(Del lat. ars, artis, y este calco del gr. τέχνη). amb. Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. DRAE.
Es una ocasión que merece un esfuerzo singular, a pesar del crudo entorno económico. Rusia anunció hoy que restaurará el museo del Hermitage de San Petersburgo, una de las principales pinacotecas del mundo, ante el 250 aniversario de su fundación que se cumplirá el 7 de diciembre de 2014. La noticia llega cuando aún se muestran en sus maravillosas salas las joyas del museo del Prado, a la espera de que en noviembre próximo, cientos de obras maestras de la colección rusa viajen a Madrid en justa contrapartida.
«Todo costará unos 15.700 millones de rublos» (400 millones de euros, 593 millones de dólares), aseguró hoy el director del museo, Mijaíl Piotrovski, durante una reunión con el primer ministro ruso, Vladímir Putin, citado por Efe.
Ese dinero se asignará a la restauración de la plaza del Palacio, donde se encuentra la pinacoteca, y los edificios del Estado Mayor y del Pequeño Hermitage, donde la zarina Catalina II fundó el museo en 1764.
Obras en el Palacio de Invierno
«Lo siguiente será restaurar los interiores del Palacio de Invierno.Trasladaremos los fondos y renovaremos los interiores», dijo Piotrovski. Además, el director del museo adelantó que se construirá un tercer fondo para acoger piezas del Hermitage en otro barrio lejos del centro de la antigua capital imperial.
Putin comentó que el Hermitage, al que calificó como «el orgullo de Rusia», hace tiempo que exige reformas arquitectónicas, que se acelerarán con vistas al 250 aniversario de su nacimiento. «Frente al museo se encuentra un magnífico edificio (el Estado Mayor). Hemos llegado a un cuerdo con el ministerio de Defensa para que ese inmueble también sea utilizado con fines museísticos», destacó. El proyecto prevé que las colecciones de arte moderno y de las vanguardias, desde mediados del siglo XIX, pasen a expandirse por uno de los dos brazos que rodean la plaza del Palacio de Invierno. La colección que atesora el museo sobre este periodo es verdaderamente inigualable y los nuevos espacios permitirán una mejor museografía, con una nueva y más completa ordenación.
El arte ya no está al servicio de la religión con la misma intensidad que hace siglos.
Madrid, España.- Tradicionalmente, la Arquitectura ha tratado de reflejar la idea del poder inconmensurable del Creador en las inmensas catedrales proyectadas en Europa o en templos musulmanes como la Mezquita de Córdoba, la Alhambra de Granada o la Kaaba de la Meca.
En la actualidad, los arquitectos se decantan por encargos bien remunerados como diseñar ciudades en un desierto o sobre islas artificiales, museos que sean una obra de arte en sí mismos o estadios de fútbol.
Pero, finalmente, los estudios de arquitectura estrella sucumben al reto de crear edificios espectaculares destinados al culto de una confesión religiosa o más modestos pero que usan materiales de vanguardia como el papel.
EL «YES, WE CAN» ITALIANO
La actual iglesia del Padre Pío en la región italiana de Apulia es fruto de una versión a la italiana del «Yes, we can«, mensaje de la campaña del presidente de EU., Barack Obama.
El Padre Pío – pseudónimo de Francesco Forgione – (1887-1968) fue canonizado por el Papa Juan Pablo II en 2002 pero el monje ya era considerado santo en vida por miles de fieles.
Padre Pío Church - The new basilica, inside and out.
Suiglesia de San Giovanni Rotondo, en Apulia (sur de Italia), se quedó pequeña para albergar a sus peregrinos y los monjes capuchinos decidieron ampliar el templo y encargárselo al arquitecto italiano estrella: Renzo Piano, ganador del Premio Pritzker, considerado el ‘Nobel’ de la Arquitectura, quien sin embargo rehusó el proyecto.
Lo que nunca se esperó el co-fundador del Centro de Arte Pompidou (París) fue la cruzada ‘obamista’ del Padre Gerardo.
