se refiere a cualquier acontecimiento, circunstancia, suceso o caso posible. Así, se dice eventualmente o ante todo evento en previsión de algo que, conjetural o previsiblemente, pudiera ocurrir en una circunstancia determinada y es generalmente un hecho imprevisto.
Fuente: Wikipedia en Español.
Foto de Jorge Luis Borges tomada en 1969 en el Hôtel des Beaux Arts (París), lugar donde murió Oscar Wilde y donde el mismo Borges manifestó su deseo de morir. Wikipedia
El Parque de las Ciencias de Granada acoge desde este viernes y hasta el 15 de marzo la exposición ‘Arquitectura Escrita‘, que aborda la estrecha y compleja relación entre la literatura y la arquitectura desde los orígenes de la vida humana hasta la actualidad.
Todas las maquetas han sido elaboradas por estudiantes de Arquitectura de la Universidad de Granada y la de Munich tras un estudio completo y minucioso de todas las obras. De este modo, se pone de manifiesto la fructífera relación que han mantenido siempre las Artes y la Letras con el objetivo de transmitir al espectador cómo hay muchas más cosas que unen a los diferentes campos de la cultura que las que los separan.
Todos ellos definen y evocan lugares que en la literatura han desempeñado un papel tan relevante como el de los mismos personajes humanos, hasta constituir un terreno privilegiado de cristalización del imaginario arquitectónico de una época.
En la exposición las creaciones literarias comparten espacio con maquetas y otros elementos gráficos, construidos por estudiantes de escuelas de Arquitectura de Munich y Granada
El Parque de las Ciencias de Granada acoge hasta el próximo 15 de marzo la exposición «Arquitectura escrita», que aborda a través de maquetas y otros materiales gráficos la estrecha y compleja relación que ha existido a lo largo de siglos entre la literatura y la arquitectura.
La muestra, coproducida por el Círculo de Bellas Artes de Madrid -donde ya estuvo expuesta-, la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, el Artchitekturmuseum de Munich y el centro científico granadino, recorre más de 5.000 años de historia de relación «entre el escribir y el construir», desde la antigüedad a la actualidad.
En la exposición las creaciones literarias comparten espacio con maquetas y otros elementos gráficos, construidos por estudiantes de escuelas de Arquitectura de Munich y Granada, que materializan, por primera vez, construcciones dibujadas anteriormente sólo con palabras.
Según sus promotores, desde el Poema de Gilgamesh hasta los escritores contemporáneos, las arquitecturas imaginadas a menudo han desempeñado en las obras literarias un papel relevante como el de los personajes humanos y en muchos autores subyace necesariamente un arquitecto.
El autor luso exhibe en la Fundación Barrié 14 proyectos en los que destaca su apuesta por «contenedores de vida», el respeto al paisaje, a la cultura y a la historia.
Empieza evocando una visita a la ciudad cuando tenía unos once años, «habitábamos en el centro-norte de Portugal y pasamos un sábado y un domingo aquí». El mayor recuerdo es una ruidosa carrera de motos en el centro de A Coruña con un buen número de accidentes. Esto evocaba ayer Gonçalo Byrne, mientras repasaba los últimos detalles de la exposición que inaugura hoy en la Fundación Barrié, formada por 14 de sus proyectos, en la primera muestra de este tipo que hace en España.
Un denominador común de todos ellos es la importancia que este multipremiado autor da a la presencia humana, a la relación del hombre con el medio. «Los arquitectos tenemos que dar forma y dar habitabilidad a los espacios, no solo para contener la vida, sino para potenciar esta vida; la cosa más importante en la arquitectura es si nosotros podemos dar contributos para que a la gente le guste las ciudades donde habitan, que tengan esa sensación de amor a su ciudad, de participar en ella», explicaba didácticamente.
En cuanto a la llamada arquitectura espectáculo, Byrne sostiene que la obra que queda «es importante si es de calidad y por detrás de ella se puede hablar de un autor; lo que pasa hoy en día es que hay una inversión con la mediatización de la arquitectura: lo que viene en primer lugar es el autor, después se habla del proyecto y solamente al final se habla de la obra, pero potenciando unas características de autorreferencia al autor».
