Castellón, (EFE).- La «marca paraguas» del azulejo y la cerámica español Tile of Spain participa por primera vez en MADE, la feria de arquitectura y edificación de Milán, donde expondrá la instalación «Fluidity» con las innovaciones del sector para la arquitectura.
La instalación “Fluidity” mostrará las principales innovaciones del sector español para la arquitectura. http://www.ascer.es
Según ha informado la patronal cerámica (ASCER) en un comunicado, las baldosas y azulejos españoles estarán presentes en el recinto ferial de Rho-Pero en Milán (Italia), durante los cuatro días del certamen que se celebra del 5 al 8 de octubre.
La instalación «Fluidity», promovida por Tile of Spain en colaboración con el ICEX y la Oficina Económica y Comercial de España en Milán, interpretará las múltiples posibilidades que la cerámica ofrece para la construcción sostenible en las ciudades actuales.
Con la instalación se transmitirá a los profesionales de la arquitectura más innovadores que pueden materializar sus proyectos más creativos con Tile of Spain.
El espacio «Fluidity» es un concepto diseñado por el arquitecto valenciano José Ramón Tramoyeres para cuya construcción han facilitado sus productos las firmas españolas Tau, Ceracasa, Natucer, Cerámica Decorativa y Cerámicas Mayor.
La iniciativa surge como respuesta a la necesidad actual de una mayor articulación entre los espacios públicos y los espacios privados, entre interior y exterior y que sea capaz de generar nuevas sinergias, dinamizar los espacios urbanos y poner en comunicación la ciudad con sus habitantes.
Imágenes by designboom.com Renders by arquitecto José Ramón Tramoyeres Green Geometries Laboratory Web de CERACASA
Fluidity utiliza las características de la cerámica para dar una respuesta a tal necesidad, generando elementos urbanos con una doble piel: una piel exterior, con piezas que purifican el aire, y una interior, construida a base de tubos de cerámica extrudida.
Ramin Talaie for The Wall Street Journal - Student Peter Spalding works on designs at the Beaux-Arts Atelier, which emphasizes the importance of knowing how to draw and paint the elements of classical architecture
Two blocks from the stately columns, arches and sculptures of Grand Central Terminal, a rogue band of architects is engaged in a retrograde venture: They’re teaching a new generation how to draw and paint the elements of classical architecture — all those columns, arches and sculptures — with nothing more than pencils and paints on paper. No computers. Ever.
«If you don’t understand the tradition profoundly, you can’t turn it on its head,» said the program’s director, Richard Cameron.
The Beaux-Arts Atelier, a one-year program inaugurated in September, is run by the Institute of Classical Architecture and Art, a 20-year-old nonprofit devoted to keeping the classical tradition alive. Located on West 44th Street between Fifth and Sixth avenues—a block lined with such notably classic facades as the New York Yacht Club and the Harvard Club—the Institute houses both the Beaux-Arts Atelier and the Grand Central Academy of Art, a four-year art school founded in 2006 with a focus on methods taught from the 15th to 19th centuries.
The Beaux-Arts Atelier has capacity for just 12 students. The inaugural class includes eight pioneers (some applicants deferred for next year) who will study an academic, figurative method that has its roots in the Ecole des Beaux-Arts, the French school of art and architecture that dates to the 17th century. Their courses, taken in five six-week terms, will include Geometry and Proportion, Study of New York Buildings, and Drawing and Drafting. They’ll learn how to draw and sculpt the human form from instructors within the Grand Central Academy of Art.
While a formal architecture degree takes years to obtain and trains students to design buildings, this one-year program teaches them how to be artists, with a working knowledge of classical forms, in the service of design. Though this was once standard training in architecture, it began to recede from academia as the modernists of the early 20th century rejected it.
«The Bauhaus and its followers thought it was a terrible way to train. They systemically got rid of it,» said Mr. Cameron. «In addition, they indoctrinated their students to believe that it was a bad thing.»
Único. Uno de los arquitectos más reconocidos mundialmente mostrará en Monterrey su trabajo a través de bocetos y planos. Fotos: Vanguardia - Cortesía
Bocetos, dibujos, planos, maquetas de los proyectos que desde 1960 ha desarrollado el arquitecto estadounidense Richard Meier serán mostrados en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey.
MONTERREY.- MARCO inaugurará el próximo 20 de octubre la exposición “Richard Meier: Retrospectiva”, un vistazo al trabajo que ha realizado el arquitecto a lo largo de su fructífera carrera.
