos del antes y el ahora del Centro de Arte que la Fundación Botín proyecta para Santander pueden verse en la sede de la institución, en la calle Pedrueca de la capital cántabra, desde el viernes 23 hasta el domingo 22 de enero.
Maqueta del Proyecto actualizado – Renzo Piano Building Workshop (Imagen Cortesía Fundación Botín)
Tres libros sobre la obra de Renzo Piano que puedes comprar en Amazon.es:
El último proyecto del estudio holandés son dos torres en Corea del Sur que se unen mediante un volumen calado de diez niveles a la altura del piso 26. Reubicar el basamento y liberar la planta baja.
De noche. La nube se recorta contra el perfil urbano de Seúl (Gentileza MVRDV). Arquitectura Clarín.com
A la entrada del Yongsan Dreamhub, una urbanización ubicada en el distrito comercial de Seúl, se erigirá el último proyecto de MVRDV. La nube es un complejo de dos torres unidas en su piso 26 por un volumen de diez niveles, y es un ejemplo de cómo los intereses teóricos del estudio holandés encuentran un lugar dentro de su obra construida. En este caso, su búsqueda se orienta en dos direcciones: cómo generar espacios más amplios y variados al nivel de la calle y cómo producir alteraciones a la tipología tradicional de la torre en altura. Fue así que decidieron materializar las funciones que generalmente se desarrollan en el basamento en un bloque a más de 100 metros de altura, liberando la planta baja para que la paisajista inglesa Martha Schwartz diseñe un jardín urbano, una adición a la ciudad y a los peatones.
Las torres no son iguales en altura: una mide 260 metros y tiene 54 pisos, mientras que la otra alcanza los 300 metros con 60 pisos. Los departamentos varían en superficie desde los 80 m2 hasta los 260 m2, todos con acceso desde el lobby. Al tener una planta cuadrada, las unidades se ubican en los cuatro vértices, asegurando ventilación cruzada y una amplia cantidad de luz para todos los locales. Mediante ascensores exprés se accede desde la planta baja al volumen transversal, donde a lo largo de diez niveles se puede ubicar un gimnasio y un centro de convenciones, como así también varias piletas, restaurantes y cafés.
Hay quien, ante la imagen superior, se retrotrae a los atentados del 11-S en Nueva York, en el momento en que las Torres Gemelas explotaron por el impacto de los aviones.
Un malentendido que ha suscitado polémica entre internautas, especialmente en Estados Unidos, y que ha llevado a pedir disculpas al estudio de arquitectura responsable de este proyecto, titulado ‘The cloud of Knoweledge‘ (‘Nube del conocimiento‘) porque eso es lo que dicen que les inspiró.
El estudio holandés MVRDV añade que el polémico diseño responde a la vocación de esta firma por experimentar con «Ciudades elevadas» para «reinventar» el concepto de rascacielos.
Y remite a la imagen de la derecha – la de la nube que cubre el centro de unos rascacielos -, también colgada en su web, como parte de su proyecto, para justificar que fue se ideó «basándose en parámetros como la luz del sol, los espacios abiertos y la calidad de vida para los habitantes de ciudades».
«Ni fue nuestra intención crear una imagen que se asemeja a los ataques ni nosotros hemos percibido esa semejanza durante todo el proceso de diseño. Mostramos nuestras más sinceras disculpas a todos aquellos cuyos sentimientos hayamos herido porque no era nuestra intención», señalan.
Prototipo de pantalla OLED de 3,8 cm de diagonal. Wikipedia
La tecnología también va cambiando el modo en que iluminamos edificios y viviendas. Las nuevas soluciones son más ligeras, adaptables y eficientes. De hecho, el 20% de la electricidad que se consume en el mundo va a la iluminación.
Cuando todavía no hemos iluminado las viviendas con bombillas LED, ya se anuncian modos revolucionarios de dar luz al hogar.
Sorprendente es el nuevo material flexible con forma de hoja transparente con diodos en su interior, que se pueden utilizar como azulejos para iluminación. Científicos del Centro de Holst en Eindhoven (Holanda) lo han llamado OLED (diodo orgánico emisor de luz).
OLED es pariente del LED, diodo de material semiconductor que emite luz al aplicar una tensión eléctrica, y que se utiliza para componer imágenes en pantallas de diversos instrumentos, como calculadoras y relojes digitales. La característica principal del OLED es que se enrolla como un pliego de papel y sus aplicaciones son de lo más variadas.
