Concierto sordo para un edificio fantasma · Reportaje :: Arte Sonoro


Instalación del holandés Edwin van der Heide, titulada 'LSP Tabakalera'
Instalación del holandés Edwin van der Heide, titulada 'LSP Tabakalera'

Una docena de artistas sonoros ha hecho intervenciones en el vetusto edificio donostiarra de Tabakalera antes de su reforma

FIETTA JARQUE

Joxean Muñoz, director de Tabakalera, recorre el edificio con un ojo en el pasado, otro en el presente y un tercero en el futuro. Con el ojo del pasado va relatando a qué se dedicaba en la época de la fabricación de cigarrillos cada una de las estancias que vamos recorriendo. Con el ojo del presente observa con nostálgica satisfacción el estado actual de este edificio emblemático en pleno San Sebastián, su romántica decadencia, su estética ruinosa. Y se apresta a explicar la exposición que celebra este fin de etapa, titulada Tabakalera suena. Con el ojo del futuro, explica de qué manera será restaurado para su uso como centro cultural y de exposiciones de arte contemporáneo. Hasta qué punto va a guardar algo del estado actual y recuperar otro poco de su antiguo esplendor. La comparación con otros centros de arte contemporáneo que han conservado parte de la estructura industrial del edificio pese a su cambio de uso, como el Palais de Tokyo, de París, Muñoz se apresura a distanciarse. «El Palais de Tokyo es como unos vaqueros de esos que venden ya agujereados», afirma. «Ellos incluso han acentuado esa estética con elementos de derribo o de construcción incompleta. Se ve guay, pero en nuestro caso el edificio ya tiene todo eso. Lo que vamos a hacer es potenciarlo». El presupuesto total para la ejecución de la obra que debería estar terminada en 2013 es de unos 75 millones de euros. «Queremos que sea el eje de la cultura audiovisual en San Sebastián», añade Muñoz. «Nuestra apuesta será la del arte contemporáneo y la imagen e intentaremos dar un salto cualitativo».

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Bauhaus: 90 años en el corazón del diseño | ESPACIO LIVING


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Acá te traemos una colección de las piezas que la escuela alemana le dejó al interiorismo. Entrá y elegí tu favorita.

El 90º aniversario de la Bauhaus nos inspiró para mostrarles modelos que surgieron de esa usina creativa, además de algunos precursores y sus dignos sucesores.

Curvas de acero (foto 1): Obra de Ludwig Mies van der Rohe –último director de la Bauhaus, donde impartió clases de arquitectura–, parece increíble que el diseño de esta chaise longue cumpla este año sus 80. Tapizado en cuero rojo y sin apoyabrazos, este modelo subraya las cualidades estéticas del acero tubular, uno de los hallazgos de la Bauhaus, cuya sencillez de aire industrial contrasta con la sensualidad de su funda de piel ($12.826, Knoll Interieur Forma).

Los Maestros (foto 2 y 3): reproducción del modelo ‘Chaise longue LC-4’ (1925) del genial arquitecto suizo Le Corbusier, en este caso con tapizado símil cuero sobre una estructura de caño tubular cromado ($2.615, Hermes). Este modelo comulga con los criterios de estética y funcionalidad de la Bauhaus, con cuyo director, Walter Gropius, Le Corbusier trabajó en Berlín antes de la fundación de la legendaria escuela. A la derecha, silla ‘Steltman’ hecha en madera con líneas cubistas por el diseñador Gerrit Thomas Rietveld ( $1.044, Manifesto).

Digna de un rey (foto 4): La butaca ‘Barcelona’, creada por Ludwig Mies van der Rohe, se presentó la Exposición Universal de Barcelona de 1929 dentro del pabellón alemán (el súmum del estilo moderno), cuando fue usada como «trono» para el rey Alfonso XIII en la ceremonia de apertura. Con estructura de acero cromado, la base tiene correas de soporte de cuero del mismo color de la funda ($ 2.080 en ecocuero y $ 2.490 en cuero, Newton).