En total son trabajos de 14 proyectos que incluyen lo mismo complejos turísticos, como edificios públicos y viviendas particulares.
La muestra estará integrada por 140 piezas, que muestran todo el proceso que hace Meier para la concepción de cada una de sus obras.
Cuatro salas sólo para él
La exposición, que cuenta con la curaduría y museografía del propio Meierestará instalada en las cuatro salas de la planta baja del recinto.
Meier es uno de los arquitectos más reconocidos a nivel mundial por el premio Pritzker, que recibió en 1984. Nació en 1934 y ha trabajado para diferentes firmas internacionales. Abrió su estudio en 1963 y a lo largo de su carrera ha seguido una línea determinada y permanente en sus proyectos.
Los edificios que ha construido tienen un estilo inconfundible en donde tienen la misma importancia la claridad de las líneas, la armonía, los espacios y la luz.
Su primer trabajo reconocido a nivel internacional fue en 1960 gracias al proyecto de la casa Smith, Darien en Connecticut.
Richard Meier en el festival de cine de Tribeca en 2009. Wikipedia
Monterrey, NL. Maquetas, bocetos, renders, fotografías y una variada selección de objetos de diseño industrial realizadas por el arquitecto estadounidense Richard Meier (1934), serán exhibidas a partir del 20 de octubre en el Museo de Arte Contemporáneo (Marco), de esta ciudad.
A manera de homenaje, el recinto albergará las obras más emblemáticas del reconocido arquitecto, quien en 1963 abrió su propio estudio y desde un principio ha seguido una línea determinada y permanente en sus proyectos.
Desde el principio, Meier ha seguido una línea determinada y permanente en sus proyectos. Ha dejado de lado las tendencias pasajeras y las modas, y se ha mantenido fiel a sus ideas.
Aunque sus edificios más recientes muestran un refinamiento respecto a los iniciales, siguen siendo de un mismo estilo inconfundible, en los que Meier concede siempre la misma importancia a la claridad de líneas, a la armonía, a los espacios y a la luz. La organización de sus edificios se basa en tramas geométricas que obedecen a condicionantes de su entorno, y le ayudan en el ordenamiento de los espacios interiores y exteriores. En su inmensa mayoría, los edificios de Meier son blancos, el color que considera el más puro ya que reúne a todos los demás y va cambiando de tonalidad durante el día.
Mi comentario: es uno de mis arquitectos favoritos. Tuve el honor de conocer a Richard Meier en una conferencia que dicto en el complejo Galería de Arte Nacional – Museo de Ciencias de Caracas del Parque Los Caobos (otra pieza arquitectónica de gran nivel, legado del Maestro José Miguel Galia) – durante mis días de estudiante, incluso conversar con el unos minutos.
Por mucho tiempo tuve en mi pared un hermoso afiche de su exposición – visita – conferencia autografiado y dedicado; se perdió en tanta mudanza. Arquitecto con una personalidad impactante, culturalmente una esponja. Hizo descriptivos y pedagógicos relatos de sus visitas a los «Bloques de El Silencio» y la «Quinta Anauco«, pese a que apenas permaneció en la ciudad por unas horas, con motivoe la celebración del Día del Arquitecto (4 de julio en Venezuela) Recuerdo su elogio de la arquitectura de Carlos Raúl Villanueva y su respuesta al trópico con galerías, columnatas, patios – algo muy propio de la esencia de la arquitectura española tradicional y que tanto muro cortina y fachadas acristaladas parecen querer que olvidemos ;-(
Iglesia de IESU, vista desde el Parque de la Memoria en la Avda. de Barcelona de Donostia San Sebastián. Obra de Rafael Moneo. Simoncio - Wikipedia.
Una muestra en Rezola revela cómo se construyó la parroquia Iesu en Riberas de Loiola. El edificio se completa en diciembre con la inauguración del supermercado. «El templo no se mezcla con los mercaderes», ironiza el arquitecto.
MITXEL EZQUIAGA | SAN SEBASTIÁN.
«Hace falta mucha obstinación y resistencia para terminar una obra y demostrar a los demás, y a uno mismo, que las ideas que tenías en la cabeza funcionan en la realidad». Lo decía ayer Rafael Moneo a propósito de su iglesia construida en el barrio donostiarra de Riberas de Loiola. El arquitecto navarro está feliz porque ese edificio tiene ya vida propia, «tomado» por los vecinos. Y cuenta con alegría el número de bodas, bautizos y comuniones que se han celebrado en la iglesia desde su inauguración, el pasado mayo.