A desarrollar por la industria
Sus autores señalan que se puede utilizar como azulejos luminosos o como tiras para poner en las ventanas de las casas y en las oficinas que además se pueden programar para simular el amanecer y el atardecer.
Casi mágicos, los OLED pueden disolverse fácilmente y rociarse sobre una delgada hoja de plástico flexible con un proceso similar al sistema tradicional de impresión de periódicos.
Investigadores de todo el mundo están trabajando con compañías privadas como la estadounidense General Electric o la japonesa Fuji para mejorar la eficiencia y los costos de esta nueva tecnología que además de innovadora podría ayudar a ahorrar electricidad.
Con el Teatro Coliseo a pleno, el arquitecto holandés de MVRDV brindó una conferencia donde predominó el público joven. Una lección de arquitectura bajo el lema «What´s next?» aplicado a su pensamiento y obra.
Para Winy Maas, inventar espacio y prever el futuro de la ciudad –y de las ciudades- son, hoy, problemas “clave”, y el arquitecto debe lidiar con ello. Como él mismo señaló “necesitamos más bosques, más terrenos, más espacio… tenemos que pensar qué hacer con la arquitectura para lograrlo”. A la luz de esa premisa, temas como la densidad, la mezcla o el mestizaje funcional y la monumentalidad -recurrentes en la práctica de MVRDV (M por Maas, VR por van Rijs, DV por de Vries) alcanzan nuevas connotaciones que afectan a la operatoria proyectual – el cómo se proyecta en los tiempos de “copiar y pegar” -, al lenguaje arquitectónico, y al diseño, control y carácter de los vacíos.
Durante su visita a Buenos Aires, Winy Maas conversó con ARQ acerca de los temas que hacen a la particular filosofía de MVRDV.
Winy Maas, referente de MVRDV y creador de The Why Factory -una suerte de fábrica de pensamiento sobre la arquitectura- dio su conferencia magistral en un Teatro Coliseo a pleno con una enorme audencia de público joven.
Visto a la distancia, sus ideas y proyectos pueden parecer un tanto útopicos pero todo se aclara cuando se lo escucha relatar -casi con euforia- cada uno de sus proyectos. Desde un lugar donde no deja duda de que la arquitectura para él está al servicio de la sociedad y que puede mejorarla y cambiarla, Maas replantea en su discurso todos y cada uno de los preconceptos y clichés de la arquitectura contemporánea: «La densidad de la ciudades es buena para las personas», «Los edificios verdes son feos», «Hay que abolir lo retro y el historicismo», «La vivienda social no les interesa a la arquitectos famosos», etc., etc….
Agradezco el envío realizado por correo electrónico sobre esta publicación gratuita con material de excelente calidad, transcribo a continuación parte de lo indicado en la nota de prensa correspondiente.
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MAA Armstrong Acústica en Arquitectura de Oficinas
Inspirados por la película The Tree Lover – Trädälskaren (2008), del director Jonas Selberg, la empresa suecaTreehotel inició hace algún tiempo un proyecto que puede cambiar el futuro de la arquitectura. El Mirrorcube –»Cubo de espejo«, 277.000 €– es ni más ni menos que un cubículo construido con los más modernos materiales – y los más clásicos, como la madera – para conseguir así un efecto único. En un entorno totalmente natural se emplazan estos cubos habitables que destacan por estar recubiertos de un cristal especial fabricado con la última tecnología que permite aislar del ruido y la climatología el interior del habitáculo.
Al tratarse de un material tipo ´espejo´ todo el entorno se refleja en la superficie de la estancia, con lo que no produce ningún impacto paisajístico.
Complejas fórmulas matemáticas realizadas con súper ordenadores han posibilitado el uso de cables de acero que sujetan cada uno de estos futuristas cubos para así poder aguantar sin problemas cualquier inclemencia climatológica.
"1001 Nights" private dwelling by architects A-Cero - Gizmag
Madrid-based A-Cero architects are a big deal in Spain with public and residential projects across the country plus South America and the Middle East. Lead architect and principal Joaquin Torres is bit of a celebrity and recently appeared on Spanish TV’s equivalent of «The Secret Millionaire» (giving away money of course, not receiving it). Unashamedly modernist, the A-Cero house style generally involves sweeping curved gestures in gleaming white. With the latest residential project however, Joaquin seems to have embraced the dark side and produced a dwelling of such stunning brutality and «otherness» that it could easily be an alien fortress on a distant planet. We love it. It’s also one of the few buildings that actually looks good illuminated by multi-colored LEDs.
