El Centre Cívic de Guinardó lleva desde 1995 apostando por las propuestas de arte emergente a través del festival Stripart. Según los organizadores, se quiere acercar la creación contemporánea a todo tipo de espectadores, mostrando «lo que hoy es estudio e investigación, pero mañana puede ser tendencia».
Se trata de una muestra de jóvenes artistas dirigida a todo el que experimenta con lo que se han denominado «los nuevos lenguajes artísticos». Una gran exposición abierta a un amplio abanico de formas expresivas donde se mezcla pintura, fotografía, diseño, escultura, arquitecturas efímeras, poesía visual, instalaciones, acciones, performances, música y video arte.
En esta ocasión, cuando se celebran 16 años de esta cita artística, los coordinadores han seleccionado 89 piezas que podrán ser visitadas, durante 15 días, en más de 600 metros cuadrados de espacio expositivo.
La inauguración tendrá lugar el próximo sábado 2 de julio, a las ocho de la tarde. Durante el acto, se podrá disfrutar – todo gratuitamente – de la danza y el teatro de las compañías Bacantoh, Anticuerpos, del Colectivo Deria y Trinidad García Espinosa, de Elena Schiano, Simone Mück, Berta Fernández, y de las videoproyecciones de Laura Llaneli, además de la performance que ha preparado Projecte Binomi. Para finalizar la noche, se abrirá al público la piscina anexa al ritmo de DJ Khu.
El programa incluye cursos y talleres durante los días que dure Stripart. En su clausura, el 15 de julio, actúa la compañía Quimera, Jordi Soler y Sant Tabú, con el punto y final de la música de Nsista e Iiva.
El arquitecto Ricardo Legorreta es el primer mexicano en obtener el prestigiado Premium Imperiale 2011 y se suma a los 144 artistas que han recibido este galardón que otorga la Asociación de Arte de Japón, desde 1989.
“Es la primera vez que reconocen a México; sin México yo no hubiera podido hacer nada; este es un país maravilloso, un país de arquitectos, de artistas. Por eso digo que es un reconocimiento a este pueblo que es extraordinario, tenemos problemas muy serios pero en el campo de la arquitectura siempre hemos sido de primer orden”, dijo el arquitecto.
El arquitecto comparte el premio con su equipo de trabajo y con su hijo Víctor Legorreta.
2011年 第23回 建築部門 - リカルド・レゴレッタ Ricardo Legorreta
El arquitecto mexicano aseguró que el reconocimiento es para la arquitectura del país.
CIUDAD DE MÉXICO – El arquitecto mexicano Ricardo Legorreta (1931), quien el próximo 18 de octubre recibirá el Premio Imperial que otorga la Asociación de Arte de Japón, aseguró que ‘más que un reconocimiento a una persona, es a un país que ha tenido en toda su historia una arquitectura maravillosa’.
En entrevista, Legorreta expresó sentirse feliz y honrado por ser el primer mexicano en recibir este galardón, considerado uno de los de mayor prestigio a nivel internacional en el campo de las artes, con el que, dijo, hará una pequeña contribución a su país.
Asimismo, el creador del edificio de posgrado de la Facultad de Economía, de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), dijo aún no ‘digerir’ la noticia de ser merecedor de tan importante presea, pues sabe que solo los mejores son reconocidos por la Asociación de Arte de Japón.
Reiteró una enorme felicidad de recibir este premio, el cual detalló comparte con su equipo de trabajo, con su hijo Víctor Legorreta, quien ha influido en su trabajo, y con la sociedad mexicana.
Tokio, (EFE).- El arquitecto Ricardo Legorreta, el primer mexicano galardonado con el prestigioso «Praemium Imperiale» de Japón, aseguró hoy en Tokio que tragedias como la de marzo en el país asiático deben dar pie a una nueva arquitectura que «haga a la gente feliz».
En una rueda de prensa previa a la entrega de los galardones, que tendrá lugar mañana en la capital nipona, Legorreta expresó también su admiración por las «profundas raíces culturales» que tanto México como Japón conservan en la era de la globalización.