Moneo buscó conceptos como simplicidad, pureza, recogimiento o escala humana al idear ese proyecto encargado por la diócesis donostiarra. Todo el proceso necesario para construir la iglesia queda ahora reflejado en la exposición inaugurada ayer en Museum Cemento Rezola, en Añorga, que permanecerá abierta hasta el 15 de enero. Maquetas, planos y textos permiten descifrar el ‘making of’ de ese tercer proyecto que lleva la firma de Moneo en San Sebastián, tras el Edificio Urumea y el auditorio Kursaal.
Una lección de arquitectura
Fue una inauguración alejada de los formalismos y convertida en una lección de arquitectura gracias al espíritu de este creador poco amigo de los convencionalismos. Los responsables de la empresa Rezola, que ha tenido un papel fundamental en la construcción del templo, ejercieron de anfitriones para Rafael Moneo, los promotores del barrio de Riberas que han colaborado en la financiación de la iglesia y numerosos arquitectos guipuzcoanos también estuvieron allí.
Y ahí estaban también el alcalde de San Sebastián, Juan Karlos Izagirre, con ediles del Ayuntamiento como Eneko Goia o José Luis Arrúe. Todos ellos escucharon cómo Moneo fue contando el proceso de creación del edificio apoyado por diferentes imágenes. Al final el propio alcalde mostró su entusiasmo por lo escuchado. «He aprendido mucho y a partir de ahora veré ese edificio con otros ojos».
La exposición: ‘Moneo, parroquia para Riberas de Loiola, Iesu‘, estará abierta hasta el 15 de enero. Ha sido realizada en colaboración con el estudio del arquitecto.
La Iglesia de Iesu (nombre griego de Jesús) es un templo católico de estilo moderno y diseño minimalista, construido en el siglo XXI y sito en la “Avda. de Barcelona” en el barrio de Riberas de Loiola de Donostia-San Sebastián. Ubicada en la margen izquierda del rio Urumea junto al Jardín de la Memoria, las obras dirigidas por el arquitecto Rafael Moneo duraron cuatro años y el edificio se termino de construir en la primavera de 2011, consagrándose al culto en ceremonia presidida por el obispo José Ignacio Munilla Aguirre el 14/05/2011.12345
· El arquitecto navarro recorre en esta exposición todo el proyecto de su singular templo donostiarra, en la que ha participado FYM-Italcementi con un innovador recubrimiento.
El Museo de Cementos Rezola repasa a través de maquetas y fotografías la construcción de la iglesia donostiarra de Iesu, diseñada por el arquitecto navarro
Acuso recibo de esta muy interesante información – a la vez que lamento no poder asistir a este Evento de «mis vecinos del otro lado del Río (de la Plata)»
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de naturaleza frágil el tiempo del paisaje en la ciudad contemporánea, es la temática elegida para este año.
El Seminario Montevideo, es un encuentro anual de reflexión colectiva que aborda, desde las distintas escalas del proyecto, la problemática de la Arquitectura, la Ciudad y el Territorio. Promovido por la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la República, y co-organizado por ésta, junto a la Intendencia Municipal de Montevideo y varios Ministerios del Gobierno Nacional, el Seminario Montevideo se encuentra instalado desde 1998 como evento de referencia firme e ineludible con relación al pensamiento sobre la Ciudad de Montevideo y su Área Metropolitana. El Seminario invita anualmente a profesionales de renconocimiento internacional que, desde su mirada externa, libre y desprejuiciada, colaboran con la construcción de una visión amplia y profunda sobre temas vinculados al proyecto del habitat que interpelan tanto a la academia como a los distintos actores y organismos de gestión urbana.
BALTIMORE, PRNewswire via COMTEX/ — The majority of architects and interior designers, 87% and 86% respectively, acknowledge that they are concerned with how products are manufactured with regard to sustainability, according to new research released today by IMRE. The research showed that the number of sustainable projects performed by architects and interior designers is projected to rise in the next year, and that sustainable products are often associated with higher cost.
