ArchiCAD 14 continúa añadiendo mejoras de productividad para los arquitectos en todo el ciclo completo del flujo de trabajo BIM con un enfoque específico en completar la integración del flujo de trabajo de arquitectura con la ingeniería.
La buena Arquitectura requiere colaboraciones entre todas las disciplinas de diseño. Los Arquitectos tienen un papel central al tener que coordinar todos los aspectos de sus diseños con otras disciplinas durante todo el proceso de diseño. ArchiCAD 14 convierte la tecnología IFC en una solución de flujo de trabajo sólida y completa permitiendo la colaboración con los ingenieros, sea cual sea su disciplina o el nombre y versión de la aplicación que deseen utilizar para trabajar. Este acercamiento «abierto» a la colaboración interdisciplinar amplía enormemente las opciones de los diseñadores para una Entrega de Proyecto Integrada (IPD) real, dando como resultado una más rápida entrega de los proyectos y significativemente menos errores de coordinación.
Sejima: ‘La organización está al servicio de hallar otras formas de vida’
‘Lugares comunes’, la apuesta nórdica; el ahorro energético, la española
La muestra tendrá lugar entre el 28 de agosto y el 21 de noviembre
Jose F. Leal |
El próximo domingo 29 de septiembre abrirá sus puertas la duodécima edición de la Bienal de Arquitectura de Venecia con un digno objetivo, en estos tiempos de crisis y desconcierto político, en lo relativo a la forma en que vivimos y compartimos el espacio: transmitir valores de cambio y hacer realidad los sueños de una «sociedad en continuo cambio».
«La organización está al servicio de hallar otras formas de vida», afirma la japonesa Kazuyo Sejima, responsable de la muestra. Sejima (premio Pritzker 2010, el equivalente al Nobel en Arquitectura) brilla con luz propia y realza, más si cabe, el nivel del evento veneciano. Es la primera vez una mujer lo preside y su liderazgo no puede venir acompañado de mejores intenciones. La muestra arranca con el lema People meet in Architecture («La gente se encuentra en la arquitectura»).
En la Bienal de Venecia se exhibirán nuevos espacios tridimensionales así como instalaciones de diversos tipos. En total, asistirán 48 participantes, entre estudios, arquitectos a título individual, ingenieros y artistas, a los que se se unirán a las 53 representaciones nacionales, dentro del apartado los «Giardini della Bienalle«.
El pabellón español, en el que estarán se presenta un proyecto titulado «Arquitectura entre límites», que busca definir una nueva modalidad de arquitectura, compatible con los principios de sostenibilidad ambiental, económica y social, teniendo en cuenta la necesidad de aprovechar mejor los recursos naturales existentes.
El pabellón de España plasmara las ideas y reflexiones de sostenibilidad ambiental, económica y social
ARTE / BIENAL DE VENECIA
España reflexiona sobre los límites de la arquitectura del futuro
EP / Madrid
El pabellón de España en la 12 Muestra Internacional de Arquitectura, La Bienal de Venecia, mostrará el trabajo y las reflexiones de arquitectos nacionales e internacionales para definir cuáles deben los nuevos límites de la arquitectura en un mundo consciente de la necesidad de aprovechar mejor los recursos disponibles y así prestar mayor atención a las nuevas demandas de la sociedad.
Para ello, casi una veintena de arquitectos y estudios de arquitectura españoles han querido plasmar en las paredes del pabellón de España sus ideas y reflexiones sobre el marco en el que irremediablemente deberá trabajar la arquitectura para ser más respetuosa con el entorno. La 12 edición de La Bienal se celebra del 28 de agosto al 21 de noviembre bajo el lema ‘People meet in arquitecture’ y se centra en el encuentro recíproco entre arquitectura y sociedad, con la muestra de 43 obras de arquitectos, estudios y artistas internacionales junto a los pabellones de los 54 países participantes.
La propuesta española se titula ‘Arquitectura entre límites‘.
Una veintena de arquitectos plasman sus pensamientos sobre cómo ha de ajustarse la arquitectura a un nuevo modelo sostenible social.
La Bienal de Venecia se celebra del 28 de agosto al 21 de noviembre.
EP
Una veintena de arquitectos españoles plasman en el pabellón de España en la Bienal de Arquitectura de Venecia sus pensamientos sobre cómo ha de ajustarse la arquitectura a un nuevo modelo sostenible social, económico y ambiental, informó el Ministerio de Vivienda.
La propuesta española, titulada ‘Arquitectura entre límites’, transmite los esfuerzos actuales por encontrar el nuevo territorio de la arquitectura, un terreno que se aleje de los criterios formalistas que han predominado en los últimos tiempos y en el que la arquitectura se ponga al servicio de los principios de sostenibilidad, acordes con el momento actual.