“La arquitectura mantiene una relación intima, entrañable con el paisaje, es indisociable de él. No es un objeto que pueda entenderse exento de su contexto natural”. Éste no es sólo un concepto; es un estilo, una forma de ver, de entender, de construir. Así lo percibimos luego de conversar con Eliana Bórmida quien presentó, junto a su estudio, la Guía de la Nueva Arquitectura del Vino.
Entonces se explica: “Llevamos una década haciendo bodegas. Por eso pensamos que sería interesante armar con todas ellas un camino del vino, con el primer objetivo que es mostrar todas las obras que representan a distintas marcas, todas diferentes entre sí, con su filosofía particular pero que dejarán, en el recuerdo de quienes las visiten, una imagen global, una superposición de todas, con los fragmentos de los momentos vividos en cada una que, en su conjunto, conformarán la imagen de la Mendoza vitivinícola”.
De esta manera la guía de Bórmida Yanzón Arquitectos ingresa en el turismo enológico vernáculo, marcando puntos, uniendo líneas bajo un concepto propio en la inmensa geografía mendocina en la que erigieron más de una docena de bodegas. Eliana reconoce que hay numerosas propuestas de caminos del vino, tanto desde agencias de turismo como de organizaciones que trabajan en la industria.
El techo de O Fournier sirve como sombrilla para la época de vendimia. LosAndes on line
Por ello nos propone una mirada diferente. “El visitante debe observar el paisaje porque el vino no se hace sólo en la bodega: se hace en la tierra. Surge de un buen fruto, nacido de un esmerado trabajo en los viñedos, en un territorio que tiene condiciones muy buenas para la vid. Nuestro circuito pretende colocar al visitante en contacto con el paisaje, que sepa que no sólo debe mirar el edificio porque ésa sería una mirada incompleta”.
“New Wine Architecture Guide” es una guía sobre la nueva arquitectura del vino, realizada por el estudio mendocino Bórmida & Yanzón. Reúne sus obras más destacadas.
Entradas anteriores en ArquitecturaS dedicadas a la Arquitectura del Vino:
Moneo hizo dormir las barricas, en Navarra, bajo madera
La última vez que se exhibieron al público en este mismo museo fue en 1994, donde se mostró una selección de 41 grabados -14 menos que en esta ocasión- todos ellos de gran formato, a los que se añade el retrato que del propio Piranesi realizara su maestro Felice Polanzani, también perteneciente a los fondos del Museo.
Sensibilidad romántica
Ordenada en cinco secciones, que toman el nombre de sus series de grabados más importantes (Carceri d’invenzione, Le antichità romane, Descrizione e disegno dell’emisario del Lago Albano, Antichità d’Albano e di Castelgandolfo, y Vedute di Roma), la exposición permite conocer de manera cronológica la obra de Piranesi, uno de los mejores grabadores al aguafuerte de la historia.
De estas series, el principal atractivo es la serie Carceri d’invenzione, un conjunto de grabados en los que Piranesi crea unos inverosímiles espacios arquitectónicos formados por escaleras, bóvedas y arcos que se entrecruzan y se elevan hacia el infinito desafiando el orden lógico y creando vertiginosos abismos infernales.
Con estas lúgubres escenografías carcelarias, Piranesi despliega toda su imaginación como arquitecto no realizado y demuestra estar más cerca de una sensibilidad romántica que del Neoclasicismo en el que se formó. La primera edición de Las cárceles, compuesta por 14 láminas, se realizó en 1745 y quince años más tarde Piranesi decidió realizar una segunda más completa y elaborada que es la que posee el Museo de Bellas Artes de Valencia.
Peter Zumthor junto a la reina de Noruega presentando su último proyecto. | Reuteurs - ElMundo.es
En medio del Kensington Garden londinense, el arquitecto suizo Peter Zumthor ha diseñado para la Serpentine Gallery un pabellón minimalista de planta rectangular que encierra un jardín destinado a cultivar los sentidos y a la meditación.
Es una especie de gran contenedor de paredes negras y mates de madera en cada uno de cuyos lados hay tres entradas por las que se accede a un pasillo oscuro que rodea toda su estructura.