Líneas que se cruzan (foto 5): El arquitecto y diseñador escocés Charles Rennie Mackintosh (1868-1928) se anticipó al diseño geométrico libre de artificios con su silla ‘Hill House’ ($1.246, Manifesto). En esta página, mesa baja ‘Schroeder’, que el diseñador Gerrit Thomas Rietveld, vinculado a la Bauhaus, creó en 1923 para la casa del mismo nombre y la que comparte el estilo cubista. Mide 50x51x60cm y está hecha en madera laqueada ($743, Manifesto).

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Ciudades sin civilización · Antonio Muñoz Molina, Ida y Vuelta


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«No puede haber civilización sin ciudades«, escribe Saul Bellow, «pero hay ciudades sin civilización«. Él se refiere a Chicago, la ciudad de los terribles inviernos sin misericordia de la gran Depresión; yo leo la novela en la que vienen esas palabras, The Adventures of Augie March, una mañana de agosto, en Madrid, sentado al fresco de los plátanos y los magnolios gigantes del paseo del Prado, que es una de las islas más indudables de civilización que pueden encontrarse en una ciudad europea, y por donde paso tantas veces camino de algunas de las instituciones más civilizadas que conozco: el Museo del Prado, la Real Academia, el Thyssen, el Botánico, el Reina Sofía, las librerías de viejo de la cuesta de Moyano, sin olvidar el añadido más reciente, la extraordinaria sede de la Fundación La Caixa, con su jardín vertical y sus viejos muros de ladrillo como suspendidos en el aire, una nave industrial de hace un siglo levantada sin peso en la ciudad del presente.

Uno de los rasgos de la civilización es que siempre es más frágil de lo que parece y siempre está amenazada. Un poco más arriba del paseo del Prado y del de Recoletos se abrió en la ciudad en los primeros años setenta el cráter imperdonable de la plaza de Colón, que no es una plaza sino un descampado sin alma de torres especulativas y tráfico como de autopista, con algo de urbanismo apocalíptico suramericano. En el paseo del Prado y en Recoletos se puede caminar siempre al amparo de los árboles: en Colón uno se ve arrojado a una intemperie de sol homicida o de vientos invernales, arreado en manadas para cruzar a toda prisa los pasos de cebra. La llamada plaza de Colón es una muestra infame de lo que estaban haciendo con las ciudades los planificadores, los teóricos del urbanismo y los grandes expertos en los años sesenta y setenta, cuando la capitulación institucional ante los intereses de los especuladores y de los fabricantes de coches aún se revestía con la máscara conveniente de la modernidad, del progreso implacable. Le Corbusier y sus discípulos alumbraban el camino del porvenir, que más que un camino resultaba ser una gran trama de autopistas. Hasta bien entrado el siglo XX las tecnologías del transporte colectivo se habían integrado sin quebranto en el tejido de las ciudades y habían contribuido a su expansión orgánica: las líneas de metro y de tranvías permitían el nacimiento de nuevos vecindarios hechos a la medida de los pasos humanos; los tranvías circulaban con la misma eficacia por las calles sinuosas de los cascos antiguos y por las perspectivas despejadas en las que las ciudades se abrían al campo. Cuando yo llegué a Granada, en 1974, acababan de clausurarse las líneas de tranvías, que comunicaban el centro de la ciudad con la Vega del Genil y con las estribaciones de Sierra Nevada. En Granada todavía quedan nostálgicos del tranvía de la Sierra, construido por un ingeniero ilustrado que se llamaba Santa Cruz, al que fusilaron los matarifes falangistas en el verano de 1936. Uno tomaba el tranvía en una acera arbolada de la ciudad y subía en él por la orilla del Genil hasta las laderas colosales del Veleta.