Proyecto del arquitecto Enric Ruíz-Geli. | ELMUNDO.es
Su apuesta de ciudad sostenible se inspira en las tesis de Jeremy Rifkin
ELMUNDO.es | Madrid
El arquitecto español Enric Ruíz-Geli y su estudio Cloud 9, basados en Barcelona, expone su proyecto de futuro para las ciudades del año 2030. Su trabajo se encuentra en el marco de una exposición vinculada al premio AUFA (Audi Urban Future Award), que ha ganado el alemán Jürgen Mayer H., y que podrá visitarse en Venecia del 27 de agosto al 26 de septiembre en la Scuola Grande della Misericordia, en coincidencia con la Mostra Internazionale di Archittetura.
La propuesta de Ruíz-Geli, que puede verse junto a la de cinco de los estudios de arquitectura más avanzados del mundo, apuesta decididamente por un nuevo modelo energético. En él destacan edificios y barrios capaz de ser autosuficientes energéticamente, y vehículos ligeros que cambiarán la fisonomía de las ciudades. El proyecto se inspira en el concepto de la Tercera Revolución Industrial postulado por el economista Jeremy Rifkin.
Enric Ruiz-Geli fundó el estudio Cloud 9 en 1997, que emplea a 23 personas de 16 nacionalidades diferentes. A él se deben obras como la Villa Nurbs, en el Empordà, el futuro acuario de Coney Island, Nueva York; el edificio Media-Tic, en el distrito 22@ de Barcelona o el Pabellón de la Sed en la Exposición Internacional de Zaragoza 2008.
La XII Bienal de Venecia se presenta como la más plural e inclinada a buscar soluciones de la historia – La ‘pritzker’ Kazuyo Sejima es la primera mujer que dirige la muestra
ANATXU ZABALBEASCOA – Venecia
¿Qué decide la vida de las personas? ¿Las grandes decisiones o las pequeñas? La arquitecta Kazuyo Sejima (Ibaraki, Japón, 1956) piensa que son las pequeñas las que desencadenan la infelicidad o las que hacen posible una vida plácida. Explica que lo ha aprendido de los arquitectos que se fijaron en las personas -y en los comportamientos de esas personas- antes de dedicarse a analizar las formas. La lista es larga: desde Cedric Price, Rem Koolhaas o Lina Bo Bardi hasta no-arquitectos, como el artista Olafur Eliasson o el cineasta Wim Wenders. Por eso en esta XII edición de la Bienal de Venecia -la primera dirigida por una mujer- la arquitectura elegida por Sejima no quiere cambiar el mundo sino la vida de las personas en ese mundo. Esa es su propuesta.
54 países participan en la XII Muestra Internacional de Arquitectura.
Acercar la arquitectura a la gente, éste es el objetivo de la XII Muestra Internacional de Arquitectura de Venecia, que hoy abre sus puertas al público en la Ciudad de los Canales bajo la dirección por primera vez de una mujer, la japonesa Kazuyo Sejima.
La ganadora del prestigioso premio Pritzker, el Oscar de la arquitectura, ha articulado durante los tres meses de exposición una Muestra que quiere dar respuesta a la pregunta de si la arquitectura es capaz de hacerse portavoz de nuevos estilos de vida. «Esta exposición —señaló a los medios la arquitecta japonesa— es la ocasión para experimentar las múltiples posibilidades de la arquitectura, porque cada nueva idea, responde a un modo diferente de vivir».
Rusia presentará en Venecia, en la XII Bienal de Arquitectura, el proyecto de resurgimiento de la antigua ciudad rusa de Vishny Voloshek.
Cada ciudad rusa tiene su historia y sus particularidades. Las tiene también la ciudad de Vishny Voloshek, ubicada a mitad de camino entre Moscú y Petersburgo. La ciudad nació en la antigüedad entre tres ríos. En aquellos lugares era fácil arrastrar un bote de un río a otro por el suelo. Y hace 300 años, Pedro Primero construyó allí un sistema excepcional de canales, gracias a los que fue construido muy rápidamente San Petersburgo. A mediados del siglo XIX, el sistema hídrico cayó en decadencia, pero la “Venecia rusa”, como es denominada a menudo Vishny Voloshek, no ha perdido su relevancia.
El revestimiento de aluminio que envuelve al Dee and Charles Wyly Theatre, una de las últimas obras de Rem Koolhaas (en Dallas, Estados Unidos), fue diseñado y fabricado íntegramente en Argentina. Cada una de las 2.600 piezas que constituyen los tubos que cubren el perímetro del edificio fueron despachadas desde Buenos Aires por barco o avión.
Se trata de un cerramiento de 3.475 metros cuadrados que simula los pliegues de un inmenso telón. El revestimiento recorre las cuatro caras de un edificio atípico, que replantea completamente la forma de concebir un teatro. Esta nueva tipología propuesta por Koolhaas implica la redistribución de las áreas técnicas y de transición de un programa clásico (foyer y demás áreas de apoyo y servicio). En este proyecto ya no están alrededor de la sala sino por encima o por debajo de ella, distribuidas en doce niveles (dos bajo tierra).