Desde ese pasillo se llega a través de cuatro aberturas al espacio central, un rectángulo a cielo abierto protegido parcialmente por aleros, que evoca el «hortus conclusus» (huerto cerrado) de los antiguos monasterios, un islote de tranquilidad, abstraído de los ruidos de la gran ciudad.
Los «horti conclusi» eran lugares en los que durante la Edad Media los monjes cultivaban sus plantas más bellas y las hierbas medicinas para curar todo tipo de males y que aparecen representados en pinturas y manuscritos de la época.
Se trata de una frase procedente del Cantar de los Cantares, de Salomón: «Un jardín encerrado es mi hermana, un jardín encerrado, una fuente sellada», frase que, en la tradición cristiana, se ha dedicado a la Virgen María.
Zumthor ha trabajado en el pabellón en estrecha colaboración con el holandés Piet Oudolf, conocido por los jardines que aprovechan la arquitectura natural de las plantas, escogidas siempre según su estructura, su forma, sus colores y otras características.
En un texto publicado con motivo de la inauguración del pabellón londinense, que estará abierto al público hasta el próximo 16 de octubre, Zumthor destaca su amor por la naturaleza y las plantas.
El Coliseo de Roma lucirá de aquí a 15 años sus mejores galas gracias a la restauración en marcha bajo el patrocinio de la firma de zapatos de lujo Tod’s. El ambicioso proyecto vive este miércoles su puesta de largo en el propio monumento, el más visitado de Italia.
Entre 20 y 30 millones de euros pondrá sobre la mesa el ‘alma máter’ de la compañía, Diego della Valle, comprometido con una causa cultural de crucial importancia para la conservación y difusión del patrimonio arqueológico y artístico mundial.
El exhaustivo plan viene a cubrir exactamente el vacío que deja la inacción del Ministerio de Cultura del Gobierno de Berlusconi, en el ojo del huracán por su congelación (o, mejor dicho, recorte) de los fondos para estas auténticas misiones de salvamento. De hecho, la iniciativa de Tod’s viene caída del cielo en un momento en que hasta la Capilla Sixtina y las ruinas de Pompeya necesitan urgentemente una inyección económica.
Un simple paseo por los bajos del Coliseo basta para darse cuenta de la gravedad de la situación y de que la rehabilitación, arropada por la precisión que facilitan las nuevas tecnologías, debe ser tan concienzuda que no pueden, ni deben, escatimarse esfuerzos.
Fachada del nuevo Museo MAS en Amberes - Viajeros Blog
En la región belga de Flandes, Amberes es una ciudad de eminente carácter portuario que se ha impregnado de la cultura y costumbres de los distintos pobladores y comerciantes que, desde hace cinco siglos, llegaban a ella en barcos procedentes de diversos rincones del mundo. De su intercambio comercial y sus avatares históricos surgió la urbe multirracial, vanguardista y elegante de hoy día. Esto y más es lo que refleja su nuevo museo, el MAS.
Texto | Fotos: Patricia Osuna
Conocida hasta hoy por ser la ciudad donde residió Rubens, por el comercio de diamantes y las prestigiosas boutiques de moda, Amberes vuelve a ser el centro de atención gracias a un nuevo museo levantado a orillas del río Escalda. El MAS (acrónimo de Museum aan de stroom -museo junto al río-) es el lugar donde la ciudad y el puerto se encuentran (en sentido literal y figurado). Con sus 60 metros de altura, arquitectura rompedora y fachada de piedra traída de Rajastán, el «MAS es más», como dijo su director Carl Depauw en el acto de presentación haciendo un guiño al castellano. El que espera convertirse en el nuevo icono de Amberes (además de Rubens, la moda y los diamantes) pone el acento en la diversidad cultural de la ciudad, con colecciones que narran la historia de la ciudad, del puerto y del mundo. Estos son ocho motivos por los que no debe dejar de visitar el MAS:
1. Por su arquitectura
El MAS es un edificio de 60 metros de altura construido con inmensas moles de piedra arenisca roja traída de Agra (India) y cortinas de vidrio ondulado. La distribución de los espacios hace que el museo rote sobre sí mismo y, gracias a a las paredes de cristal, cada planta es un paseo vertical con vistas únicas. Como detalle, la fachada está decorada con miles de medallones y pequeñas manos de metal -estas últimas símbolo de Amberes-.