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Sobre el Autor del artículo:

Antonio Muñoz Molina (Úbeda, Jaén, 10 de enero de 1956) es un escritor español y académico de número de la Real Academia Española (1996). Actualmente reside entre Madrid y Nueva York, donde dirigió el Instituto Cervantes hasta mediados del 2006.

Fotografía que ilustra la nota original retirada por orden del abogado de su autor.

El asbesto empaña el inicio de la temporada escénica en la Scala de Milán | Cultura | Italia


El interior del mítico Teatro de la Scala de Milán, durante una representación en 2004. | Ap
El interior del mítico Teatro de la Scala de Milán, durante una representación en 2004. | Ap

CULTURA | Un mineral cancerígeno similar al amianto

  • La existencia del mineral en las instalaciones ya se detectó en diciembre
  • Los trabajos de restauración en la galería durarán hasta finales de septiembre

elmundo.es | Madrid

Las autoridades italianas han tenido que clausurar temporalmente una de las galerías más importantes del famoso Teatro de la Scala de Milán (Italia) a raíz del descubrimiento el pasado diciembre de acumulaciones de asbesto dentro de la sala de luces, según ha informado el diario italiano ‘Corriere della Sera’.

El rotativo ha calificado el incidente de forma irónica como «la sorpresa de la temporada» ya que, en principio, las labores de rehabilitación del teatro tenían que haber empezado en el mes de agosto -cuando descansan las compañías teatrales y no hay representaciones-. Pero no ha sido hasta el mes de septiembre cuando ha comenzado el trabajo y por ello no se prevé el término de las obras hasta finales del mes, como mínimo.

La temporada escénica ya ha empezado y, aunque las tareas se harán por la noche -para evitar entorpecer el desarrollo del programa que tiene preparado la Scala-, los andamios permanecerán en la sala durante las representaciones.

Esta improvisación puede perjudicar a los espectadores de que ya tienen entradas para ver el Festival Internacional de la Música (MiTo) que abrirá este viernes 4 con la actuación de la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo, dirigida por el maestro Yuri Terminakov y, más adelante, la representación de ‘El sueño de una noche de verano’, a cargo del bailarín Roberto Bolle.

Para evitar una posible oleada de devoluciones de las entradas, los organizadores de MiTo han decidido asegurar nuevos asientos -también mejores- para las más de 200 personas que ocuparían una butaca actualmente cubierta por los andamios, eso sí, «según la disponibilidad de la noche».

El asbesto encontrado procede de los años 50 ó 60 y se sitúa en unas áreas que no fueron objeto de reestructuración en los últimos trabajos de renovación de la Scala en 2002.

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Dan Cruickshank's Adventures in Architecture – BBC Two Programmes


Dan Cruickshank signs an autograph for a fan
Dan Cruickshank signs an autograph for a fan

Historian and writer Dan Cruickshank celebrates architecture as a creative force as he explores the world’s greatest cities, buildings and monuments

Previous programmes: by year

desde BBC – BBC Two Programmes – Dan Cruickshank’s Adventures in Architecture.

Con mucha sorpresa (y no menos satisfacción) veo que La Sexta de la TV española transmite un capítulo de esta muy bien cuidada, elaborada serie de TV;  el dedicado a Shibam, en Yemen, a la Capital de la República Dominicana, Santo Domingo; Filadelfia, en los Estados Unidos con su Penitenciaría Estatal del Este (1829), claro ejemplo del Panóptico en la arquitectura penitenciaria; la capital del exótico Reino de Bután.

Dan Cruickshank’s Adventures in Architecture

Dan Cruickshank’s Adventures in Architecture is a BBC series first aired on BBC2 in April 2008 in which British architectural historian Dan Cruickshank travels around the world visiting what he considers to be the world’s most unusual and interesting buildings, structures and sites.