Uno de los proyectos que muestra Byrne es el de la remodelación y ampliación del museo nacional de Machado de Castro, una llamativa construcción «que tiene más de dos mil años», decía el arquitecto. Y es que uno de los restos que todavía se conserva es un criptopórtico romano «cuyo autor posiblemente sea el mismo que construyó la torre de Hércules», explicaba, si bien matizando que no existe una confirmación histórica del ello «pero es una teoría bastante fiable». «Tuvimos que hacer el proyecto en tres meses y ganamos; menos mal que luego nos dieron seis años para desarrollarlo porque cada vez que hacíamos una excavación aparecía algo», explicaba ayer, mostrando la respetuosa intervención. «En el espacio de dos milenios, el lugar acumula el cruce de muchos rasgos revelando no uno, sino varios edificios que se continuaron o sobrepusieron, cruzándose, destruyéndose o fragmentándose, generando restos residuales y duras, firmezas, abusos, o revelaciones de trascendencia, fascinantes», escribe en el catálogo sobre este proyecto.
El arquitecto Gonçalo Byrne muestra sus obras principales
Arquitectura es, dice Gonçalo Byrne, «habitar espacios, llenar de vida un vacío creando formas y estructuras para transformar y mejorar» el uso y disfrute de quienes viven en ese lugar. Y ese es el planteamiento con el que el arquitecto portugués configuró su primera exposición antológica en España, la que acoge desde hoy y durante casi cinco meses la Fundación Barrié de la Maza en A Coruña. Un recorrido por 14 obras de este premiado urbanista que pretende mostrar, según él mismo reseñó ayer, «la noción de territorio como espacio de compromiso entre ciudad y paisaje», entre urbanismo y patrimonio cultural.
La renovación del entorno de una de las abadías cistercienses más importantes de Europa, como es la de Alcobaça (municipio natal de Byrne), o la inclinada y moderna Torre de Control de Tráfico Marítimo de Lisboa que da una continuidad en el tiempo a otras señales de la orilla del Tajo como es la Torre de Belem, integran esta selección de obras que su autor quiso exponer fundamentalmente a través de maquetas para que cada visitante pueda acercarse y percibir en mayor medida la relación entre territorio y urbanidad.
Unos volúmenes que se distribuyen en tres salas diferenciadas para mostrar ejemplos de intervenciones en lugares singulares como el complejo que construyó al pie del mar en la isla de Madeira, obras civiles concebidas como «contenedores de vida» como la sede ante las vías del tren, del Gobierno de Brabante en Lovaina (Bélgica), o proyectos de reciclaje «para dar una nueva existencia a edificios que entran en ruinas» como la remodelación del Museo Nacional de Machado de Castro en Coimbra. En ese apartado también figuran en A Coruña las viviendas y locales comerciales que Gonçalo Byrne (Alcobaça, 1941) desarrolla en la actualidad en Estoril-Sol, en Cascais, o el gran espacio cubierto de asambleas y presbiterio que se erige en el santuario de Fátima.
Gonçalo Byrne, a la izquierda, explica uno de sus proyectos a Javier López, ayer en la Barrié Fran Martínez - laopinioncoruña.es
A Coruña, 17 nov (EFE).- La obra del arquitecto portugués Gonçalo Byrne (Alcobaca, 1941) podrá conocerse en España gracias a la exposición antológica que la Fundación Pedro Barrié de la Maza mostrará durante los próximos meses en su sede de A Coruña, que reúne sus proyectos más emblemáticos.
«Gonçalo Byrne. Urbanidades» ha sido presentada hoy en A Coruña con la presencia del arquitecto portugués, que ha explicado que concibe los edificios como «contenedores de vida» y ha resaltado que todas sus construcciones buscan ponerse el servicio de sus moradores.
La Fundación Barrié inaugura esta tarde la exposición ‘Gonçalo Byrne. Urbanidades’, en la que se muestran maquetas y planos de los 14 proyectos más destacados del arquitecto portugués.
Luis P. Ferreiro | A Coruña
La Fundación Barrié inaugura esta tarde, a las 20.00 horas la exposición Gonçalo Byrne. Urbanidades, dedicada a la obra del prestigioso arquitecto portugués. La instalación, que se podrá visitar hasta el 3 de abril de 2011, es la primera antología de Byrne que se realiza en España y en ella se muestra al detalle los 14 proyectos más destacados de este creador luso.