El MAS se encuentra en un edificio innovador y moderno - enlamaleta.es
Amberes
* La ciudad que cuenta con más nacionalidades que Nueva York
* La ciudad con el primer rascacielos en tierras europeas
* La ciudad con el segundo puerto más grande de Europa
* La ciudad en la que han tenido lugar 3 exposiciones mundiales y los Juegos Olímpicos de 1920
* La ciudad por la que circula el 85% de todos los diamantes del mundo
* La ciudad en la que nació el mercado internacional del arte
* La ciudad de Peter Paul Rubens y Dries Van Noten
* La ciudad de dEUS y de Luc Tuymans
El entorno
El MAS es el motor de una nueva zona de la ciudad en plena efervescencia. El Eilandje es un viejo barrio portuario que está experimentando un llamativo renacimiento: los habitantes se instalan y las empresas se establecen en él, y los turistas y jóvenes amberienses acuden a disfrutar del río y del ambiente de la zona.
El edificio
Un nuevo icono para la ciudad: el edificio del MAS, una perla arquitectónica diseñada por Neutelings Riedijk Architecten, mide 60 metros de altura.
Cada piso ofrece un sólido relato en un innovador diseño y presenta una impresionante vista de Amberes. El panorama desde la azotea es apoteósico: ciudad, puerto y río se divisan desde esta cima.
Una ruta de escaleras mecánicas conduce desde la planta principal hasta la terraza. Este paseo es gratuito.
La restauración
El MAS alberga 2 negocios de hostelería: el MAS café Storm en la planta baja, con vistas a la plaza y en el 9º piso, el restaurante ´t Zilte de Viki Geunes, que posee 2 estrellas Michelin.
Una parte del laberinto realizado para homenajear a Borges. | Fondazione San Giorgio. ElMundo.es
LITERATURA | Inspirado en ‘El jardín de los senderos que se bifurcan‘
Irene Hernández Velasco | Roma
Borges amaba Venecia. Con su enmarañado de canales y su presencia casi onírica la ciudad italiana ejercía sobre él una enorme fascinación. Al fin y al cabo el escritor argentino era un apasionado de los laberintos, y Venecia constituye un laberinto en si misma. «Llegó a pensar incluso en establecerse a vivir en esta ciudad», señaló su viuda, Maria Kodama.
Ahora, cuando se cumplen 25 años de la muerte de Borges, la Serenissima rinde homenaje a Borges inaugurando en su honor en una de sus islas, la de San Giorgio Maggiore, un gigantesco jardín – laberinto formado por 3.200 plantas y en el que hay que recorrer al menos 1,2 kilómetros para lograr salir. Se trata del segundo más grande del mundo, después del que en 2003 fue levantado en Los Alamos, en Argentina.
Este nuevo laberinto borgiano, inspirado en su famoso relato ‘El jardín de los senderos que se bifurcan’, fue concebido en los años 80 por el arquitecto inglés Randoll Coate y, visto desde arriba, representa un libro abierto con el nombre de Borges escrito sobre él en sentido normal y al contrario (como en un juego de espejos) e integrando algunos de los símbolos preferidos del escritor: un bastón, un reloj de arena, un tigre, un signo de interrogación…
LO LOGRO. MARIA KODAMA, CONTENTA: ALCANZO SU SUEÑO DE ALZAR UN MONUMENTO A BORGES EN ITALIA. Clarín.com
En total, este jardín laberíntico ocupa una superficie de 2.300 metros cuadrados y para realizarlo se han utilizado 3 kilómetros lineares de plantas, cortadas a una altura de 75 centímetros para evitar amplificar el efecto claustrofóbico. Para conseguir salir de él se tarda una media hora, siguiendo las indicaciones que muestran las dos vías de escape existentes: una de 1,2 kilómetros y la otra de 1,5.
Y aún falta añadir un pasamanos en alabastro en el que estará grabado, en braille, el relato ‘El jardín de los senderos que se bifurcan‘, y que permitirá a quien sea ciego (como lo era Borges) encontrar sin dificultad la salida de esa espiral vegetal.