These are some of the results released from the survey in which 812 architects and designers responded to an online survey fielded between September 19 and 23, 2011. The survey was spearheaded by IMRE, a full-service marketing agency specializing in the Home & Building industry, in conjunction with the American Institute of Architects (AIA) and the American Society of Interior Designers (ASID).
Doubts are cast on manufacturer claims about sustainable products.
The way architects and interior designers view manufacturers’ claims that their products are sustainable reveals that brands need to re-focus their marketing efforts to make their claims more convincing.
While most architects and interior designers pay careful attention to manufacturers’ sustainability claims, both are similarly skeptical when asked if they are confident that products referred to as «sustainable» actually are.
40% of architects and 34% of interior designers are «uncertain» if products claiming to be sustainable are actually sustainable.
Construction nears completion July 28, 2011, on the 250,000-square-foot Logistics Distribution Center for Defense Logistics Agency Distribution Europe, headquartered in Germersheim, Germany .
Almost 22% of architects and 11% of interior designers are «somewhat» or «not at all confident» that products are actually sustainable.
Only 2% of architects and 3% of interior designers are «completely confident» in manufacturers’ claims that products are actually sustainable.
La idea es volver asequible una vivienda decente para millones de pobres.
Este es el modelo de vivienda, modular y resistente a sismos con intensidades de hasta 8 grados. Foto: Archivo Portafolio.co
Los arquitectos del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT) trabajan intensamente en el diseño de unos modelos de vivienda para los más pobres, cuyo costo no exceda los mil dólares.
“De la misma forma como unos ingenieros tomaron la iniciativa de fabricar computadores de 100 dólares para llevar mejor educación a los niños sin recursos económicos, nosotros trabajamos en hacer viable la construcción de vivienda decente para las familias más pobres”, sostuvo el director del Centro de Arquitectura de MIT, Tony Ciochetti.
La idea de hacer casas baratas y seguras, le surgió desde hace tres años, luego del terremoto que sacudió a la provincia de Sichuan (China), y de observar de primera mano las precarias condiciones de vivienda en las zonas rurales de India, donde la gente se alberga en chozas con piso de tierra.
El primer prototipo fue idea del alumno recién graduado, Ying Chi Chui, quién construyó un prototipo en el pueblo de Mianyang, en dicha zona.
Bajo el concepto de un sistema modular, la primera casa quedó lista para resistir sismos de hasta 8 grados de intensidad.
Inspired by MIT’s much-publicized One Laptop Per Child, the program sought an affordable housing solution for areas hit by natural disasters. And like OLPC, it revised its target price.
It has a modular layout, with rectangular room units surrounding a central courtyard space - via PSFK
Mi Opìnión: hace dos o tres días que leí esta interesante noticia, pero reservé su inclusión en mi Blog para hoy, precisamente, por ser el Día Internacional de la Arquitectura y el Hábitat. Ya en su momento el Maestro del Media Lab, Nicholas Negroponte, revolucionó el mundo digital con su «One Laptop per Child» de 100 dólares o menos; ahora con un dígito más a la derecha, es el turno de sus colegas de Universidad para dar oportunidades de techo digno a los más necesitados.
Esa moderna academia situada en el barrio de Brixton, al sur de la capital, se llevó la dotación de 20.000 libras (unos 23.000 euros) al ser elegida mejor edificio nuevo construido en Gran Bretaña u otros países de la Unión Europea, siempre que hayan sido diseñados por colegios de arquitectura con sede principal en este país.
Se trata de un instituto de secundaria diseñado por el mismo equipo de arquitectos que logró ese mismo galardón el pasado año por el nuevo museo de arte contemporáneo Maxxi de Roma.
La Evelyn Grace Academy es un edificio estilizado de cristal y acero con un diseño que, según apuntaron los jueces del RIBA, «hace que los niños corran al colegio cada mañana«. Es la primera escuela que gana este galardón aunque en el pasado otros siete edificios de colegios fueron finalistas.
Para Zaha Hadid Arquitects es la primera vez que se embarca en el diseño de un colegio y es también su primer proyecto a gran escala en el Reino Unido. Previamente, Hadid se encargó de diseñar un centro en Escocia, un museo en Glasgow y el Centro Acuático para los Juegos Olímpicos de Londres 2012.
Según señaló Angela Brady, la presidenta del panel de jueces, en la ceremonia celebrada la noche del sábado, la Evelyn Grace Academy «constituye un ejemplo excepcional de lo que se puede lograr cuando invertimos de forma cuidadosa en un nuevo edificio para un colegio bien diseñado».