La exposición fue presentada ayer por el propio Byrne y por el director de la Barrié, Javier López, quien afirmó que el montaje dedicado al arquitecto portugués guarda puntos en común con la instalación que la institución dedicó a Chipperfield hace unos meses: “Son dos tipos de arquitectura pensadas para personas, no tan espectaculares como otras, pero que tienen en cuenta el entorno urbano”.
“La instalación recuerda aspectos como que la arquitectura es una producción de ideas, de conceptos con una autoría —apreció Gonçalo Byrne—. Es una forma de conocimiento que toca la tecnología pero de forma muy transversal”.
El arquitecto remarcó que todos sus creaciones tienen una clara voluntad narrativa: “Los 14 proyectos aquí expuestos cuentan una historia. Pretendo que la gente entienda la importancia de las formas como contenedores de vida”.
«LA VULNERABILIDAD SÍSMICA EN LA CIUDAD CONTEMPORÁNEA»:
Estudio de caso: Las edificaciones hospitalarias”
Dirigido a: Arquitectos, urbanistas, ingenieros y profesionales afines vinculados con el diseño, construcción, remodelación y mantenimiento de las edificaciones modernas y en el control y gerencia de las ciudades.
Profesores y especialistas:
Dra. Arq. Teresa Guevara (Coordinadora del curso)
Ing. Arnaldo Gutiérrez
Ing. Alfredo Urich
Dra Sonia Cedres de Bello
Fecha: 18 de noviembre al 3 de diciembre de 2010
Duración: 45 hora lectivas. (6 sesiones presenciales) y actividades a distancia
Inscripciones: Hasta el 17 de noviembre de 2010
Costo de la Matrícula:
Bs. 2000,00
DPP (*) Bs. 1600,00
(*) Los cursos de ampliación de conocimiento tienen un descuento de 20% cuando son cursados bajo la modalidad de DPP, según lo establecido por la Comisión de Estudios de Postgrado de la FAU UCV.
Información y Contacto:
Instituto de Desarrollo Experimental de la Construcción IDEC. Planta Baja, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV, Los Chaguaramos Caracas.
Publicación efectuada por solicitud expresa del Profesor Antonio Conti – Coordinador de Extensión del IDEC, así como por envío del Profesor Argenis Lugo.
Junto al Southbank Centre, uno de los espacios culturales más importantes de Londres, cayó una moneda de 3 metros de diámetro de la palma de un gigante, y quedó deformada por el impacto con el suelo. Así es como el autor de esta curiosa instalación, Paul Cocksedge, explica la presencia de Drop, una mole de metal magnetizada a la cual la gente adhiere monedas reales hasta cubrir toda su superficie. A su lado, un hombre que dice ser su cuidador –aunque nadie le cree– se dedica a levantar las monedas que se desprenden y a colocarlas nuevamente en su lugar cuando perfectamente podría llevárselas. Al mismo tiempo, en varios puntos de la ciudad ocurren hechos artísticos abiertos al público : la creatividad está en el aire.
Todo esto sucede mientras en el centro de eventosEarls Court se lleva a cabo la tradicional feria100% Design London , dedicada al diseño industrial y el mobiliario. Allí, más que escenas bizarras o desaforadas, se advierten algunas tendencias bien racionales, como la síntesis y delgadez , hasta llegar casi a la desmaterialización. Lámparas, percheros, mesas, sillas y sillones tienden a definirse sólo en su perímetro: líneas desnudas que recortan el espacio y delinean las siluetas de los productos.
Tal vez, un caso extremo de ese espíritu de síntesis lo ilustró la luminaria Wired, del estudio británico Something From Us, cuya base insinúa la intersección a 90° de dos “placas” virtuales, de las que sólo se definen sus perímetros, dibujados en el vacío con barras delgadas de metal. La misma búsqueda pudo apreciarse en los productos del colectivo de diseño Mark, entre los cuales se destacó el perchero Six, de Dylan Freeth, materializado con tubos de hierro pintado al horno, cuya estructura resuelve tanto el soporte como el sostén de la ropa. Ambos productos comparten la concepción morfológica de simetría radial : geometría pura esbozada con trazos etéreos pero firmes.