Dan Cruickshank’s Adventures in Architecture (DVD)

DVD

RRP £24.46
Our Price £17.49

Release date: 19/05/2008

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Dan Cruickshank’s Adventures in Architecture [DVD] [2008] – Amazon.co.uk

Resultados de vídeo de Dan Cruickshank’s Adventures in Architecture – Google Video

Adventures in Architecture, Dreams – video en YouTube

El hombre habitó Altamira 4.000 años antes de lo que se pensaba – Arqueologia – Cultura – ABC.es


Vista de la nueva excavación en Altamira / EFE
Vista de la nueva excavación en Altamira / EFE

Los cazadores del Paleolítico habitaron la cueva de Altamira desde hace 22.000 años, 4.000 antes de lo que se pensaba, un descubrimiento que da un nuevo sentido a sus pinturas más antiguas, un puñado de figuras rojas hasta ahora encuadradas en un período cultural, el Solutrense, en el que sus características «chirriaban».

Así lo revela un trabajo realizado por los investigadores del propio Museo de Altamira, revisando las excavaciones que se hicieron en la cueva a principios del siglo XX por pioneros como Alcalde del Río, Breuil u Obermaier, cuyas conclusiones se recogen en un artículo todavía no publicado: «La cueva de Altamira: nuevos datos sobre su yacimiento arqueológico (sedimentología y cronología)».

Como señalan sus autores, resulta paradójico, pero el conocimiento que se tenía de las ocupaciones humanas de la más famosa de las cuevas paleolíticas del mundo era escaso, porque fue una de las primeras en descubrirse (1879) y porque fue excavada muy pronto, con técnicas que a veces consistían en vaciar el yacimiento a pico y pala en busca de determinadas piezas arqueológicas.

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Hace 22.000 años

Altamira estuvo habitada 4.500 años antes de lo que se pensaba

SANTANDER, 4 Sep. (EUROPA PRESS) –

Un grupo de investigadores del Museo de Altamira ha descubierto que la cueva de Altamira fue habitada hace 22.000 años, 4.500 años antes de lo que se pensaba, según declaraciones a Europa Press del director del Museo Altamira, José Antonio Lasheras.

Este descubrimiento ha permitido «entender mejor lo que ocurría en el techo» de Altamira, dijo, y adjudicar ciertas pinturas al periodo Gravetiense. En concreto, se han asociado a esta época algunas figuras rojas, manos y caballos que no se pueden datar con Carbono 14 y que se adscribían al período más antiguo de Altamira, el Solutrense.

Asimismo, se han establecido unos límites cronológicos «más concretos» respecto a la permanencia de grupos humanos dentro de la cueva. También ha desvelado datos nuevos sobre la fauna consumida, y la vegetación, entre otros.

Entre 2004 y 2006, los investigadores del Museo y de las Universidades Politécnica y Complutense de Madrid han revisado y limpiado la tierra suelta que quedó en el interior de la cueva tras la excavación que se realizó a principios del siglo XX.

Estrategia 'Piano' en Malta · Reportaje: Diseño


Dos planos con la obra de reconstrucción de la ópera - Proyecto:  Renzo Piano
Dos planos con la obra de reconstrucción de la ópera - Proyecto: Renzo Piano

El arquitecto italiano cambiará el perfil de la isla con una remozada ópera

ROBERTA BOSCO – Barcelona

A lo largo de los siglos su posición estratégica para las rutas navales del Mediterráneo le procuró más de un disgusto a la isla de Malta. Napoleón la conquistó en 1798, aprovechando la promesa de los caballeros de no luchar contra ningún rey cristiano, pero la impopularidad del Emperador facilitó la labor de los ingleses, que dos años después asumieron el control de la isla y lo mantuvieron hasta su independencia, en 1964. Durante la II Guerra Mundial, al formar parte del Imperio Británico, se convirtió en blanco de los bombardeos de la aviación alemana, que una mañana de 1942 redujeron a escombros la Royal Opera House, construida a mediados del siglo XIX por el arquitecto inglés Edward Middleton Barry, autor del célebre Covent Garden de Londres.