El diseñador holandés concibió la envolvente como una fachada ventilada que se materializó con 466 tubos de aluminio de siete formas distintas. Estas columnas, de 30 metros de altura, fueron realizadas a partir de la combinación de 24 tipos de extrusión de aluminio diferentes. Las columnas se agruparon en seis combinaciones distintas que dan un aspecto irregular a la envolvente, que rememora la caída natural de un cortinado.
Para resolver el desafío planteado por Koolhaas, el equipo de ingeniería de la empresa argentina DAMTSA comenzó a trabajar en 2005. Por su parte, Aluar se encargó de procesar las 128 toneladas de aluminio con las matrices diseñadas ad hoc para esta obra. ”Los planos y las especificaciones se sometieron a un estudio exhaustivo para unificar el requerimiento estético del arquitecto con la factibilidad de ser fabricado”, explica el ingeniero Dante Martinez Tisi, titular de Damtsa, dedicada desde hace 10 años a customizar metales.
La primera obra de la empresa fueron los parasoles del laboratorio Carl Icahn (en la Universidad de Princeton, Estados Unidos), de Rafael Viñoly. Lograron el encargo porque simplificaron la solución del mecanismo de movimiento de los paneles de 11 metros de altura, regulado según el día y la hora, propuesto por otras dos empresas, una de Alemania y otra de Italia.
Damtsa y Aluar combinan esfuerzos para exportar ingeniería: “Si el proyecto es a medida, las horas de ingeniería son más económicas, somos competitivos y en Aluar están dispuestos a hacer las matrices que sean necesarias”, afirma Martínez Tisi, y agrega “Trabajar a distancia es muy habitual en países como Estados Unidos, donde se contratan empresas radicadas en otro estado”.
Dallas Center for the Performing Arts
Dallas, Texas
The design addresses the unique and distinctive performance requirements of classical and experimental theater.
When completed, the Dee and Charles Wyly Theater will be part of a cultural complex that completes the Arts District.
Situated on the south side of the Dallas Center for the Performing Arts’ Grand Plaza, the Dee and Charles Wyly Theater will serve as a gateway to the Dallas Arts District from the downtown Dallas business center.
The Dee and Charles Wyly Theatre will be one of the world’s most innovative theatre facilities. The 12-level building will feature a groundbreaking design with an unprecedented «stacked,» vertically organized facility that completely rethinks the traditional form of theatre. The Wyly Theatre was designed by REX/OMA, Joshua Prince-Ramus (partner in charge) and Pritzker Prize-winning architect Rem Koolhaas.
Un verano atrás, la casa de subastas Christie’s divulgó con orgullo que se disponía a sacar al mercado una joya arquitectónica única en el mundo: la Ennis House, construida en 1924 por Frank Lloyd Wright en lo alto de una colina en la urbanización Los Feliz Hills, en Los Ángeles, por fabuloso precio de 15 millones de dólares. Sin embargo, combinación de factores -coyuntura económica y lo peculiar del lote- no favorecen el cambio de manos, hasta el punto que el precio de la propiedad fue rebajado primeramente a 10 millones y, este verano, a 7,5 millones, justo la mitad de la oferta de partida.
Para su actual propietario, la Fundación Ennis House -antiguo Trust para la Conservación del Patrimonio Cultural- la decisión entonces fue tan necesaria como dura. «A pesar de las conversaciones mantenidas con numerosos inversores potenciales, no hemos hallado los fondos suficientes para sufragar el mantenimiento», expresaron.
Tenían que encontrar un nuevo dueño lo suficientemente sensible como para adquirir la casa y cubrir así los costes de reparación efectuada en 2005 a raíz del terremoto de 1994 que casi consigue echar abajo el inmueble. Las obras requirieron una inversión de 6,5 millones de dólares en reponer bloques de piedra sustraídos, contener uno de los muros y afianzar la situación de la Fundación. Una de las promotoras de la colecta de hace un lustro fue Diane Keaton, que figura entre los 11 miembros de la institución conservadora.
La entidad, que acusó a su último propietario privado, Augustus O. Brown, de abandonarla a su suerte, se dedicó afanosamente a la captación de fondos -ya en 2002 la casa recibió 100.000 dólares de la Fundación Getty para una reparación urgente- pero las donaciones fueron insuficientes.
La Ennis House, de inspiración indígena mexicana, es un auténtico tesoro de la arquitectura mundial y precisamente por eso resulta tan difícil encontrarle comprador. Hilton & Hayland, la lujosa agencia local responsable de su venta -junto a su socio internacional Christie’s-, no ceja en su empeño y exhibe con gusto el inmueble en su escaparate virtual.
El verano pasado, Christie’s Great Estates informó de que se disponía a sacar al mercado una joya arquitectónica: la Ennis House, construida en 1924 por Frank Lloyd Wright en Los Ángeles (EE.UU.), por un precio de 15 millones de dólares (11,8 millones de euros). Sin embargo, la ausencia de compradores ha hecho que el precio de la propiedad fuera rebajado inicialmente a 10 millones de dólares (7,8 de euros) y, este verano, a 7,5 millones (5,9 millones de euros), justo la mitad de la oferta de partida.