El «Yes, we can» del Padre Gerardo fue: «En tu paciencia está tu alma» (Lucas 11:19) que, al igual que otras frases entresacadas de la Biblia, le envió diariamente y por fax a Renzo Piano, según relata en «Arquitectura para el espíritu» (Blume), Phyllis Richardson, ex editor de la revista «Architectural Digest«.
Renzo (Génova, 1937) finalmente claudicó y diseñó la ampliación de la iglesia del Padre Pío. Para la historia de la arquitectura contemporánea, la Iglesia de San Giovanni Rotondo es uno de los mejores edificios sacros y en la carrera de Piano, el edificio está considerado como uno de sus mejores proyectos.
LUZ DE VANGUARDIA
En la arquitectura destinada a edificaciones de culto religioso está implícita la búsqueda del elemento espiritual, motivo por el cual las necesidades de las construcciones van más allá de la forma.
La tolerancia, la fe, la diversidad y la memoria son pilares fundamentales de la nueva arquitectura sacra, que tienen como nexo en común la utilización de la luz en el interior del edificio.
Como símbolo religioso de esclarecimiento, la luz es un elemento protagonista tanto por su presencia o casi ausencia en los edificios sacros.
Algunos arquitectos emplean la luz para vehicular la metáfora del Creador que ilumina el camino vital de sus fieles y, en cambio, otros para generar espacios de recogimiento o sobrecogimiento.
Catedral de Nuestra Señora de los Ángeles, proyecto de Rafael Moneo - Wikipedia
En la monumental Catedral de Nuestra Señora de Los Ángeles (California, EU, 2002), el arquitecto español Rafael Moneo (Tudela, Navarra, 1937) jugó con la combinación sutil de diversos estilos arquitectónicos pero la meta era la luz.
La luz inunda toda la nave de la Catedral de Nuestra Señora y genera una sensación espacial que el mismo Moneo, Premio Pritzker 1996, describe como «una metáfora mística para la presencia de Dios» («Arquitectura para el espíritu»).
Con un conjunto magno de vidrieras, el templo es considerado uno de los trabajos más vanguardistas de la arquitectura del siglo pasado por el que la luz se filtra y envuelve al visitante y, además, sugiriere la infinitud.
Vista interior de la Catedral de Brasilia. Wikipedia
Iglesia de la Luz, Ibaraki - Osaka Japon (1989), diseñada por Tadao Ando / WikiArquitectura
Su Cámara de Luz (1995), diseñada para la UNESCO en París, y suIglesia de la Luz (1989), en Osaka (Japón), son dos edificios de hormigón en los que la luz natural tamiza la nave central y genera un espacio de retiro vinculado a la naturaleza.
REZOS DE PAPEL
Pero para originalidad, la del arquitecto japonés Shigeru Ban, que se inventó la «Iglesia de Papel» (1995) para la ciudad de Kobe (Japón).
En enero de 1995, un seísmo de 7,2 grados en la escala de Richter destrozó una zona de 100 kilómetros de radio del sur de Japón con un balance de 5.500 muertos, 35.000 heridos y la destrucción de unos 180,000 edificios.
Ban, además de construir en Kobe treinta casas temporales de papel para los refugiados, diseñó la iglesia de papel que reemplazó a la destruidaIglesia Takatori.
Con 58 tubos de cartón de 5 metros de altura, Ban estableció los pilares de ese templo en el que «la experiencia» espiritual «en ningún caso resulta inferior a la de una espléndida y gran catedral«.
De hecho, para ciertos creyentes, la fe es el único elemento necesario por lo que da lo mismo si el templo es una vanguardia de papel.
DESTACADOS:
* Laiglesia del Padre Pío en Apulia (Italia) es fruto de una campaña a imagen del «Yes, we can» de Obama para convencer a Renzo Piano de encargarse del proyecto.
* El hormigón y el papel, lo rotundo y lo sutil se aplica en nuevos templos como la Catedral de Nuestra Señora de Los Ángeles del español Rafael Moneo
* El arquitecto japonés Shigeru Ban se inventó la «Iglesia de Papel» (1995) para la ciudad de Kobe.