Las ruinas de la ópera han sido objeto de diversas propuestas de reconstrucción y de otras tantas controversias, pero hasta la fecha ninguna había prosperado. El artífice del milagro es Renzo Piano, autor del Centro Pompidou de París y de decenas de otras obras emblemáticas, como el aeropuerto de Osaka, la Fundación Beyeler de Basilea y, más recientemente, el Museo de Historia Natural de San Francisco y la nueva ala del Art Institute de Chicago. El arquitecto italiano ha dado en la diana proponiendo conservar las ruinas, «que después de 68 años han alcanzado el estatus de monumento», injertándolas en un coliseo al aire libre. Las paredes translúcidas removibles y los equipos de luz y sonido móviles, que le otorgarán la identidad de teatro durante las representaciones, desaparecerán cuando no haya espectáculos, dejando en su lugar una plaza, con vocación de ágora, rodeada por jardines

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Renzo Piano presenta su plan para reconstruir La Valeta – Malta

Renzo Piano Building Workshop

Casa FOA abre hoy sus puertas en el hipódromo de Palermo – Inauguración / Un paseo para toda la familia


Más de 9000 metros cuadrados de diseño, arquitectura y paisajismo, concentrados en la Tribuna II del hipódromo de Palermo Foto: LA NACION / Graciela Calabrese
Más de 9000 metros cuadrados de diseño, arquitectura y paisajismo, concentrados en la Tribuna II del hipódromo de Palermo Foto: LA NACION / Graciela Calabrese

La muestra de diseño, arquitectura y paisajismo se podrá visitar hasta el 18 de octubre

Laura Reina
LA NACION

Hoy es el día. Las puertas de la Tribuna II, en el Hipódromo Argentino de Palermo, se abrirán de par en par para recibir a los primeros huéspedes de Casa FOA, la muestra de diseño, arquitectura y paisajismo más importante del país.

Desde hoy hasta el 18 de octubre, de 12 a 20, se podrá visitar esta muestra que tiene la particularidad de estar debajo de la tribuna que supo albergar a fervorosos burreros y porteños que la elegían como centro de reunión y esparcimiento. Hoy, este edificio pertenece a la empresa Times Square, y es usado para eventos de todo tipo.

Este año todas las apuestas serán al 25, la cantidad de años que cumple la muestra, y al 47, el número de expositores que participan, de un total de 200 proyectos presentados.

desde Casa FOA abre hoy sus puertas en el hipódromo de Palermo – lanacion.com.

UNA NUEVA EDICION DE LA MAYOR MUESTRA EN SU GENERO DE LA ARGENTINA
Abre Casa FOA y celebra 25 años de arquitectura y diseño
Desde hoy en la Tribuna II del Hipódromo de Palermo
Por: Nora Sánchez

Casa FOA 2009: Un encuentro con las tendencias | Tribuna II del Hipódromo de Palermo

Visitá los espacios y enterate de todas las novedades de la exposición de arquitectura y decoración. Mirá el video
ESPACIOLIVING.com | Living | Jueves 3 de setiembre de 2009

Androides y humanos hipertecnológicos protagonizan Ars Electronica · Arte


La mujer eléctrica.
La mujer eléctrica.

La creatividad japonesa destaca en la 30ª edición del festival, que estrena centro de exposiciones

R. BOSCO / S. CALDANA

Una modelo se pasea luciendo en la piel de sus brazos y piernas un dibujo geométrico que recuerda las pinturas corporales de las mujeres norteafricanas o del teatro kabuki; pero la tintura es un potente conductor de electricidad, por lo que la mujer se convierte en una especie de interruptor, capaz de comunicar directamente con aparatos electrónicos.

Esta pintura, junto a unos pequeños electrodos que completan el circuito, permite encender una bombilla tan sólo sujetándola con las manos, transmitir datos de una persona a un ordenador o crear composiciones audiovisuales. Según sus creadores, «su potencial es ilimitado y en el futuro se empleará en el campo de la creación artística, la comunicación y la medicina».