The Ennis House is a residential dwelling in the Los Feliz neighborhood of Los Angeles, California, USA, south of Griffith Park. The home was designed by Frank Lloyd Wright for Charles and Mabel Ennis in 1923, and built in 1924. Wikipedia.
Ten months after it was listed for $15 million, the Frank Lloyd Wright-designed Ennis House is still for sale. In February, the price was dropped to $10.5 million.
Built in 1924 for Charles and Mabel Ennis on a hilltop in Los Angeles, the 6,000-square-foot Ennis House is the largest of Wright’s four textile-block-style dwellings. The house, which is listed on the National Register of Historic Places, has been a popular location for movies, music videos, and photo shoots.
In recent years, the Ennis House Foundation, which owns the landmark, has spent $6.5 million on repairs due to earthquake and rain damage. Still, the house requires $6 million worth of work. To prevent demolition and guide future renovations, the foundation has put a conservation easement on the property.
The Ennis-Brown House
«No house should ever be on a hill or on anything. It should be of the hill. Belonging to it. Hill and house should live together each the happier for the …»
Los Angeles often feels like another planet to non-natives, from the confluence of cultures to the often unearthly architecture. In Architecture of the Sun: Los Angeles Modernism 1900-1970,Thomas S. Hines serves as our ambassador to this brave new world on the left coast that served as the perfect environment for international architectural styles to find room to grow in the United States. Hines, Professor Emeritus of History and Architecture at UCLA, where he teaches cultural, urban, and architectural history, sees L.A. as a prime “consumer and translator of modernist architectures developed elsewhere,” and, thus, “presents a seductive case study of the effect upon modernism of regional patterns and imperatives—and vice versa.” California dreaming in steel, glass, and stone thus continues the dreams of European modernists while simultaneously engaging the local flavors of the City of Angels. Hines’ voyage of discovery through the manmade landscape of Los Angeles is a strange, and stirring, trip.
La estación de bomberos Ave Fénix, en México DF, posee una severa geometría que optimiza la relación con la calle. En el interior, un sistema de escaleras, tubos y puentes responde a las exigencias de circulación.
Avenida Insurgentes forma parte de la compleja red de vías de tránsito rápido que cruzan y fraccionan la planta de la ciudad, y que aun así, no parecen dar abasto al difícil tránsito mexicano. El área donde se ubica el terreno no solo no tiene piezas de interés arquitectónico, sino que es lo suficientemente desprolija como para que el proyecto de la estación de bomberos se les haya presentado a Amezcua y Pardo como una oportunidad para introducir un elemento que señale una cierta dirección destinada a poner orden en el desarticulado paisaje de Insurgentes. Y eso es el proyecto de Ave Fénix, una fachada técnica, silenciosa y ordenada, una sencilla caja cromada que flota sobre la vereda y contiene un edificio inteligentemente resuelto.
Los proyectistas, que obtuvieron el primer premio en un concurso convocado por invitación, sacan rédito de las condiciones del terreno, ancho y poco profundo , dividiendo el programa en dos partes. Por un lado, la playa de vehículos, que ocupa toda la planta baja, y por el otro, el resto del edificio, proyectado en forma de dos naves estrechas.
Interior de la Estación de Bomberos Ave Fenix / AT 103 + BGP Arquitectura (Foto: Plataforma Arquitectura)
Las naves, de tres pisos, se disponen paralelas al lado largo del terreno, una sobre la calle y la otra recostada sobre el fondo, conformando un espacio vacío y diseñado como un patio cubierto .
Ambas partes del proyecto aparecen claramente expresadas en la fachada. Mientras que la planta baja es una larga ranura que corre a todo lo largo del terreno, los pisos altos están cubiertos por una cortina homogénea, construida con placas de metal suavemente plateado, que reduce drásticamente la expresividad del edificio.
La efectividad de la fachada de Ave Fénix es resultado de, por lo menos, dos aspectos acertados. La seca geometría modular y la tersura metálica de la placa de la fachada garantizan el efecto de orden en el desorden de Insurgentes y ponen en acto la representación de la estación de bomberos: la exposición de los refulgentes camiones y autobombas rojo fuego y los entrenamientos del cuerpo de bomberos, que vienen a ser la expresión más neta de la pauta programática del proyecto. La ranura de la planta baja pone en contacto calle y edificio, ampliando y redefiniendo el espacio público. La placa lisa y sin sombras de la fachada acentúa la profundidad de la playa de vehículos, iluminada por perforaciones que atraviesan el edificio.
Ciudad de México.- Considerada como la mejor Estación de Bomberos en América Latina, «Ave Fénix», construida en la delegación Cuauhtémoc, contará con un «centro de mando» de las 14 estaciones del Distrito Federal, que será capaz de recibir en tiempo real la información de todos los siniestros que surjan en la ciudad, ya que estará conectado a todo el sistema de seguridad pública.