Today 2009 Pritzker Prize-winning architect Peter Zumthor unveiled his contemplative design for London’s annual Serpentine Pavilion exhibition. The 2011 Serpentine pavilion will be unique in that previous architects were required to have previously worked in England, and Zumthoris the first exception to this rule. The proposed offers a zen-like retreat for visitors, who will be guided by a series of pathways and staggered doorways towards an inner garden. Benches surrounding this chamber will offer a quiet space to sit and appreciate the open green space.
The Serpentine Gallery is delighted to reveal the plans for the Serpentine Gallery Pavilion 2011 by world-renowned Swiss architect Peter Zumthor. This year’s Pavilion is the 11th commission in the Gallery’s annual series, the world’s first and most ambitious architectural programme of its kind. It will be the architect’s first completed building in the UK and will include a specially created garden by the influential Dutch designer Piet Oudolf. more…
«Medio milenio después, nuestras ciudades se han vuelto monstruosas. Interminables, imposibles de representar, incomprensibles y, enn gran medida, disfuncionales». Así escribe Rem Koolhaas, el gran arqitecto de nuestro tiempo, en la introducción de ‘Ciudades del mundo’, el libro que la editorial Taschen ha elaborado a partir de la colección ‘Civitates Orbis Terrarum‘, elaborada en 1575.
«Es imposible leer y mirar este libro sin sentir una profunda envidia por un pequeño equipo de editores, grabadores y testigos, por su habilidad para sintetizar una increíble cantidad de conocimiento e información concerniente a más de 450 ciudades, incluyendo sus planos, su historia, su razón de ser, sus puntos de referencia y costumbres… para crear un retrato completo del mundo en sólo seis volúmenes», escribe Koolhaas.
‘Civitates Orbis Terrarum‘ fue editada y comentada por el teólogo y editor Georg Braun, y grabada en gran parte por el cartógrafo Franz Hogenberg. Su primera edición se terminó en en Colonia, hacia 1617, poco antes de que la Guerra de los 30 Años terminara con parte del mundo que había retratado.
La actual reedición ‘Ciudades del mundo’ incluye 363 láminas con planos y panorámicas de ciudades y mapas de Europa, Asia, África y Centroamérica que realizaron Braun y Hogenberg. Y no sólo es una cuestión de cartografía: la colección también presenta tipismos, escenas políticas y domésticas, representaciones del poder naval y mercantil de las ciudades…
El Cairo entre dunas, Ciudad de México en medio de una laguna, Jerez de la Frontera rodeada de vinateros, Roma, igual que ahora… «El conocimiento acumulado y el que estos volúmenes representa contrasta con la ubicuidad virtual actual de la información. Nuestros sistemas de navegación hacen el mundo tangible e increíblemente concreto», expone Koolhaas. Ya no hay misterio. Y eso, que el dossier de prensa de Taschen habla de este ‘Ciudades del mundo’ como «un Google Earth del siglo XVI».
La obra Civitates fue concebida como un volumen complementario del atlas de Abraham Ortelius de 1570 Theatrum Orbis Terrarum. Para llevar a cabo este importante trabajo artístico fue vital la participación de un centenar de artistas y cartógrafos. «Tres colores dominan las imágenes: verde (la tierra); rojo (la ciudad); y azul (el agua).» No obstante, para el arquitecto holandés, «500 años después, el rojo sería el único color que queda».
Los monumentales budas de Bamiyan, tristemente destruidos por los talibanes en 2001 después de sobrevivir casi intactos durante 1.500 años, no eran del color de la piedra, sino que resplandecían antiguamente con fuertes colores. Restauradores de la Universidad Técnica de Munich han analizado cientos de fragmentos de las estatuas que el gobierno islamista talibán hizo saltar por los aires y han comprobado que, originalmente, habían sido pintadas en colores brillantes como el rojo, el blanco y el azul. Además, los científicos han conseguido fijar, por primera vez y de forma fiable, la época de su creación, que situán entre los años 544 al 595 para el buda pequeño, mientras que mayor se construyó entre los años 591 al 644. Los investigadores también han quedado impresionados por su brillante método de construcción.