También la familia de asientos Net, del diseñador Sam Johnson, ofreció bancos, sillas y taburetes de hierro galvanizado con estructuras lineales de sostén. A éstas les agregó unas superficies de apoyo inspiradas en la trama de las redes de pesca , que a su vez generan formas orgánicas de doble curvatura. En tanto, el perchero Standard, del diseñador británico John Green, propone una sumatoria constructiva de elementos tubulares igualmente despojados, en la que se alternan listones de madera con caños de metal unidos por encastre.
100% Design opened its doors during the London Design Festival Read more: The Best Green Designs From 100% Design London! | Inhabitat - Green Design Will Save the World
Otra de las tendencias visibles en la feria fue la mímesis con la naturaleza : la lámpara Ribbon Pendant (de Tom Raffield) remeda a un nido colgante y está realizada con flejes de chapas de madera curvados al vapor. También la mesa Wave Table, (colectivo Kay + Stemmer) que, aún con las restricciones de una forma recta y adusta recrea la veta de la madera con caladuras irregulares.
La figura del árbol también estuvo presente. El inclasificable Hobi tree, del estudio coreano i-Clue Design, es un pequeño arbolito pelado, podría decirse un bonsái de ABS inyectado, que puede servir como centro de mesa, alhajero o escurridor de mamaderas. O la mesa Fuse Table, (Vitamine), con un “tronco” de madera del que se desprenden “ramas” metálicas que soportan la superficie.
El estudio británicoScabetti, de Dominic y Frances Bromley, recurre a la imagen del cardumen tanto en luminarias esculturales como en diversos accesorios. Estos productos utilizan el j uego de llenos y vacíos para generar contrastes sugerentes de luces y sombras. Otra línea de luminarias, A Moment, del estudio coreano Blue Door, pero en este caso al ras del suelo, consiste en una familia de “piedras” traslúcidas de formas sensuales en las que el interruptor tiene la forma de un pájaro posado sobre la superficie lisa. “Recrear en el hogar un momento de la vida natural ”, fue la idea de Park Woo Sung, su autor.
100% Design London is about the best of contemporary interior design. 100% Design London features world-class interiors show 100% Design, architectural and interior materials exhibition100% Materials and emerging talent showcase 100% Futures.
La II Bienal Iberoamericana de Diseño tendrá lugar entre el 22 y el 26 de noviembre de 2010 en la Central de Diseño en Matadero Madrid.
La BID_10 pretende destacar aspectos sociales del diseño iberoamericano y difundir los vínculos del diseño y los diseñadores con el desarrollo de los países iberoamericanos. En esta segunda edición, participan un total de 23 países, incorporando a Haití (Caribe). Los temas transversales de la presente edición son “Diseño para todos” y “Diseño para el desarrollo”. Uno de los principales objetivos de la II Bienal Iberoamericana de Diseño es atender a producciones que incorporen estos valores ofreciendo nuevos parámetros que posibilitan soluciones innovadoras acordes con la realidad específica de Iberoamérica.
Una de las imágenes que exhibe la exposición 'Modernización'. El Periódico, Barcelona (España)
EXPOSICIONES // CAMBIOS EN EL PAISAJE URBANO DE LA EUROPA DEL ESTE
Dos exposiciones, Modernización y Casas sin acabar, muestran, a través de la fotografía, los procesos que ha experimentado la arquitectura en la Europa del Este en los últimos 60 años.
El espacio de creación La Nau Ivanow, en la Sagrera, acoge Modernización, que se centra en el cambio radical que tuvo lugar en las ciudades de la Europa central y del Este en la segunda mitad del siglo XX visto a través del objetivo de una docena de fotógrafos de cinco países: Austria, República Checa, Eslovaquia, Hungría y Polonia. La reconstrucción tras la segunda guerra mundial y la rápida urbanización de estos territorios fue hecha según un estilo nuevo e internacional, un modernismo de grandes bloques de oficinas y viviendas sociales, fábricas y polideportivos que ignoraban el contexto histórico y la tradición local para imponer un nuevo orden a mayor escala. Las cámaras de los fotógrafos de Modernización, de hecho, se acercan a esta arquitecturacon un ojo crítico que valora, sobre todo, la influencia que tuvo y tiene en el paisaje y la vida cotidiana de sus países.
Francia celebra a Charles Garnier, el hombre que inventó el estilo de su capital.