La nueva estación, la cual será inaugurada mañana, es un proyecto-modelo a nivel internacional, informó este martes la exjefa delegacional en la Cuauhtémoc, Virginia Jaramillo.
El costo general de esta obra, que beneficiará mayoritariamente a colonias del centro de la capital, asciende a más de 100 millones de pesos, pues tan sólo en la cimentación, donde construyeron las cisternas, se invirtieron 10 millones de pesos aproximadamente.
El ático se ubica en un complejo diseñado por el Priztker Richard Rogers
Se especula con que el metro cuadrado podría haber superado los 7.220 euros
Mónica Tragacete | Madrid
De un ático situado en una de las mejores zonas de Londres y ubicado en un complejo diseñado por un premio Pritzker que en sus zonas comunes aloja ‘spas’, balnearios y club de vino, se intuye que será de todo menos barato. Pero tampoco se espera que la propiedad se convierta en el piso más caro jamás vendido en todo el mundo, según han publicado varios medios ingleses. Pero esta etiqueta se la ha ganado a pulso, pues la operación ha alcanzado los 170 millones de euros, casi el triple de lo que cuesta la propiedad más cara a la venta en España.
El periódico británico Telegraph ha publicado que es uno de los áticos de la urbanización londinenseOne Hyde Park, aún en construcción, el inmueble que se ha vendido recientemente por esa cantidad.
El ático se sitúa en una urbanización que alberga más de 80 pisos de lujo distribuidos en cuatro torres hexagonales diseñadas por el premio Priztker 2007, Richard Rogers. El complejo residencial, que se espera esté terminado el próximo octubre, incluye spas, canchas deportivas y un exclusivo club de vinos privado. La comercialización de las viviendas había quedado suspendida algún tiempo debido a la situación económica mundial, informa el diario, pero pese a ello alrededor del 65% de la promoción ya tendría dueño.
Pese a que no se ha publicado ningún dato que haga referencia a los metros cuadrados de la propiedad, que posee dos pisos, algunos diarios británicos, como el The Daily Mail, han barajado la idea de que el metro cuadrado podría haber superado las 6.000 libras esterlinas (más de 7.220 euros).
EnlasalturasEN LAS ALTURAS:: EL DEPARTAMENTO TIENE DOS PISOS Y SEIS HABITACIONES Y OCUPA EL ÚLTIMO PISO (IZQUIERDA) DEL PROYECTO ONE HYDE PARK, UN COMPLEJO DE TORRES (ARRIBA) UBICADO MUY CERCA DEL PALACIO REAL. Clarín.com
Esnob. Excéntrico. Aburrido de su fortuna. Vaya a saberse cuál de todas estas características entran mejor en la descripción del misterioso multimillonario que, según publicaron los diarios británicos ayer, decidió comprar un departamento en Londres por casi 170 millones de euros (874 millones de pesos argentinos, sí).
Claro que el hogar en cuestión no es un dos ambientes recién pintado, con balcón a la calle. Se trata nada menos que de un último piso que en sus espacios de uso común ofrece spas, piscinas y club de vino, entre otras “maravillas”, situado en una de las mejores zonas de la capital inglesa, dentro de un complejo pensado por uno de los más notables arquitectos del mundo.
Con este precio, el departamento de dos plantas y seis dormitorios, que aparentemente habría comprado un jeque árabe del mundo del petróleo, se convierte en la vivienda más cara del mundo , rótulo que a sus desarrolladores les servirá para vender el resto de los 80 pisos (algunos ya tienen dueño y por un precio que no supera los 30 millones de euros) repartidos en cuatro bellas torres diseñadas por el prestigioso Richard Rogers, premio Pritzker 2007 (ver “Un maestro…” ).
El inmueble, que todavía está en construcción y sería inaugurado en octubre de este año, forma parte del complejo One Hyde Park. Está localizado justamente frente a las 200 hectáreas del gran pulmón verde de Londres y es vecino al palacio real de Buckingham.
Además de la media docena de habitaciones y una amplia sala de estar que ofrece una inigualable vista panorámica sobre Londres, este ático posee un servicio de habitaciones las 24 horas, brindado por el exclusivo hotel Mandarin Oriental y un acceso subterráneo privado al restaurante de Heston Blumenthal, considerado uno de los mejores chefs del mundo. El diseño es idea de sus desarrolladores, los hermanos Christian and Nick Candy, que compraron ese terreno por lo mismo que vendieron este duplex.
EMILI J. BLASCO / LONDRES. Con su sueldo anual, un mileurisa sólo podría comprar el timbre de la puerta de estas viviendas frente a Hyde Park, obra de Richard Rogers
La Arquitectura pertenece a las Artes Mayores y es también una de las Artes Visuales. Cualquiera se ha conmovido con una obra: la Arquitectura es arte inevitable, ya que habitamos espacios construidos.