El proyecto, desarrollado por un grupo de posgraduados del Royal College of Art de Londres, se presenta en Human Nature, la principal exposición del festival Ars Electronica, que se celebra del 3 al 8 de septiembre, en la ciudad austriaca de Linz.

Triple fiesta

La exhibición promete estar a la altura de la triple celebración: el 30º aniversario del festival, la primera edición en el nuevo edificio (que pone a disposición de la creatividad de los artistas los 40.000 LED de su fachada) y la capitalidad cultural de Linz.

La creatividad y habilidad japonesas protagonizan un programa que analiza la relación entre el ser humano, la naturaleza y la tecnología, en el Antropoceno, una nueva era que se caracteriza no sólo por el masivo e irreversible impacto del hombre en el planeta, sino en los fundamentos de la propia vida humana, tal como demuestran la biotecnología y la ingeniería genética.

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Ars Electrónica 2009: Human nature

Arranca hoy la 30ª edición de Ars Electrónica en Linz (Austria), lugar en el que se van a dar encuentro algunas de las mejores propuestas actuales que aunan los tres conceptos principales de la muestra: arte, tecnología y sociedad. Este año la creatividad y habilidad de los artistas e investigadores japonenes son las protagonistas de un programa que en esta edición analiza la relación entre el ser humano, la naturaleza y la tecnología, en el Antropoceno, una nueva era marcada no sólo por el tremendo impacto del hombre en el planeta Tierra, sino también por los propios fundamentos de la vida humana. Ejemplos de ello son  la biotecnología y la ingeniería genética, dos materias en pleno desarrollo en nuestro tiempo.

Web de Ars Electronica

PRIXARS – International Competition for CyberArts

ocholeguas.com | Parques en Miniatura: El mundo visto por Gulliver


En Mini-Europe, todos los monumentos han sido reproducidos hasta en sus más mínimos detalles.
En Mini-Europe, todos los monumentos han sido reproducidos hasta en sus más mínimos detalles.

Desde los escenarios naturales más bellos hasta las construcciones históricas más impactantes. Todo tiene cabida: los palacios y jardines, los castillos y las torres, las catedrales, las plazas… los emblemas, en fin, de cada lugar en cuestión, eso sí, reducidos en tamaño a una escala menor que 1:1.

Todos se encuentran en los Parques en Miniatura.

Unas veces como negocio, otras como altruísmo – algunos destinan sus beneficios a obras benéficas – y otras, como mera información turística, estos mini-mundos abiertos a los visitantes más curiosos invitan a sentirse como Gulliver en el maravilloso país de los enanos. Y están por todos los rincones…

desde ocholeguas.com | elmundo.es: El mundo visto por Gulliver.

(Fotogalería con descripciones)


Parques en miniatura

Modelos de edificaciones y paisajes a escala fascinan a niños y adultos en todo el mundo, desde fines del siglo XIX. Un recorrido por los parques temáticos más famosos, incluyendo La República de los Niños en La Plata.

Listado de Parques en Miniatura en la Wikipedia

Galería de Fotos en Parques Miniatura – Achus!

Facebook | BarberOsgerby Talk at the Design Museum


Shelving Design: Barber Osgerby  Production: Classican Photographed by Lee Furrell©
Shelving Design: Barber Osgerby Production: Classican Photographed by Lee Furrell©

EDWARD BARBER and JAY OSGERBY set up their practice in 1996 combining architecture, furniture and product design. They have worked for manufacturers including Cappellini, Flos, Established & Sons, Venini and Magis as well as developing products for Panasonic, Pantone, Swarovski and Coca Cola. Edward and Jay were made Royal Designers for Industry in 2007.

From ingenious coat hangers to looped tables, BarberOsgerby are the quiet champions of beautifully made and deceptively simple pieces. For Super Contemporary BarberOsgerby have designed the Listening Station. Find out more about the design and see exclusive videos at http://www.supercontemporary.co.uk/

desde Facebook | BarberOsgerby Talk at the Design Museum.