Juan Manuel Bellver (Corresponsal) | París
Bajo el título de Garnier: un arquitecto para un Imperio, la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París presenta, hasta el 9 de enero de 2011, la más grande exposición retrospectiva dedicada jamás a Jean-Louis Charles Garnier (1825-1898), el hombre que construyó la Ópera de París (hoy conocida popularmente como Ópera Garnier) y muchos otros edificios representativos de la grandeur de la ciudad del Sena en la época de Napoléon III.
La muestra, que reúne cerca de 300 obras del autor en las galerías del Quai Malaquais, se completa con L’Oeil et la plume, una recopilación de caricaturas que se exhibe en el cercano Gabinete de Dibujos de Jean Bonna. Con estas dos visiones del trabajo dual de Garnier, la escuela redunda en su política de ir mostrando parcialmente esa espléndida colección de obras de arte que atesora desde hace 400 años, al tiempo que rinde homenaje a quien el propio catálogo de la exposición define como «el más celebre y talentoso de cuantos alumnos han pasado por las aulas de la rue Bonaparte».
Charles Garnier. Wikipedia
Conocido mundialmente por la construcción de la ópera parisina durante el Segundo Imperio Francés, Garnier ganó el concurso promovido por el Emperador Napoleón III, tras haber obtenido meritoriamente en 1848 el prestigioso Prix Rome. En 1861, hubo de ponerse a las órdenes del Barón Haussmann, a quien el emperador había confiado el plan urbanístico de la ciudad, que incluía, además de un trazado circular de amplios bulevares, derrumbar 12.000 metros cuadrados en el noveno arrondissement, para construir al norte del Louvre un moderno teatro que albergara las reputadas compañías de ópera y ballet de París.
A su muerte, Charles Garnier (1825-1898) fue el arquitecto francés más conocido del siglo XIX, y uno de los más famosos del mundo. La Ópera Garnier, considerada incluso antes de su finalización como una obra maestra de la arquitectura de su tiempo, fue también uno de los primeros y uno de los pocos edificios en la historia francesa que llevan el nombre de su autor. Hoy una exposición en París recuerda al arquitecto y a su obra.
Francia celebra a Charles Garnier, el hombre que inventó el estilo de su capital.
Bajo el título de Garnier: Un arquitecto para un Imperio, la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París presenta, hasta el 9 de enero de 2011, la más grande exposición retrospectiva dedicada jamás a Jean-Louis Charles Garnier (1825-1898), el hombre que construyó la Ópera de París (hoy conocida popularmente como Ópera Garnier) y muchos otros edificios representativos de la grandeur de la ciudad del Sena en la época de Napoléon III.
RIO DE JANEIRO — El legendario ex futbolista Edson Arantes do Nascimento, Pelé, y el célebre y centenario arquitecto Oscar Niemeyer presentaron este jueves en Rio de Janeiro el proyecto del museo dedicado al ‘Rey del fútbol’ en la ciudad portuaria de Santos, litoral de Sao Paulo.
«El (Pelé) es el jugador de todas las generaciones y merece varios homenajes», declaró Niemeyer, de 103 años.
El museo, en forma de balón, ya comenzó a ser construido en el centro histórico de Santos (85 km de Sao Paulo) y se prevé que estará finalizado en 2012.
Se pretende resguardar las memorias y proezas del ‘Rey’ -que cumplió 70 años el 23 de octubre y fue autor de 1.284 goles- con la exposición de más de 3.000 piezas, pero también fomentar el turismo en la ciudad.
El genial arquitecto ya ha diseñado el que será un equipamiento en honor del legendario jugador
L. A. R. |
El para muchos rey del fútbol y el Príncipe de Asturias de las Artes cara a cara. Dos de los hijos más geniales de Brasil, juntos ayer para hacer realidad un proyecto, la construcción de un museo dedicado al balompié, deporte fundamental en la idiosincrasia del país que acaba de pasar unas elecciones generales y de colocar a una mujer al frente de su presidencia. Un museo que llevará el nombre de Pelé, tendrá forma de bola y exhibirá en su interior todos y cada uno de los trofeos acumulados en su historial deportivo por el mejor jugador del mundo con permiso de Maradona. Entre ellos, la copa Jules Rimet que Brasil recibió como campeona del mundo en 1970 en México y que significó el tercer mundial del jugador del Santos. En total se exhibirán unas tres mil piezas, muchas de ellas tesoros y recuerdos vinculados al eterno 10 brasileño que para los aficionados constituyen verdaderos iconos de la historia del fútbol.