Por Graciela de Kuna, arquitecta y magister en educacion por el arte
Una arquitecta del equipo que emplea Casinos de Misiones para la reforma del Hotel de Turismo de Posadas preguntó irónicamente: “Y qué, ¿acaso es una obra de arte?” El edificio de Hotel y Oficinas para el IPSM (Instituto de Previsión Social de Misiones) fue proyectado por los arquitectos Mario Soto y Raúl Rivarola. Se terminó de construir en 1964 y desde entonces se ha transformado en un referente de la arquitectura del Movimiento Moderno en Argentina.
Su concepción puede ser leída en el contexto de la provincialización de Misiones (1953) anteriormente Territorio Nacional dependiente de Corrientes. En ese marco, con la participación de Testa, Dabinovic, Rossi, Gaido, Sigal, Vapñarsky, Winograd, entre otros, se concursaron edificios contenedores de anhelos de progreso y resultantes de diversos programas, entre ellos el Parador Turístico de San Javier, sobre el río Uruguay y la Escuela Normal N° 1.
Educación y turismo fueron los ejes impulsores que encontraron en Soto y Rivarola representantes dignos de formalizarlos.
“Y qué, ¿acaso es una obra de arte?”, preguntó con fastidio la arquitecta del equipo que lo reestructura ante el requerimiento de los colegas reunidos en torno al nuevo proyecto. La tensa reunión, convocada por el presidente del Colegio de Arquitectos de Misiones, era para que presentaran su propuesta de reformulación. Es que el Hotel (foto) debía ser actualizado según las normas de seguridad, a casi 60 años de su construcción, hay nuevas funciones, necesidades y requerimientos que solicitaban de una espacialidad diferente, más todo ello no amerita su casi destrucción para ser utilizado como mera estructura de soporte del nuevo y lujoso hotel para el IPSM.
No se trata de una obra cualquiera, sino de la actualización de una acreditada obra de arquitectura del Movimiento Moderno en nuestra tierra, que figura en los libros de Historia de la Arquitectura Argentina, se estudia en la mayoría de las facultades del país y es reconocida nacional e internacionalmente. En 2008, la lucha para rescatarlo y evitar su fatal casi desaparición recibió apoyo importante de la comunidad arquitectónica, de ICOMOS (Consejo Internacional de Monumentos y Sitios), DO.CO.MO.MO. (Comité Internacional de Documentación y Conservación de Edificios, Sitios y Desarrollos Urbanos del Movimiento Moderno), entre otros.
La pregunta del comienzo, tan despectiva, disparó otra: ¿es el Hotel una obra de arte? O para ir un poco más allá y generalizar: ¿es la obra de arquitectura, arte? Es una pregunta que atraviesa su historia, la Arquitectura, perteneciente a las llamadas Artes Mayores, luego del Renacimiento (junto con la Pintura y la Escultura) también se diferenciaba por ser un Arte Utilitario. En tiempos de la industrialización, inclinándose por la segunda en el contraste entre “Arte por el Arte” o “Arte para la Sociedad”, será madre de las Artes del Diseño, desarrollando el Textil, de Indumentaria, de Moda, Teatral, Gráfico, Industrial, etc.; pero también ancla en las Artes Visuales. En fin, pertenece a distintos órdenes y sobre todos, sin dudar, a las Artes. De hecho, es usual hablar de la emoción, la fruición, la alegría que una inesperada o pequeña obra puede suscitar.
Maestro en el uso de la luz y su influencia en la percepción de los espacios, Steven Holl intenta “crear experiencias” a través de sus proyectos. Pero en el Herning Museum of Contemporary Art (HEART), situado en Dinamarca, va un poco más allá. Al manejo de la luz, que remite inmediatamente a las sensaciones visuales, Holl suma efectos táctiles mediante el tratamiento de las paredes de hormigón, con una fuerte impronta textil.
El estadounidense, calificado como el “mejor arquitecto contemporáneo” de su país por la revista Time, ganó el proyecto para este complejo cultural por concurso, gracias al diálogo que logró establecer entre el edificio, su entorno, y la obra que atesora.
Ocurre que uno de los emblemas de la ciudad de Herning es una antigua fábrica de camisas, en cuyo edificio con forma de cuello, justo enfrente del HEART, se exhibe actualmente parte del acervo del museo.
“Fue el gusto del propietario de la fábrica por el Arte Povera y la obra de Piero Manzoni, lo que hizo posible que en el HEART haya semejante colección”, dice Holl y explica por qué el tema textil está presente en la forma del nuevo edificio. En un paisaje tapizado de verde, la planta de techos del edificio parece una colección de mangas de camisas apiladas como al descuido, que, justamente, dialogan con el “cuello” del antiguo edificio. Es más, el hormigón de las paredes exteriores fue tratado durante el encofrado para darle un aspecto industrial: posee la textura de una tela, con sus pliegues y arrugas. También inspiró a Holl la obra de Manzoni, el revulsivo artista italiano que se hizo célebre por vender, a precio de oro, sus propios excrementos enlatados.