Publicada ayer la edición para Junio de 2011 del Ranking Arquitectura de Blogs en Español que elabora mensualmente Wikio, el prestigioso agregador de noticias europeo, hoy es la oportunidad de presentar, nuevamente, otro prestigioso Ranking, más amplio y no menos esperado: Cultura, del cual también este blog forma parte – a continuación, en Exclusiva, la información que será Oficial a partir del próximo día 5 de este mes.
«La vida en este mundo es como el laberinto, porque nunca sabemos dónde nuestra vida irá”. Aunque ya no vendrá con la vida, el 14 de junio, al cumplirse 25 años de la muerte deJorge Luis Borges en Ginebra, el escritor tendrá su laberinto en Venecia.
Será un acontecimiento cultural mundial, por el escenario elegido – la Fundación Cini en la isla de San Giorgio, que es con la Bienal el otro gran faro de la cultura cosmopolita de Venecia –, y por la calidad del evento que están preparando en el claustro – jardín que fuera el huerto medicinal de los monjes benedictinos, habitantes de la isla desde hace mil años. Y cinco premios Nobel estarán presentes.
Borges usa el símbolo del laberinto para enseñarnos el universo completo y confundido, decirnos que no podremos escaparnos del laberinto que rige nuestras vidas, como escribió en “El Etnógrafo”: “Este es el laberinto de Creta. Este es el laberinto de Creta cuyo centro fue el Minotauro que Dante imaginó como un toro con cabeza de hombre y en cuya red de piedra se perdieron tantas generaciones, como María Kodama y yo nos perdimos”.
Foto de Jorge Luis Borges tomada en 1969 en el Hôtel des Beaux Arts (París), lugar donde murió Oscar Wilde y donde el mismo Borges manifestó su deseo de morir. Wikipedia
María Kodama, la viuda de Borges, custodia de su patrimonio literario y su figura, leerá “El poema de los dones” en el evento inaugural del laberinto borgiano, que Clarín visitó esta semana entre una nube de operarios y técnicos que están terminando de construirlo.
Los vericuetos de su realización también son laberínticos. El jardín fue diseñado por el arquitecto Randoll Coate, quién lo donó a María Kodama Borges, presidente de la Fundación Internacional Jorge Luis Borges. María Kodama, a su vez, cedió el derecho de construir el Jardín en la isla de San Giorgio a la Fundación Giorgio Cini.
Amigo de Borges, el inglés Randoll Coate, muerto a los 96 años hace cinco, vio realizado en 2003 su proyecto en la Argentina, en la estancia “Las Acacias” de San Rafael, Mendoza, y ese laberinto será iluminado el 14, simultáneamente con su par de Venecia.
María Kodama quiso realizar este proyecto frente a la Biblioteca Nacional en Buenos Aires, pero no fue posible y nadie lo ha explicado. Laberintos burocráticos mezclados con rencores profundos, tal vez. Lamentable.
Pero Kodama encontró en Venecia el apoyo y la gestión entusiasta de otro argentino, Pedro Memelsdorff, director del departamento de Música Antigua de la Fundación Cini. Y también el respaldo indispensable del director Pasquale Gagliardo, quien realizó grandes esfuerzos para concretar esta obra. El laberinto de Borges, forma un tercer claustro junto al del arquitecto Palladio, cuyo genio está presente en varias obras en la isla, y un magnífico Claustro de los Cipreses. El tercer claustro forma un recorrido que da una idea de bifurcación. “San Giorgio se vuelve una metáfora del laberinto”, explicó incansable Pedro Memelsdorff, que además de organizar y dirigir un seminario sobre música antigua de Chipre, sigue discretamente los trabajos. Frente al jardín de miles de plantas siemprevivas de Boj que forman el laberinto inspirado en “El jardín de senderos que se bifurcan”, hay una pequeña sala que fue en el pasado una capilla y que los mismos obreros que van y vienen todo el día bautizaron “la sala Borges”.
Y así se llama para siempre. Frente al jardín está el largo frente de la biblioteca palladiana de “La manica lunga” (La manga larga), que actualmente es la biblioteca que contiene la mayor sabiduría en libros y obras del arte véneto.