Río de Janeiro, 4 nov (EFE).- El arquitecto brasileño Óscar Niemeyer elogió hoy al «rey» del fútbol, Edson Arantes do Nascimento «Pelé», a quien definió como «un ídolo inolvidable», durante la presentación del diseño de una escultura que será erguida en su honor, junto con un museo dedicado a su trayectoria.
Niemeyer, de 102 años, recibió hoy al ex jugador en su estudio de Río de Janeiro, que ofrece privilegiadas vistas a la playa de Copacabana, para entregarle oficialmente los bocetos del monumento de 20 metros de altura, que llevará la firma del arquitecto más aclamado de Brasil.
«Estoy muy honrado, porque casi siempre se hacen homenajes a las personas que ya se fueron, pero yo tuve la bendición de recibirlo antes de morir», afirmó Pelé, quien el mes pasado celebró sus 70 años.
Tiempo atrás, en ocasión de la Bienal de Arquitectura de Buenos Aires 2005, el arquitecto y urbanista Roberto Converti compartió por primera vez con ARQ su entusiasmo por formar parte de la Asociación Internacional de Ciudades y Puertos (AIVP), como miembro de su Comité de Expertos. “El solo hecho de que unos cien especialistas de todo el mundo se reúnan para debatir una problemática en común, como lo es vivir en ciudades con puerto, puede derivar en intercambio de información y en la generación de nuevos conocimientos de un valor incalculable”, sostuvo entonces Converti, palabra más o menos.
Cinco años más tarde, esta experiencia tendrá lugar en la Argentina, cuando la 12° Conferencia Internacional de Ciudades y Puertos sesione entre el lunes 15 y el jueves 18 de noviembre, en Buenos Aires y Rosario, bajo el lema “Nuevo mundo/Nuevos desafíos”. Habrá 70 conferencistas internacionales de los cinco continentes, además de la plana mayor de la AIVP, asociación fundada en 1988 con sede en Le Havre, Francia, cuya misión consiste en “favorecer la cooperación entre los actores del desarrollo de los puertos y ciudades portuarias”.
Según explica Jean-Pierre Lecomte, presidente de la AIVP, el objetivo de la conferencia –al igual que en las dos anteriores, Sidney 2006 y Estocolmo 2008– es “debatir el rol que deberían cumplir las ciudades con puerto en su misión local y global, como sitios portadores de identidad ciudadana fronteras adentro, y la cara más expuesta del comercio, la logística y el turismo internacional”.
En su opinión, las ciudades portuarias constituyen “un magnífico laboratorio de innovaciones para proyectos modernos de desarrollo sostenible”, tal como lo demostraron en las últimas dos décadas casos paradigmáticos como la reconversión del puerto de Bilbao o el Canary Wharf de Londres. Que, a su vez, fueron imitados a veces mal y otras bien por muchos otros proyectos en todo el mundo, incluido Puerto Madero.
Converti enfatiza la importancia del reordenamiento urbano en las ciudades con puerto: localización de las zonas logística, infraestructura y servicios, y establecimiento de interfases y terminales multimodales para el transporte de cargas y pasajeros. “Son cuestiones que tienen una importancia crucial en el desarrollo sostenible de las ciudades, así que la Argentina debería poder aprovechar esta oportunidad excepcional para debatir estos temas”, asegura. Y agrega, optimista: “Muchos problemas sociales se evitarían si la planificación estratégica de un país se realizara con el tiempo y la eficiencia necesarias”.
El jefe de la sección de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno (Moma) de Nueva York, Barry Bergdoll, ofrecerá una conferencia en Tenerife el 7 de noviembre sobre las «Corrientes emergentes: proyectos para un frente marítimo«, con la que inaugurará un taller internacional.
Barry Bergdoll participará en el taller internacional «Green Low Cost«, una iniciativa organizada por la Asociación Laboratorio de Investigación e Innovación en Arquitectura, Urbanismo, Diseño y Turismo Avanzado (El Laboratorio) con el apoyo del programa «Septenio» del Gobierno de Canarias.