HEART - Herning Museum of Contemporary Art
Sin embargo, el nuevo edificio del HEART nada tiene de provocador. Más bien todo lo contrario. Sus paredes blancas y ondulantes, sus techos cóncavos y sus espejos de agua transmiten una sensación de paz y calidez.
Aventanamientos calados aquí y allá dejan entrar, no sólo la luz natural, sino también el paisaje. El ambiente bucólico parece estar muy lejos de la ironía conceptual de Manzoni, cuya famosa “Base del Mundo” (un pedestal de hierro y bronce, con esa leyenda grabada, puesto patas arriba) se encuentra en los jardines del HEART. La relación con la obra del artista se ve más bien en el revestimiento de los pisos, de hormigón blanco, con texturas que recuerdan a su serie Acromos, piezas desprovistas de color hechas en fibra de vidrio, algodón o piel de conejo.
The landscape of grass mounds and reflecting pools aligns with a geometry of curved roof sections of the new building that houses permanent and temporary exhibition galleries, a 150-seat auditorium, music rehearsal rooms, a restaurant, a media library, and administrative offices all on one level. The new surrounding landscape conceals all the parking and service areas.
Steven Holl Architects – HEART Herning Museum of Contemporary Art in Herning, Denmark revisited
Although we had featured the Herning Museum of Contemporary Art, designed by Steven Holl Architects back in July of 2009, in the light of yesterday’s news of the project receiving a 2010 RIBA International Award, we wanted to show some new material about the project that we have just received. The museum unites three distinct cultural institutions: the Herning Center of the Arts, the MidWest Ensemble and the Socle du Monde.
Estimados amigos, el Santuario del Señor de Luren está a punto de ser DEMOLIDO. El ícono religioso de Ica, construido ladrillo a ladrillo ÚNICAMENTE por la civilidad Iqueña, por la fe que le tienen a su Patrón jurado, no existirá más si no hacemos algo para detenerlo.
Una de las acciones que llevaremos a cabo para evitar este atentado cultural, es la Cadena Humana que se realizará físicamente alrededor del Santuario del Señor de Luren en Ica, el día sábado 7 a las 5 pm. Pero no esperemos hasta el día sábado, empecemos desde hoy. Tenemos la obligación ciudadana y moral difundir lo que el Obispado de Ica, en confabulación con el INC, pretenden hacer con la memoria histórica colectiva de la ya golpeada feligresía Iqueña, y lo que pretenden hacer con nuestra identidad cultural, pues no sólo es un golpe a los iqueños, es un golpe a todos los peruanos.
Les pido a ustedes participemos de esta acción SIN PRECEDENTES en defensa de una Edificación Patrimonial Religiosa en nuestro país, MONUMENTO que sería respetado en cualquier parte del mundo. Si logramos evitarlo, sentaremos un gran precedente para que las autoridades civiles y/o religiosas, no ATENTEN contra lo que nos PERTENECE a todos los peruanos.
No sé si les solicité anteriormente que visiten el siguiente enlace pero si fue así y en este caso, creo que la repetición no es una ofensa…..Inviten a sus contactos a visitarla…..
Estimados amigos, estamos a punto de asistir a un atentado de lesa cultura en contra de la memoria histórica colectiva de Ica y de la identidad cultural de todos los peruanos. Les pido difundan esta actividad a realizarse el día sábado 7 de agosto a las 5 pm. en el entorno del Santuario del Señor de Luren. No a su DEMOLICIÓN !!! No a su ALTERACIÓN !!! Pedimos su RESTAURACIÓN !!!
Difúndan esta informacón, por favor.
(Agradecemos al Arquitecto Humberto Palacios Miró Quesada el envío de esta información y material)
La actuación está de momento sólo en estudio, dentro de los trabajos de la Autoridad Portuaria de Santander, el Ayuntamiento y el Gobierno regional para la ordenación del frente marítimo de la ciudad. La decisión final se adoptará entre todas las instituciones implicadas a finales de este año o principios del próximo, cuando se tenga ya un proyecto más definido. Por lo pronto, ya se ha pedido la colaboración del arquitecto Renzo Piano, uno de los mejores arquitectos del mundo, que no tiene obra en España, para diseñar el proyecto, que tendría como horizonte temporal para su inauguración el año 2015 y supondría una inversión de 50 millones de euros, sufragados por la Fundación.
Espacio de futuro. El muelle santanderino de Albareda se convertirá en un gran centro cultural y en un lugar de encuentro ciudadano. :: DM
Según han explicado a Europa Press fuentes de las instituciones implicadas en la iniciativa, se trata de un proyecto «innovador» que busca «integrar la ciudad en la Bahía y la Bahía en la ciudad». Al mismo tiempo, este ‘Centro Botín de Arte y Cultura‘ permitiría dar mayor proyección al programa de artes plásticas de la Fundación, situar a Santander en primera línea del circuito europeo del arte y completar un «eje cultural» en la Cornisa Cantábrica que puede convertirse en «uno de los principales ejes culturales de Europa».