a consternación en todo el mundo fue muy grande cuando, en marzo hará diez años, fanáticos talibanes hicieron saltar por los aires las dos gigantescas estatuas de buda que, desde el siglo VI, dominaban el valle de Bamiyan en el actual Afganistán. Situadas en la Ruta de la Seda, las dos obras de arte de 55 y 38 metros de altura fueron hasta el siglo X el centro de uno de los monasterios budistas más grandes del mundo. Miles de monjes cuidaban de innumerables lugares de culto en los nichos y grutas excavados en el kilométrico acantilado.
Expertos europeos y japoneses se esfuerzan, desde el derrocamiento del dominio talibán, por orden de la UNESCO y coordinados por el Consejo Internacional de Monumentos y Yacimientos (Icomos), en asegurar los restos de las estatuas y volver a hacerlas accesibles. Científicos de la Cátedra de Restauración, Tecnología del Arte y Ciencias de la Conservación han investigado durante año medio varios cientos de estos fragmentos. Sus conclusiones no sólo ayudan a la comprensión de este patrimonio de la humanidad sino que podrían hacer posible el ensamblaje de las piezas recibidas.
En el mundo entero se le reconoce como uno de los más importantes arquitectos actuales. Menos conocida, sin embargo, es su afición a los toros: el próximo Domingo de Resurrección, Rafael Moneo va a pronunciar en Sevilla el tradicional Pregón Taurino, que organiza la Real Maestranza de Caballería. Con este motivo, charlo con él, para ABC.
—Alguien que ha trabajado en Dinamarca, en Los Ángeles, en Harvard, no es precisamente un castizo. Pero te gustan los toros.
—No hace falta ser un castizo para que a uno le guste la Fiesta. Tú lo sabes de sobra. Yo nací en Tudela y, allí, desde que era niño, el toro estaba muy presente. Como tantos niños, yo jugaba a los toros y estaba interesado por los encierros.
—¿Llegaste a correrlos, alguna vez?
—¡Por supuesto! En mi pueblo, entonces, se corrían vacas: los jóvenes pasábamos miedo y disfrutábamos, venciéndolo. Sufrí alguna voltereta, en los encierros de Cascante. También los corrí en Pamplona, desde los 17 años a los 25.
—¿Ibas también a las corridas?
—Sí: recuerdo haber visto torear a Manolete, en Tudela y en Huesca. Entonces esto era normal, no suponía ninguna singularidad ni compromiso ideológico.
Rafael Moneo en 2009 - Foto: Wikipedia
—¿Te consideras aficionado?
—He mantenido siempre la afición, el interés por la Fiesta, pero no de asistir muchas tardes. He ido a los toros, sobre todo, en San Fermín y en San Isidro, con amigos; también, cuando seguía a algún diestro que me interesaba especialmente.
—¿Cuáles han sido esos toreros?
—Antonio Ordóñez, por la suavidad, la naturalidad, el temple; Paco Camino, por el mando; Antoñete, por el sentido de las distancias, algo tan importante para un arquitecto; ahora, José Tomás, por la sensación que transmite de estar solo con el toro, olvidándose del público.
—La Tauromaquia tiene que ver con la arquitectura: también es un arte.
—Creo que sí: sobre la base de una técnica, de una destreza en el oficio, permite una expresión personal.
—Y aspira a crear belleza.
—Eso es más complejo: no se trata sólo del respeto a un canon, sino de la búsqueda de una plenitud, de un momento en que coincidan plenamente los placeres sensuales y mentales, permitiendo salir a otras vías…
—Eugenio d’Ors aplicaba a los toros los tres estilos de la arquitectura griega: el dórico, de extrema severidad, con Manolete; el corintio, en toreros con muchos adornos; el jónico, de equilibrio clásico, con Domingo Ortega. ¿Crees que se puede hablar de estos estilos en el toreo?