La Casa de la Arquitectura de Roma recuerda este viernes con una exposición a uno de los arquitectos más representativos de América Latina, el colombiano Rogelio Salmona, fallecido hace 4 años.
Se trata de la segunda exposición que se realiza en la sede romana, después de la organizada en el 2007 e inaugurada pocos días antes de su fallecimiento con más de 28 proyectos y 126 fotografías que ilustraban 50 años de labor.
Con el título «Rogelio Salmona: la poesía del espacio que continúa en el tiempo«, la muestra presenta videos y programas interactivos con los proyectos que el arquitecto dejó preparados.
«Es una exposición muy visual, digital, que ideamos especialmente para Roma, con el objetivo de hacer conocer su última producción», explicó a la AFP María Elvira Madriñan, viuda y estrecha colaboradora de Salmona.
Considerado como el gran arquitecto del último siglo en Colombia y único profesional latinoamericano que ha sido galardonado con el premio Alvar Aalto, entre las mayores distinciones de la arquitectura,
Salmona trabajó siempre por un nuevo espacio, empleando nuevos materiales y nuevas técnicas.
«Salmona tiene no sólo un conjunto sorprendente de proyectos, sino algo más importante: una obra. De manera persistente ha mantenido a través de los años una serie de inquietudes, intenciones y propuestas de carácter universal que ha enfrentado desde su ámbito local», sostiene la fundación.
Archivo General de la Nación. Bogotá, Colombia. Wikipedia
La Casa de la Arquitectura de Roma recuerda con una exposición a uno de los arquitectos más representativos de América Latina, Rogelio Salmona, fallecido hace 4 años.
Casi la mitad de los espacios del edificio fueron renovados 25 años después de ser fundado; la reinauguración será el 20 de octubre.
North side of Orsay Museum building. This panorama is made of three pictures stitched with Hugin - Wikipedia
PARIS (AFP).- Veinticinco años después de ser creado y tras una amplia renovación, el museo de Orsay de París va a revelar al público, el 20 de octubre, su nuevo rostro, que permite apreciar bajo una nueva luz sus joyas impresionistas, como las bailarinas de Degas y las amapolas de Monet.
Según el presidente del museo, el historiador de arte Guy Cogéval, la renovación efectuada en casi la mitad de los espacios del edificio, una antigua estación de ferrocariles, que acoge desde hace 25 años una de las colecciones del arte del siglo XIX más importantes, equivale a un verdadero «renacimiento».
«Almuerzo en la hierba», de Manet, «Los jugadores de cartas», de Cézanne, las bailarinas del Moulin Rouge retratadas por Renoir, ya no cuelgan en los estrechos corredores de color beige donde se agolpaban los visitantes para admirar esas obras maestras, que estaban iluminadas sólo por la luz del sol.
Ahora, esos lienzos resurgen en todo su esplendor en una nueva galería, más íntima e iluminada por una luz artificial que reproduce toda la riqueza de la luz del sol, y que permite capturar los matices en el colorido de las obras maestras expuestas.
Y el elegante color gris antracita de las paredes -que cambia de matiz según la luz- es el fondo perfecto para que resalten la luminosidad y los detalles de los lienzos de los pintores impresionistas, se comprueba en una visita al museo ubicado en la margen izquierda del Sena.
Esa galería impresionista, ubicada en el quinto piso del nuevo museo y que ha sido diseñada por el arquitecto francés Jean-Michel Wilmotte, es la joya de los trabajos de renovación del museo.
El arquitecto explicó durante una visita al museo que la «búsqueda de la luz y del color» fueron las principales preocupaciones que guiaron la renovación del museo, que requirió grandes negociaciones y que costó unos 20 millones de euros. Unas dos terceras partes de esa suma fue financiada por el museo mismo, y el resto por el Estado.
El Museo de Orsay fue enteramente renovado para dar más fluidez y coherencia a las visitas. Inaugurado hace 25 años en el antiguo edificio de una estación de trenes, con el paso del tiempo los cambios parecían indispensables. Este espacio, consagrado al arte del siglo XIX, con los pintores impresionistas como emblema, recibe más de 3 millones de visitantes por año.
Musée d'Orsay, interior del museo con la sala principal. Wikipedia
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