Memelsdorf destacó que el evento inaugural incluirá un coro de monjes venidos de Francia, que cantarán todos juntos pero por separado hasta que quedará uno solo “y que será un contraste armónico con el agnosticismo borgeano”. Se escuchará la voz del escritor que lee “El laberinto” y un quinteto musical ejecutará una obra homónima compuesta para la ocasión por el maestro Julio Viera.
El objetivo del proyecto es “realizar un espacio pleno de significados espirituales para acercar al público al mundo de Borges”. Se organizarán conferencias, seminarios y muestras de arte que exaltarán el imaginario borgeano.
Según informa la Consellería de Medio Ambiente, Territorio e Infraestruturas, se trata del primer plan especial de zonas históricas que recibe el visto bueno del Gobierno gallego de entre los 20 documentos de este tipo que cuentan con ayudas autonómicas para su redacción. En el caso de Baiona, la aportación ascendió a 90.000 euros.
El ámbito supone una superficie total de 160.527 metros cuadrados, en el que se incluyen zonas como el núcleo marinero de O Burgo, la península de Santa Marta, las edificaciones en línea en el lugar de Sabarís, el núcleo del parque natural de la Virgen de la Roca, los núcleos de las parroquias de Baíña, Belesar y Baredo, Monte da Peniza y Monte de Castro-Morade.
También abarca el área de la Puerta del Sol, la edificación en la Praza de María Carabal, el Mercado de Sabarís y las edificaciones en Santa Cristina da Ramallosa.
«El nivel mejoró, siguiendo esas peticiones de innovación» dice la arquitecta sobre la arquitectura icónica | «Lo que me interesa de la arquitectura es cómo hace pensar a la gente»
De origen iraní, Farshid Moussavi ha sido durante 16 años la mitad –la otra era el español Alejandro Zaera – de Foreign Office Architects (FOA), uno de los más creativos despachos arquitectónicos, con sede en Londres, que acaba de partirse por la mitad. Moussavi, que el viernes conferenció en el Institute for Advanced Architecture of Catalonia (IAAC), en Barcelona, afronta ahora una nueva etapa, y lo hace con un recuerdo amable para los años de la arquitectura icónica.
La primera pregunta es obligada: ¿Qué va a pasar con FOA?
Alejandro montará su propia oficina y yo la mía, con mi nombre. Vamos a intentar movernos por separado hacia el futuro sobre la base de lo que aprendimos juntos en el pasado.
¿Qué balance hace de FOA?
Excelente. Nuestras diferencias son sólo personales. En lo profesional, estamos muy orgullosos. No seríamos los mismos si no hubiéramos hecho lo que hicimos juntos.
¿Qué ocurrirá con los proyectos en marcha de FOA?
Nos los hemos repartido equitativamente. Alejandro seguirá con el proyecto de la estación de Birmingham, por ejemplo, yo con del museo en Cleveland, etcétera.
¿Cree que su arquitectura será ahora distinta?
Siempre se puede evolucionar. Las buenas parejas profesionales no son las de miembros idénticos, sino complementarios. Nosotros lo hemos sido. Ahora nuestras personalidades aflorarán quizás más. Pero, de hecho, ninguno de los dos intentó imponer nunca ideas preconcebidas. Preferíamos aprender y decidir trabajando. El trabajo es lo que más nos ha enseñado. El modo en que cambiaremos dependerá de qué proyectos hagamos y de donde los construyamos.
¿Cuáles son sus prioridades como arquitecto?
Lo que a mí me interesa de la arquitectura es cómo hace pensar a la gente. O cómo afecta mi obra a la percepción del entorno que tiene la gente. La arquitectura tiene una dimensión abstracta. Esa es su fuerza. Los arquitectos, que somos muy apasionados, debemos hallar el modo de llevar esa fuerza de la arquitectura a sus usuarios.
¿Qué edificios le han hecho pensar a usted?
Cualquiera que te revele sensaciones o usos insospechados, sin olvidar los propios de su programa, claro. Nuestra terminal portuaria de Yokohama tiene algo de eso. Sirve para que los viajeros embarquen, pero hay quien va allí a tomar el sol, a descansar bajo una sombra o a pintar. Ese rol múltiple de un edificio es el que puede hacerlo grande.
Arquitectonico 
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