—¿Por qué no? Ahora, José Tomás estaría más cerca del dórico. Lo de Domingo Ortega me parece adecuado, pero también se podría pensar en el estilo jónico del toreo rondeño, o de Luis Miguel, por su dominio…
El arquitecto Rafael Moneo (Tudela, Navarra, 1937) ajusta los micrófonos durante el pregón que pronunció ayer en el Lope de Vega.
El pregonero ensalza la tauromaquia a través de la evolución arquitectónica de las plazas · En su presentación, Agustín Díaz Yanes dijo que «Moneo es a la arquitectura lo que Joselito el Gallo y Pepe Luis Vázquez al toreo»
Sevilla, 24 abr (EFE).- El arquitecto navarro Rafael Moneo ha ensalzado hoy la fiesta de los toros a través de la arquitectura de los cosos, en un texto culto y mucho más breve y sobrio que los pregones al uso que la Real Maestranza de Caballería de Sevilla celebra cada Domingo de Resurrección en el teatro Lope de Vega.
La arquitectura de las plazas de toros ha sido el hilo conductor de la intervención de Moneo, quien ha señalado que «se abre una nueva etapa en el calendario, en el transcurrir del tiempo y las costumbres que tan celosamente guarda la ciudad de Sevilla».
La 13 Rue del Percebe, la genial historieta de Ibáñez, cumple hoy 50 años. Hemos vuelto a recorrerla piso a piso
MANUEL DE LA FUENTE
Bonito, lo que se dice bonito, no es. Desde aquí abajo, recién salidos de la alcantarilla (servidumbres de cierta Prensa del cuore), más bien se antoja un hormiguero de esos de los terrarios. Pero aquí nos encontramos, los deseos de nuestro redactor jefe son órdenes: «Quiero un reportaje humano sobre esa puñetera casa de la que todo el mundo habla. Humano, pero si hay que hacer sangre, se hace». Y en esas estamos, a los pies del 13 de la Rue del Percebe, el vitriólico edificio ideado por el arquitecto Ibáñez, hace justamente hoy medio siglo. Felicitemos al maestro, porque este creador de la más genial solución habitacional española soplará el día 15 las velas de su 75 cumpleaños.
Francisco Ibáñez Talavera (Barcelona, 15 de marzo de 1936)
Huele a castañas asadas, a abrigos de entretiempo, a zapatos de Segarra y a jerseys de pico de Sepu. A cine de reestreno, a chuzo de sereno, a pastillas de leche de burra, a sacis. Hay olores que no mueren, que están vivitos, coleando, en la hemeroteca sentimental del NO-DO de nuestra memoria
La portera ya está al loro, cotilla, esta bruja siempre barre para casa: «¿Qué, periodistas, no? No quiero meterme dónde no me llaman, pero qué se les ha perdido a ustedes por aquí», espeta. «Poca cosa, conocer a los vecinos, ver de qué pie cojean, durante cincuenta años nadie ha dejado de hablar de ellos». «Pues empiecen por el tendero. Se llama Chang, pero aquí todos le llamamos Pepe». El tal Pepe es un chino, uno más, y en su colmado no falta de na. Desde chuches hasta chorizo de pueblo para las lentejas, desde tabaco hasta colorante para la paella del domingo. «Yo feliz en Tlece Lue del Pelcebe. Yo no engañal, como antiguo dueño». El antiguo, aquel tendero que ataba los perros con longaniza, con longaniza de estraperlo.
13, Rue del Percebe es una serie de historietas creada porFrancisco Ibáñez. La primera página fue publicada en la revista Tío Vivo el 6 de marzo de 1961 y pronto adquirió enorme popularidad por su estructura novedosa e inusual.
Un científico alemán asegura haber descifrado el llamado Código Maya de Dresde y descubierto en uno de sus capítulos indicaciones precisas que conducirían a un gran tesoro de oro de una cultura desaparecida en las aguas del lago de Izabalde Guatemala.