Architect: Zaha Hadid Architects Client: ARK Schools Photographer: Luke Hayes - RIBA
This year is the first time the shortlist includes practices who have all previously been shortlisted for the RIBA Stirling Prize; and also includes two RIBA Stirling Prize winners: David Chipperfield Architects and Zaha Hadid Architects.
To reach the RIBA Stirling shortlist, the RIBA Awards Group study the recent RIBA Award winners and produce a list of the best buildings. This is based on reports from the juries that visited them in the earlier stage.
The Awards Group go on to visit all UK based buildings (as EU visits have already taken place). Listed below are all the buildings that were chosen for this stage and competed for the final six places:
Sandal Magna School, Sheffield – Sarah Wigglesworth Architects
Wise Building, Machnynlleth – David Lea & Pat Borer Architects
Apex and Arc, Bury St Edmunds – Hopkins Architects
Marshland Discovery, Rainham Marshes – Peter Beard_LANDROOM
Circle Bath Hospital – Foster and Partners
Kendrew Quad, Oxford – MJP Architects
Rothschild Foundation, Waddesden – Stephen Marshall Architects
Sevenoaks School – Tim Ronalds Architects
Ravensbourne College – Foreign Office Architects
Bear Lane – Panter Hudspith
Chelsea Academy – Feilden Clegg Bradley Studios
Raven Row – 6a Architects
One New Change – Atelier Jean Nouvel with Siddell Gibson
City of Westminster College – schmidt hammer lassen architects
Harbour Island Appts, Copenhagen – Lundgaard & Tranberg
SEB HQ, Copenhagen – Lundgaard & Tranberg
Faustino Winery, Spain – Foster and Partners
About the Stirling Prize Now in its sixteenth year, the RIBA Stirling Prize in association with The Architects’ Journal and Benchmark is awarded to architects of the best new European building ‘built or designed in Britain’.
The Evelyn Grace Academy, London by Zaha Hadid Architects has won the prestigious £20,000 RIBA Stirling Prize 2011.
This is the second year running that Zaha Hadid Architects have won the RIBA Stirling Prize; last year winning with MAXXI Museum of 21st Century Art in Rome.
PULLMAN, Wash. – The new Museum of Art/WSU exhibit «Art for Architecture” seems larger than life. And the patrons assembled for the opening reception Thursday, Sept. 29, could be described that way too.
Jim Olson FAIA
The retrospective of architect Jim Olson’s career drew artists, architects and art collectors from Seattle and New York City. The show is an example of how Chris Bruce, director of the museum at Washington State University, is using his connections in the art world to debut top-flight exhibits in Pullman.
The exhibit also shows how art connects with other aspects of higher education at WSU, said eminent Northwest architect Olson. He said his work brings together the disciplines of landscape architecture, interior design, architecture and art.
The art/architecture connection has been appreciated by his art collector clients, some of whom were at the reception.
Jeff Brotman, co-founder and chairman of the board of Costco, called Olson«a genius.”
Olson remodeled the Brotman’s 1950s Lake Washington home three times before it was torn down to make room for their new Olson – designed home. It boasts 22-foot ceilings and natural lighting to showcase the art they have collected for more than 30 years.
Olson made trips to Pullman to consult with Bruce during the nine months the exhibit was in the works. Owners of Olson-designed homes contributed some of their art for the show.
September 30-December 10, 2011 Reception: Thursday, September 29, 6 pm, Lecture: 7 pm in CUB Auditorium
The Museum of Art/WSU is proud to present a career overview of one of the Northwest’s most significant architects, Jim Olson.
Olson has long been inspired by the relationship of architecture, art and nature. A primary focus of his work is creating residences for major art collectors. The interplay between interior space for display and exterior view is a signature element in Olson’s design approach. A graduate of the University of Washington department of Architecture, Jim established his own firm in Seattle in 1966 and the office has since grown into a diverse practice with an international reputation, now known as Olson Kundig Architects. Jim was the recipient of the 2007 Seattle American Institute of Architects Medal of Honor, and the firm won the National AIA Firm of the Year Award in 2009. Along with Olson’s numerous built designs for major art collectors around the world, is the recently opened “Lightcatcher Building” for the Whatcom Museum in Bellingham, Washington.