El taller se desarrollará en el Ayuntamiento de La Orotava del 6 al 13 de noviembre y tiene como objetivo buscar ideas para el futuro social y cultural de las islas turísticas para lo que se trabajará, como ejemplo, en el caso de este valle tinerfeño, informa el programa «Septenio» en un comunicado remitido a Efe.
El encuentro «Green Low Cost» está constituido por un taller, un ciclo de conferencias y una programación paralela y Barry Bergdoll, considerado como uno de los críticos e historiadores de arquitectura más influyentes e importantes del ámbito internacional, será el encargado de inaugurar las conferencias, abiertas al público previa inscripción por correo electrónico.
En el caso del taller internacional, los asistentes serán alumnos de las universidades Europea de Madrid (UEM), Las Palmas de Gran Canaria (ULPG), Politécnica de Valencia (UPV), Técnica de Berlín (UTB) y de la Escuela Especial de Arquitectura de París (ESA).
Estos alumnos analizarán los problemas comunes que atañen a los territorios insulares, como los residuos, la deforestación o las dificultades de transporte, entre otros.
En este taller se analizará también el caso concreto de Tenerife, para, finalmente, proponer «proyectos-ideas«.
Al igual que las catedrales medievales, en cuya construcción se tardaba siglos, la Sagrada Familia acumula ya 128 años desde que el arquitecto diocesanoFrancisco de Paula del Villar comenzó el proyecto de una iglesia neogótica el 19 de marzo de 1882, un proyecto al que se incorporó un joven Gaudí a finales de 1883.
Cuando dentro de 500 años, un sucesor de Ken Follet novele una nueva «Los pilares de la tierra» a partir de la Sagrada Familia, explicará que desde que Gaudí murió en 1926, continuaron su labor otros seis arquitectos siempre sus directrices, los planos y, sobre todo, las maquetas de yeso a escala 1:10 que se salvaron del incendio que destruyó su taller durante la Guerra Civil.
Cuando muere Gaudí en 1926, el arquitecto sólo había visto construido el primer campanario de la fachada del Nacimiento, dedicado a San Bernabé, de 100 metros de altura.
El propio Bonet recuerda en declaraciones a Efe que en la última visita al templo del secretario de Estado Vaticano, Tarcisio Bertone, para preparar la visita del Papa, sus palabras no pudieron ser más elocuentes: «Gaudí es el Dante de la arquitectura«.
Desde sus inicios, el templo siempre ha sido expiatorio, pues su construcción se ha financiado con donativos, a los que se han sumado en los últimos años el dinero que dejan en taquilla los más de 2 millones de turistas anuales que visitan la Sagrada Familia.
Gaudí inició el proyecto por la cripta, el espacio en el que hoy se encuentra su tumba, pero cuando comenzó las obras del ábside y del claustro, un importante donativo anónimo empujó al arquitecto a desestimar el proyecto neogótico inicial y a acometer una obra de más envergadura: una iglesia de grandes dimensiones, con planta de cruz latina, que, en lugar de una, tendría 18 torres de gran altura.
En su visita al templo, el Papa encontrará, explica Bonet, la totalidad del espacio que ocupa la iglesia «totalmente cubierto y cerrado», que incluye, además de la nave central y las laterales, el transepto, las capillas del ábside y el deambulatorio o girola.
Tras el acto del día 7, añade Bonet, «el día siguiente continuaremos las obras por encima de la cubierta para levantar el cimborrio más alto, dedicado a Jesucristo, que se alzará hasta los 170 metros».
Para más adelante quedarán los cimborrios dedicados a la Virgen María y a los cuatro evangelistas (Juan, Lucas, Marcos y Mateo) y las cuatro torres de la fachada de la Gloria, dedicados a los apóstoles Pedro, Pablo, Andrés y Jaime; así como el claustro perimetral, otra de las peculiaridades de la basílica barcelonesa.
En enero está previsto que comiencen las obras de una de las dos sacristías, la que se encuentra junto a la fachada de la Pasión.
¿Cómo concibió Antoni Gaudí el templo? ¿Qué se le pasó por la cabeza? El arquitecto fue fiel al cristianismo en su diseño y decoración. Mil detalles atestiguan el valor simbólico de todo el edificio.