«El Código Maya de Dresde conduce a un gigantesco tesoro en Guatemala deocho toneladas de oro puro«, afirma el matemático Joachim Rittsteig, desde hace 40 años estudioso del documento, en declaraciones que publica hoy el rotativo alemán Bild. Añade que «en la página 52 se habla de lacapital maya de Atlan, que resultó destruida por un terremoto el 30 de octubre del año 666 antes de nuestra era. En la ciudad se guardaban 2.156 tablas de oro en las que los mayas grabaron sus leyes». El tesoro se hundió junto a la ciudad en las aguas del lago de Izabal, situado al este de Guatemala, cuyos restos han sido localizados por el científico alemán gracias a imágenes de radar tomadas en la zona. «En ellas pueden verse claramente los restos de la ciudad. En las ruinas de una fortaleza se aprecia el sarcófago de piedra en el que podrían encontrarse las 2.156 tablas de oro.Los datos de que dispongo muestran el lugar con un margen de error de 10 centímetros», asegura Rittsteig.
LINGOTES. El tesoro se hundió junto a la ciudad en las aguas del lago de Izabal, situado al este de Guatemala (Foto: Tomada de Bild.de ) ElUniversal.mx
El experto, que busca actualmente patrocinadores para una expedición a Guatemala, calcula que «solo el valor del oro de las tablas asciende actualmente a 211 millones de euros» (unos 290 millones de dólares). El Código Maya de Dresde,redactado sobre el año 1250 de nuestra era por sacerdotes mayas, es uno de los cuatro grandes documentos que se conservan de esa cultura y se encuentra en poder de la Biblioteca Estatal de Sajonia, al este de Alemania, desde hace 272 años.
(EFE).- El Gobierno de Guatemala manifestó hoy sus reservas sobre el supuesto descubrimiento del matemático alemán Joachim Rittsteig, quien aseguró haber descifrado el Código Maya de Dresde y descubierto en uno de sus capítulos indicaciones precisas que conducirían a un gran tesoro de oro de esa cultura.
«De momento vemos con reservas el supuesto descubrimiento porque no existen indicios científicos que permitan arribar a ese tipo de conclusiones», dijo a Efe un portavoz de la Presidencia guatemalteca.
En todo caso, anotó la fuente, «habrá que esperar a conocer de forma oficial el informe del científico alemán» para contrastar los detalles del mismo y establecer su veracidad.
Museo Soumaya, Mexico City - Designed by FREE Fernando Romero
Agradezco a Hugo Vela – PR & HR (quien indica su carácter de seguidor de este Blog) su envío mediante correo electrónico del material que hace posible la presente publicación (post)
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FREE FERNANDO ROMERO
PRESS RELEASE 26.02.2011
“Museo Soumaya” schedules opening March 2011
MEXICO CITY. A new art container has raised at the west part of the city, new “Museo Soumaya” will be open to the public next month. Designed by FREE Fernando Romero, this new venue will exhibit more than 6,200 art pieces over 60,000 square feet.
We are pleased to inform that after four years of development, on March 2011 “Museo Soumaya” host of one of the most important art collections in Latin America will be open to the public. Its heterogeneous collection is housed in a continuous exhibition space spread over six levels. Its structure is constructed with 28 steel curved columns each with its own geometry and shape, connected by rings and diagonal series that form an isometric figure. The diversity of its collection is reflected on the diversity of the plans; each level has its own dimension. The façade is made of hexagonal aluminum modules that optimize the preservation and durability of the entire building.
“The Museo Soumaya is an extraordinary structure rising up from the earth’s crust as a multi-dimensional icon”
Recreación por ordenador del proyecto Puerta nueva, de Álvaro Siza y Juan Domingo Santos, que ha ganado el concurso internacional de ideas y se construirá en la Alhambra.- ElPais.com
Reportaje
El equipo propone una «arquitectura muy cerrada» inspirada en el conjunto nazarí
«Este es el proyecto de nuestra vida. He dado todo lo que podía dar«. Así de rotundo y sincero se refería el arquitecto portugués Álvaro Siza (Oporto, 1933) a su trabajo junto a Juan Domingo Santos (Granada, 1961) para el Concurso Internacional de Ideas Atrio de la Alhambra, que se falló el pasado martes y del que han resultado ganadores.