El Braccio di CarloMagno del Vaticano acogerá a partir de este jueves la exposición ‘Gaudí y la Sagrada Familia de Barcelona. Arte, ciencia y espiritualidad’, una muestra que reflexiona sobre la relación del arquitecto catalán con el arte y la trascendencia.
A través de su recorrido, que ocupa una superficie de 800 metros cuadrados en el lateral de la plaza de San Pedro, el visitante podrá conocer la historia y la figura artística de Antoni Gaudí y se podrá informar sobre la Sagrada Familia, tanto en sus aspectos técnicos como sobre su mensaje religioso.
Entre los objetos que se exponen destacan maquetas de la época de Gaudí, planos, muebles, fotografías, audiovisuales y objetos litúrgicos diseñados por el propio arquitecto.
El Vaticano también acogerá algunas actividades paralelas que darán a conocer diversos aspectos de la cultura y la Iglesia catalana, como un concierto de la Escolanía de Montserrat y la conferencia ‘Arquitectura: símbolo y sagrado’, a cargo del presidente del Pontificio Consejo por la Cultura, Monseñor Gianfranco Ravasi.
La Fundación Sagrada Familia, la Fundación Joan Maragall y AC/E. Acción Cultural Española, están ultimando los detalles para dar a conocer al Vaticano la obra del gran creador Antoni Gaudí, que cuenta con un reconocido valor artístico y un innegable sello cristiano que se sintetiza en su gran obra: la Sagrada Familia.
A partir de la exposición Gaudí y la Sagrada Familia de Barcelona. Arte, ciencia y espiritualidad, prevista inicialmente para la pasada primavera, el Braccio de Carlo Magno de la Ciudad del Vaticano mostrará la relación entre el arte, la arquitectura y la trascendencia de la mano de Antoni Gaudí.
La exposición, que se podrá visitar –con entrada gratuita- del 24 de noviembre de 2011 al 15 de enero de 2012, está comisariada por Daniel Giralt-Miracle. Paralelamente, y como también estaba previsto inicialmente, se celebrarán en Roma una serie de actividades institucionales y académicas para dar a conocer diversos aspectos de la cultura y la iglesia catalanas – la del tiempo de Gaudí y la actual -.
La nota de prensa completa, con los detalles, se puede descargar clicando en el link
The Moscow Metro is a lesson in Russia’s history and architecture, where you can meet Lenin, Dostoyevsky and Pushkin on your travels.
As you travel on Moscow’s Metro, the history of the city’s past eight decades unfolds before your eyes.
The stations range in design, from palatial baroque marble and granite structures to modern iron and glass, revealing the tastes, ideas, hopes and disappointments of the times in which they were built.
First steps underground
The Moscow Metro dates back to 1931, when its construction began, although engineers Pyotr Balinsky and Evgeny Knorre submitted their first designs to the Moscow City Duma as far back as 1902.
The Duma, which was then made up of wealthy people, was not convinced at first: after all, they lived in the centre of the city and didn’t have to travel in the overcrowded trams. But after five failed proposals, the Duma finally approved the plans and building began.
On May 15, 1935, 18 years after the Bolshevik revolution, the Metro threw open its doors and carried its first passengers down its escalators and on to its new wagons with padded seats (unlike the uncomfortable wooden seats in trams).
Logotipo del Metro de Moscú (en ruso: Московский метрополитен)
The first Metro line – running from Sokolniki to Dvorets Sovetov (now Kropotkinskaya) – was 11km (seven miles) long and had 13 stations. The Metro now has a track of more than 300km with 12 lines and 182 stations, which vary in depth from five to 80 metres. The city plans to add another 120km of track by 2020.
The Lenin rebrand
For the first 20 years of its history, the Moscow Metro was named after Lazar Kaganovich, the “Iron Commissar” and Stalin’s right-hand man, who was in charge of construction of the first stage of the Metro (he blew up the Cathedral of Christ the Saviour in December 1931 as part of the Proletarian Capital project).
In 1955, the Metro was renamed after Vladimir Lenin. Although Russia has long since changed its political path, you can still find the images of Lenin at more than 10 stations, including busts of Lenin at Belorusskaya and Komsomolskaya stations, impressive mosaics at Baumanskaya and Kievskaya, and a tile panel in the passage between the Borovitskaya and Biblioteka Imeni Lenina.
Images of Stalin, which were omnipresent on the Metro in the late Forties, were gradually removed after his death in 1953 and the subsequent denunciation of his legacy.