La ciudad es el lienzo · Reportaje: Arte


Pájaro rojo en el Bronx  Jon Naar es fotógrafo y uno de los primeros escritores que se interesó por la cultura del graffiti.
Pájaro rojo en el Bronx Jon Naar es fotógrafo y uno de los primeros escritores que se interesó por la cultura del graffiti.

Una muestra en París eleva el ‘graffiti’ a la categoría de arte más allá del tópico

ANA TERUEL – París

Hace tiempo que el graffiti artístico, un arte nacido sobre la chapa de un tren neoyorquino hace más de 30 años, dejó la clandestinidad de las calles para dejarse caer en brazos de museos y galerías. Y sin embargo, la Fundación Cartier ha logrado con su exposición (Nacido en la calle: Graffiti, hasta el 29 de noviembre en París) sortear los tópicos de ese asombroso viaje. Lo hace con la forma de una retrospectiva de la parte neoyorquina del asunto, claro, pero también con la vista puesta en el futuro y en nuevas capitales (como São Paulo), más vibrantes y frescas, de un arte orgullosamente bastardo.

Para la ocasión, la Fundación ofrece su muro exterior a los graffiteros callejeros de la ciudad que desembarcan a diario con sus sprays de pinturas y sus cascos de música, y redecoran el mural a la vista de los transeúntes. «Pintar aquí es un lujo», comenta Ezty, agente comercial «de lunes a viernes» que dedica su tiempo libre a la pintura urbana. «Estamos expuestos al público, no escondidos tras una pared o a oscuras».

Como parte de la muestra, una docena de artistas han sido invitados a invadir in situ los espacios del imponente edificio, ideado por Jean Nouvel. Graffiteros consagrados como el veterano neoyorquino JonOne y jóvenes representativos de las nuevas olas como el chileno Basco Vazko y el brasileño Cripta -representante del pixaçao, una variante de graffiti propio de São Paulo- han realizado especialmente para la muestra gigantescas obras efímeras en diferentes soportes, incluidos las paredes y fachadas del inmueble.

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De la calle a la Historia del arte

FOTOS – BARRY MCGEE – 14-08-2009

El graffitero Barry McGee no es nuevo en las salas de los museos. También conocido como Ray Fong o Twist, el trabajo de Mc Gee ha llegado hasta la Bienal de Venecia.– BARRY MCGEE

El ‘graffiti’, un arte que nació en la ilegalidad

FIETTA JARQUE, – Madrid

El graffiti nació espontáneamente como un arte de la calle, sin pretensiones más lejanas que la de inmortalizar un nombre, una firma o un dibujo rápido sobre paredes y objetos. Desde hace tres años, el graffiti que iluminaba o ensuciaba, al decir de otros, los trenes del subterráneo en Nueva York empezó a extenderse más allá de los barrios suburbiales del Bronx para llegar al Soho, codeándose con los más altos valores del arte contemporáneo. La galería Sidney Janis, especializada en obra de artistas de mucho prestigio, ha traído este año, en su primera visita a la feria de Arco, a seis de estos jóvenes pintores.Torrick Ablack, Toxic, uno de estos artistas del aerosol, empezó pintando en el metro cuando tenía 13 años. Tenían que esconderse de la policía, que les perseguía y arrestaba por hacer estos enormes diseños multicolores que cubrían lados enteros de los trenes subterráneos. «Ahora ya no me atraparían», dice cuatro años después.

Entradas anteriores en ArquitecturaS dedicadas al Graffiti:

‘Graffiti‘ por encargo en el Guinardó · Cultura Urbana

Laboratorio sin límites – dar color a la ciudad

La cultura urbana que más crece · Graffiti en Andalucía

Buenos Aires, un oasis para el arte callejero

Banksy, una exposición envuelta en misterio | Cultura | elmundo.es

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