Siza, que ayer estaba inaugurando su última obra, un auditorio en Ceuta, y Santos construirán lo que ellos han bautizado como Puerta nueva entre el área actual de desembarco de los autobuses y el pabellón de acceso, sobre unos 4.000 metros cuadrados. «Se trata de una arquitectura muy cerrada, muy neutra, con tonos áridos de la Alhambra y con una serie de patios que se vayan articulando para cubrir todas las necesidades de los visitantes. Es un juego de sombras, agua y árboles que lo convierte en casi un jardín», explicó ayer Juan Domingo Santos, quien ya había colaborado con Siza en el edificio Zaida, también en Granada.
La Alhambra y Sierra Nevada son la imagen por antonomasia de Granada.
La maqueta y las recreaciones del proyecto presentan unos volúmenes muy propios del lenguaje austero de Siza, arquitecto de gran prestigio internacional y con una larga lista de galardones, entre ellos el Premio Pritzker en 1992. «Lo más complicado del proyecto ha sido conseguir articular la gran afluencia de visitantes que tiene el monumento, unos dos millones y medio de personas al año, con una arquitectura integrada en el paisaje de la Alhambra y que no sea impactante. Además, había que trabajar para que el proyecto articulara una zona de transición entre la llegada y el acceso al recinto por el paseo de los cipreses que conduce al Generalife», asegura Santos.
El jurado del concurso convocado por el Patronato de la Alhambra para reordenar la entrada al monumento nazarí ha estado presidido por el secretario general de Políticas Culturales, Bartolomé Ruiz, y ha tenido que elegir al ganador entre 41 proyectos de arquitectos de 10 países. El jurado ha destacado de esta propuesta «su relación paisajística con el entorno inmediato, así como su adecuación a los objetivos del Plan Director de la Alhambra«.
El proyecto de los arquitectos Álvaro Siza Vieira y Juan Domingo Santos ha sido elegido por un jurado integrado por arquitectos de reconocido prestigio.
Alfama. El barrio más antiguo de la ciudad de Lisboa, fuente de inspiración de músicos y poetas. Foto: Clarín.com
Un recorrido por la fascinante capital portuguesa, Entre monumentos, plazas y magníficos edificios. El colorido de sus históricos barrios, los reductos Del fado y las huellas de un pasado glorioso.
Calles angostas que cruzan como sorpresas. Adoquines y pendientes, hacia arriba y hacia abajo. Techos rojos y traqueteo de tranvías. Y cerca de todo, el río Tajo –o Tejo, como lo llaman aquí– con su generoso estuario, y claro, el rumoroso mar. En Lisboa, como escribió Fernando Pessoa, “hombres, casas, piedras, letreros y cielo, somos una gran multitud amiga”. Y eso es lo que se respira en la plácida, antigua y bella capital de Portugal.
Esta es una de las pocas capitales europeas con río y mar, en la que el viajero no podrá abstraerse de su impresionante arquitectura, producto de siglos de historia y arte, que fueron plasmados en una diversidad de estructuras como plazas, castillos, iglesias y cientos de monumentos.
En esa urdimbre, el legendario tranvía es algo más que una atracción turística; es, por cierto, uno de los transportes más eficientes de la ciudad. Sus rutas establecidas marcan recorridos atractivos para los visitantes, pues a bordo de estos modernos tranvías se pueden recorrer los históricos barrios. Pero también es una ciudad muy cómoda para caminar.
Puerto de Lisboa - Wikipedia
Lisboa es una de las ciudades más bellas de Europa. Y en eso, mucho tiene que ver la música que la identifica: el nostálgico fado; el más genuino representante de la música popular de Portugal. El barrio de Alfama es el lugar a recorrer para los amantes del fado. “Vive en una calle de Alfama/ y la llaman madrugada/ pero ella, de tan alocada/ ni sabe cómo se llama”, le cantaba al barrio Amalia Rodríguez, la reina del fado. Algunos de los mejores reductos para escuchar fado: O Forcado, Café Luso, Casa do Fado, A Baiuca, A Severa y Adega Mesquita, entre otros tantos.