Architectural eras
Visitas virtuales de las estaciones del Metro de Moscú - CasaRusia.com
The first Metro stations, up until the mid-Fifties, were conceived and built as luxurious “palaces for the people”, great architecture for a great state. Art historians say the richly decorated underground was a deliberate ideological move to eulogise the young Soviet country. Stations built between 1937 and 1955 are characteristic of this first architectural period.
Como se puede ver en las imágenes, las estaciones del metro de Moscú se parecen más a una galería de arte que a las terminales de un tren subterráneo. Y no se trata sólo de una estación bonita, sino que la red del metro moscovita es una gran obra de arte arquitectónica y un atractivo turístico per se.
A pocos les interesaría hacer una visita virtual por el metro de Nueva York o de Londres, sin embargo si no se tiene la oportunidad de hacerlo en persona, vale la pena conocer, al menos virtualmente, el de Moscú.
El Metro de Moscú (en ruso: Московский метрополитен) también conocido como el palacio subterráneo, fue inaugurado en 1935, es el primero del mundo por densidad de pasajeros, transporta alrededor de 3.341.500.000 personas al año y cerca de 9,2 millones de personas lo utilizan al día.2 Tiene 182 estaciones y una longitud de tendido subterráneo de 298 kilómetros (tercero en el mundo después de Londres y Nueva York) con 12 líneas.
En la línea nº 5, con forma de anillo que se cruza con todas las otras, la megafonía indica a los viajeros el sentido en que viaja el tren utilizando voces masculinas cuando avanzan en el sentido de las agujas del reloj, y voces femeninas cuando va en sentido anti-horario. En las líneas radiales, se utilizan voces masculinas cuando los trenes se acercan al centro de la ciudad, y voces femeninas cuando se alejan.
Una de las actividades turísticas habituales en una primera visita a Moscú es la visita a las estaciones de metro más llamativas. A no ser que intencionadamente te hagas la «ruta del metro», normalmente uno las va viendo según pasa por ellas de camino a otros destinos.Si este verano se presenta tu primera visita a la capital rusa, puedes echar un vistazo a los dos sitios web que te proponemos, realmente interesante, para disfrutar de fotos panorámicas y QTVR (realidad virtual) de algunas estaciones del metro moscovita, por si quieres echar un ojo a lo que te encontrarás.
El sitio web donde se puede acceder a las fotografías panorámicas:
The new library across from the Pacific Design Center strikes an appealingly upbeat tone, borrowing from various architectural influences to become one of the most impressive public pieces in the region in a decade.
The new West Hollywood Library features a top level with floor-to-ceiling glass and views of the Hollywood Hills. (Benny Chan / Fotoworks / September 28, 2011) http://www.latimes.com
The new West Hollywood Library, set to open to the public Saturday on a curving stretch of San Vicente Boulevard across from the Pacific Design Center, is a building that offers a freewheeling tour through centuries of architectural history. Explicitly or implicitly, it points back to the work of Charles Moore, Pierre Koenig, Frank Gehry and even Michelangelo. The library includes long expanses of floor-to-ceiling glass, in the great California midcentury tradition, as well as bands of marble and generous helpings of architectural ornament.
Along with computer terminals and shelves full of actual books, it incorporates a pair of parking garages, rooftop tennis courts, murals by the street artists Shepard Fairey and Kenny Scharf and new chambers for the West Hollywood City Council.
Whatever you want to call its style (the first local stirrings of a postmodern revival, maybe?), it sounds altogether too busy and too stuffed with architectural influences to succeed. And yet it does succeed — beautifully.
Designed by Steve Johnson and James Favaro of the Culver City firm Johnson Favaro, the library is one of the seven or eight most impressive pieces of public architecture to open in Southern California in a decade.
After two years of construction and many years of planning, the City of West Hollywood is nearing completion of Phase I of the West Hollywood Park Master Plan which includes the building of the highly-anticipated new West Hollywood Library located at 625 N. San Vicente Boulevard (at Melrose).
Phase I of the West Hollywood Park Master Plan is one of the major components of the City’s 25th Anniversary Capital Project which also includes development of the West Hollywood City Hall Automated Garage and Community Plaza Project and implementation of the Plummer Park Master Plan.
_de_Rafael_Moneo.JPG "Iglesia_de_IESU_en_Riberas_de_Loyola_(Donostia)_de_Rafael_Moneo")
Arquitectonico 
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