Entradas anteriores en ArquitecturaS que tratan sobre La Sagrada Familia y Gaudí:
El Papa abrirá mañana al culto la Sagrada Familia, que podría terminarse en 2026 gracias a los avances tecnológicos y a los millones de turistas que financian las obras
El artista (1852-1926) fue ridiculizado al principio de su carrera y olvidado tras su muerte. Murió atropellado, en loor de santidad.
Reus y el pequeño pueblo tarraconense de Riudoms siguen disputándose, todavía hoy, el honor de haber sido locus natalis de Antonio Gaudí en el verano de 1852. De familia de artesanos, enfermizo durante la infancia, Gaudí pasaría mucho tiempo en soledad y en contacto con el campo. De ahí, se aduce, vendría un arte arquitectónico personalísimo en un espíritu ornamental basado en motivos de la naturaleza, y moderno precisamente por medievalista y primigenio. Es el mayor ejemplo mundial de modernismo orgánico.
Para llegar a la arquitectura “exuberante”, según el ensayista Valentí Puig, “de sentido litúrgico”, Gaudí ganó fama entre el público burgués de Barcelona con proyectos que han ganado tanta fama como la Casa Milà, popularmente conocida como La Pedrera, la Casa Batlló o el Parque Güell, obras todas barcelonesas, donde Gaudí desarrolla su peculiar lenguaje arquitectónico, innovador tanto en elementos estructurales como en simbología.
Actualización: 10 de noviembre de 2010
El interior de la Sagrada Familia, tras la consagración. | Efe - ElMundo.es
Tras la visita del Papa a Barcelona, el lunes fue el día del aplauso unánime al genio de Gaudí y a la organización del macroevento, pero también del balance económico de comercios y restaurantes y de la vuelta a la normalidad para los vecinos de la basílica. El efecto de las imágenes televisadas del templo no se hizo esperar: el martes, la cola de visitantes daba la vuelta a la manzana.
Benedicto XVI fue el encargado de descubrir al mundo el bosque de columnas de la nave central de la Sagrada Família, una obra faraónica que, aunque sigue en obras, ha recibido el elogio de la prensa mundial. Los cálculos apuntan a que 1,2 millones de personas siguieron en algún momento la ceremonia.
El pabellón particular de Barcelona cerrará sus puertas con un balance de 2,2 millones de visitantes. Sus responsables se declaran satisfechos de haber trasladado, según una encuesta, la imagen de una ciudad «abierta, innovadora y moderna».
El premio al pabellón español redondea el éxito de visitantes. Hoy está previsto que alcance los siete millones, dos más de los previstos por la organización. Esta semana se supo también que el futuro Museo de la Expo se quedará a Miguelín, el icono español en la Expo. Miguelín es un bebé articulado de seis metros y medio que despedía a los visitantes, pensado por la cineasta Isabel Coixet y construido por el taller estadounidense responsable de los bichos de Alien o Predator. Es una buena noticia por el honor que supone y el ahorro de los costes del traslado a casa y su carísimo mantenimiento.
COLAS DE HASTA SEIS HORAS / La Expo de Shanghái acaba seis meses después con el rutinario listado de récords que acompañan los eventos en China. Es la más grande, la más cara y la más visitada. Internet ha deslegitimado como escaparate mundial de patentes a las expos, abocadas en los últimos tiempos al gigantismo. China no abrió el camino, pero ha llegado más lejos que nadie. Con los números en la mano, la Expo de Shanghái ha sido un éxito rotundo.
Esta semana, con exactitud matemática, se superaron los 70 millones de visitantes que la organización juzgaba exitosos. Son seis más de los conseguidos por Osaka en 1970. La Expo ha registrado una media de 400.000 visitantes diarios y en varias jornadas se superó el millón. Los fríos números se han traducido en penosas concentraciones humanas y colas de hasta seis horas en los pabellones más solicitados, a menudo aderezadas con el insoportable calor húmedo de Shanghái.
Durante estos seis meses, China ha lucido ante el mundo la modernidad que ha traído el extraordinario crecimiento económico de las tres últimas décadas.
PABLO M. DÍEZ / CORRESPONSAL EN PEKÍN
Arquitectonico 
Debe estar conectado para enviar un comentario.