Influencias culturales
Los primeros pobladores de Lisboa fueron los fenicios, quienes la bautizaron Allis Ubbo, que significa “Puerto encantado”. Luego llegaron aventureros griegos y cartagineses. Pero a los portugueses les fascina la leyenda que dice que Lisboa fue fundada por Ulises, en su largo derrotero entre Troya y su patria, la amada Itaca. En épocas posteriores la cultivaron los romanos y tras la caída del Imperio, llegaron alanos, suevos y visigodos, quienes ocuparon la ciudad hasta que los musulmanes la conquistaron en el siglo VIII.
Tanta historia debía quedar registrada en sus calles, sus edificaciones, sus templos, y algo de eso se respira en la antigua Lisboa que en 1147 pasó a manos cristianas, y que a finales de 1400 se convirtió en el bastión de la ruta marítima hacia la India, con lo que alcanzó su etapa de mayor esplendor.
En esa época de gran desarrollo económico, y convertida ya en imperio colonial, Portugal desplegó el estilo manuelino (corriente estética que se desarrolló en el reinado de Manuel I de Portugal entre 1495 y 1521), cuya arquitectura dejó marcas en todo el territorio. Por doquier el visitante se tropieza con bellos decorados en azulejos –reveladores de la herencia cultural de la dominación árabe–, a lo que se suma la gran preponderancia de la mayólica italiana.
El veinteañero Walter Elias Disney se plantó en California hace ahora 87 años con la intención de convertirse en director de cine. Ni más, ni menos. Aquel sueño de emprendedor terminaría por hacer de la Costa Oeste de Estados Unidos un epicentro mundial de la animación del siglo XX.
Ahora, al pie de la Bahía de San Francisco, su hija Diane quiere «ahondar en la leyenda» y deshacer falsos mitos sobre su padre. Desde hace año y medio está al frente del Museo Familiar Disney, que fundó junto a su hijo Walt.
Reproducción de una fotografía de 1957 en la que aparece Disney junto a su familia en el coche 'Disneyland Autopia'. | Efe.
«Antes era un museo virtual, una web», cuenta Diane Disney a ELMUNDO.es. «La gente nos preguntaba en los cuestionarios ‘¿dónde está el museo real?’. Entonces fue cuando nos dimos cuenta de que era necesario construir uno sobre el suelo«.
La Piedra Rosetta de la animación
Más de 600 objetos, entre recuerdos e instrumental de trabajo de Walt Disney se dan cita en este antiguo centro escolar reconstruido en la zona de ‘Presidio‘, en la periferia de la ciudad de San Francisco. Una explosión iconográfica del universo de los estudios que fundó. Entre este muestrario de ratones, patos, princesas y enanitos, una joya museística recientemente recuperada: elCuaderno de Herman Schultheis.
El Museo expone desde esta temporada un libro de más de 70 años que explica algunos de los secretos que guardaba la animación de finales de los años treinta. «Un libro lleno de recortes y anotaciones sobre cómo se conseguían determinados efectos de animación», señala la historiadora Paula Sigman-Lowery, que ha estado investigando sobre esta obra del animador Schultheis.
«El planteó vender el libro a los estudios Disney por 400 dólares, cuando terminó de editarlo», dice Sigman-Lowerry, «Pero éstos estaban trabajando en otras cosas y no pensaron que aquello fuese importante aquel momento. Así que se lo llevó a casa y poco después, desapareció en los años cincuenta. Era un viajero incansable y explorador, y se marchó a la selva de Guatemala… y no se volvió a saber de él»
El libro, que quedó en manos de su mujer, fue descubierto por unas monjas que heredaron las propiedades familiares, «y allí, en su estudio, en una especie de compartimento secreto, entre otros objetos y material fotográfico, estaba este libro».
Luego de más de cuatro décadas de la muerte de Walt Disney, hay personas que lo ven más como un personaje empresarial fabricado que como una persona de carne y hueso. Para revertir esa imagen sus descendientes construyen un museo en su honor que buscará ser una de las visitas obligadas en San Francisco y que incluirá vitrinas con tecnología interactiva.
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