La intervención urbana en el actual parking del ferry, impulsada por la Fundación Botín, será abordada por el arquitecto Renzo Piano
El nuevo centro de referencia internacional responde a un proyecto encabezado y financiado por la Fundación Marcelino Botín.
Integrado en la iniciativa de recuperación urbana y de transformación del espacio de la zona portuaria para uso público, el centro que será una realidad en 2015, potenciará y proyectará además en el mundo el programa de arte y cultura de la institución santanderina. El prestigioso arquitecto Renzo Piano, autor entre otras muchas actuaciones de la regeneración urbanística de Berlín, trabaja ya en el diseño de este espacio.
La iniciativa urbana, que recuperará el muelle Albareda – un área de intervención que supera los diez mil metros cuadrados – integrado en ese nuevo espacio de uso y disfrute ciudadano, representará estrechar el vínculo definitivo entre la ciudad y la bahía como lugar de encuentro. El denominado ‘Centro Botín de Arte y Cultura‘ servirá asimismo de plataforma internacional y foco de proyección del programa que define la acción de la Fundación santanderina en los últimos 25 años: Una actividad canalizada al adentrarse en el siglo XXI a través de tres grandes ámbitos de actuación: la investigación en terrenos específicos, científicos y sociales; la formación; y el arte y la cultura, en especial el campo expositivo en el que la Fundación ha logrado un prestigio internacional con sus producciones y proyectos.
«Gran Vía Atmosférica», proyecto de Gálvez+Wieczorek Arquitectura - ABC.es
La Fundación Telefónica, en Madrid, apuesta por la arquitectura en una muestra colectiva que se sirve de la centenaria avenida como laboratorio de ideas.
El nombre propio de un arquitecto marcó la historia de París para la eternidad. Si bien la renovación que acometió Haussmann transformó la ciudad en menos de dos décadas –París dejaba de ser una urbe medieval para convertirse en la cuna de la modernidad–, no menos cierto es que la Gran Vía es una de tantas réplicas a pequeña escala de su obra.
Con miras al futuro
Presente, pasado y futuro convergen en una de las arterias más famosas de Madrid. La Fundación Telefónica alberga, hasta el 3 de octubre, una muestra plural que pretende revitalizar y dinamizar la Gran Vía. Con propuestas atrevidas, distintos arquitectos quieren devolver a la capital el lugar cosmopolita, creador de riqueza y de cultura, que merece. El detonante: el futuro incierto de una calle que amanece día sí, y día también, tarareando el réquiem de sus cines; que despierta huérfana de galerías, pequeños comercios y zonas de ocio que sucumben ante los encantos de los gigantes de la moda. Convencidos del mal endémico al que se ven condenadas las metrópolis contemporáneas, visionarias, imaginativas o incluso utópicas propuestas se dan cita en esta interesante muestra. Comisariado porIñaki Ábalos, Laboratorio Gran Vía lo componen nueve propuestas y dos estudios analíticos: Teatro, de Izaskun Chinchilla Arquitectos;Media, de Manuel Ocaña; Zona Franca, de AceboXAlonso; Sweet Home, de Andrés Jaque Arquitectos; Procomún, de Ecosistema Urbano;Interfaz, de Carlos Arroyo; Capital, de S&Aa; Observatorio, deÁbalos+Sentkjewicz Arquitectos; Toxic, de AMID.cero9; Atmosférica, deGálvez+Wieczorec Arquitectura; y, por último, Ráfagas, de José Miguel Iribas.
Fundación Telefónica, dentro de las celebraciones del centenario de la Gran Vía, presenta «Laboratorio Gran Vía», una reflexión colectiva sobre el pasado, el presente y el futuro de esta calle que en los últimos cien años ha marcado la vida de Madrid.
Si la construcción de la Gran Vía fue un reto a la modernidad urbanística hace 100 años, Fundación Telefónica quiere ahora seguir apostando por el futuro, con esta exposición imaginativa, visionaria e incluso utópica.
«Laboratorio Gran Vía» contiene proyectos que especulan con una nueva visión del centro urbano, componiendo un recorrido por el espacio y haciendo especial énfasis en su carácter metropolitano, su estructura social y económica y por último en el potencial de la Gran Vía como generadora de nuevos contenidos urbanos.
En la exposición presentan sus trabajos un grupo de arquitectos vinculados profesionalmente al centro de Madrid y que comparten varios rasgos comunes, como su radical compromiso con la arquitectura, su capacidad de provocación y su influencia sobre las nuevas generaciones, ya que todos son profesores en distintas escuelas de arquitectura.
Entradas anteriores en ArquitecturaS dedicadas a La Gran Vía de Madrid:
Arquitectonico 
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