Utilizado habitualmente en el contexto de las artes aplicadas, ingeniería, arquitectura y otras disciplinas creativas, diseño se define como el proceso previo de configuración mental, «pre-figuración», en la búsqueda de una solución en cualquier campo.
Etimológicamente derivado del término italiano disegno dibujo, designio, signare, signado «lo por venir», el porvenir visión representada gráficamente del futuro, lo hecho es la obra, lo por hacer es el proyecto, el acto de diseñar como prefiguración es el proceso previo en la búsqueda de una solución o conjunto de las mismas.
Wikipedia.
La Casa de la Arquitectura de Roma recuerda este viernes con una exposición a uno de los arquitectos más representativos de América Latina, el colombiano Rogelio Salmona, fallecido hace 4 años.
Se trata de la segunda exposición que se realiza en la sede romana, después de la organizada en el 2007 e inaugurada pocos días antes de su fallecimiento con más de 28 proyectos y 126 fotografías que ilustraban 50 años de labor.
Con el título «Rogelio Salmona: la poesía del espacio que continúa en el tiempo«, la muestra presenta videos y programas interactivos con los proyectos que el arquitecto dejó preparados.
«Es una exposición muy visual, digital, que ideamos especialmente para Roma, con el objetivo de hacer conocer su última producción», explicó a la AFP María Elvira Madriñan, viuda y estrecha colaboradora de Salmona.
Considerado como el gran arquitecto del último siglo en Colombia y único profesional latinoamericano que ha sido galardonado con el premio Alvar Aalto, entre las mayores distinciones de la arquitectura,
Salmona trabajó siempre por un nuevo espacio, empleando nuevos materiales y nuevas técnicas.
«Salmona tiene no sólo un conjunto sorprendente de proyectos, sino algo más importante: una obra. De manera persistente ha mantenido a través de los años una serie de inquietudes, intenciones y propuestas de carácter universal que ha enfrentado desde su ámbito local», sostiene la fundación.
Archivo General de la Nación. Bogotá, Colombia. Wikipedia
La Casa de la Arquitectura de Roma recuerda con una exposición a uno de los arquitectos más representativos de América Latina, Rogelio Salmona, fallecido hace 4 años.
Through collaboration, successful architects are adapting their creative ideas and technical know-how to different cultures, climates, and disciplines. In addition, their research into the social, psychological, and biological sciences are helping them solve evolving programmatic needs.
This year’s Innovation Conference brings together design professionals who will demonstrate through specific case studies how they have effectively crossed boundaries and disciplines to increase their impact on the built environment.
View Highlights from Last Year’s Innovation Conference:
La pinacoteca estará unida a la investigación y la docencia, abierta a lo experimental y con vocación de impactar.
Maqueta del futuro Museo de la Universidad de Navarra.- http://www.que.es
El arquitecto tudelanoRafael Moneo, premio Pritzker de 1996, rechazó ayer que, pese a lo que pueda parecer, los edificios destinados a museos pertenezcan a un tipo muy configurado de arquitectura. Se refirió a varios de los que él ha firmado en ciudades de América y Europa. «Houston y Estocolmo son dos proyectos donde la iluminación de las salas son importantes, como en el Thyssen, que permiten el despliegue de una colección clásica occidental», explicó. Pero el edificio que ha diseñado para el futuro Museo de la Universidad de Navarra, cuyas obras comenzarán en noviembre, no sigue esos parámetros. «En Pamplona las salas son mas abstractas por respeto a la estética de Tàpies y Palazuelo, que preferirían estar en espacios más neutros, donde el protagonismo del cuadro ganase de ese olvido del soporte arquitectual», dijo ayer en Madrid, en la presentación de la futura pinacoteca.
No habrá polémica como en El Prado, prometió, porque las circunstancias aquí son totalmente distintas: «Es un espacio nacido con la pretensión de ofrecer a la ciudad un elemento más de vida pública, disfrutar de un patrimonio cedido con generosidad por sus donantes y establecer además una sucesión de posibles relaciones sentimentales con las futuras colecciones que vayan llegando de sus exalumnos», explicó en la presentación pública que tuvo lugar en la sede del Fashion Business School de la Universidad de Navarra (UN) en Madrid.
La Universidad de Navarra presentó el miércoles en Madrid su proyecto para un museo de arte contemporáneo que se construirá en los próximos dos años en Pamplona. Un edificio de 11.000 metros cuadrados, que incluirá un auditorio para 700 personas y que tiene un presupuesto de 25 millones de euros. El acto contó con la presencia de Rafael Moneo, arquitecto responsable del proyecto, Miguel López-Remiro, director del museo y Jaime García del Barrio, adjunto al rector.
Para Moneo, Premio Pritzker de Arquitectura en 1996 y autor de la ampliación del Museo del Prado, del Museo de Mérida y de otros destacados edificio museísticos en todo el mundo, su proyecto será el «más abstracto» de su larga y galardonada trayectoria. Se ha buscado crear una arquitectura fragmentaria: «piezas arquitectónicas con vida propia, integradas en un espacio en el que la personas se muevan en libertad», sin trayectos rígidos ni marcados. El edificio se construirá en el mismo material de los otros edificios del campus universitario, hormigón, en el que se insertará en total sintonía con el paisaje natural del parque que lo rodea.
Presentado en Madrid el proyecto arquitectónico del Museo, que comenzará a construirse en noviembre y cuya inauguración se prevé para otoño de 2013.
ABC Recreación virtual del futuro museo - Universidad de Navarra
El proyecto arquitectónico del Museo Universidad de Navarrase ha presentado en Madrid en la sede del ISEM, con la presencia del arquitecto Rafael Moneo; Jaime García del Barrio, adjunto al rector; y Miguel López-Remiro, director del Museo. Las obras para la construcción del Museo comenzarán la primera quincena de noviembre y se prevé su inauguración en otoño de 2013.
La Universidad de Navarra pretende, con esta iniciativa, fomentar el diálogo entre saberes para facilitar nuevos avances en creación artística, así como expandir el arte en la vida universitaria como complemento idóneo en la formación integral de sus alumnos, sin renunciar a una intensa actividad divulgadora dirigida a toda la sociedad. En definitiva, llevar las tareas propias de la Universidad –la docencia, la investigación y la transferencia- y los modelos de éxito de otras áreas de investigación del centro a las artes plásticas.
Rafael Moneo en la Universidad de Navarra, en la entrada a la Escuela de Arquitectura (2010) ElCultural.es
Presenta, en Madrid, el Proyecto Arquitectónico del Museo Universidad de Navarra.
«Max Aub dijo que uno es de donde ha hecho el bachillerato». Rafael Moneo (Tudela, 1937) recuerda esta frase para hablar de su infancia y su pueblo, de las calles, plazas y viviendas navarras, de la importancia que tiene la geografía para un arquitecto: «Nacer en un pueblo, crecer en un lugar con contornos bien definidos, geográficos y sociales, sin duda ayuda a entender lo importantes que son los límites, las condiciones de partida, tanto para la vida como para un proyecto. Conocer las ciudades es siempre necesario para iniciar una obra de arquitectura».Uno de los trabajos que tiene entre manos lo mantienen cerca de casa. Es el Museo de la Universidad de Navarra que prevé inaugurar en otoño del 2013.
Agradezco a la gente de ACTIU su gentil invitación para asistir al Evento de celebración que organizan con motivo de tan importante logro, en su showroom del Parque Empresarial Adequa de Madrid . Lamentablemente no podré asistir por compromisos adquiridos con anterioridad, pero tal como les comenté durante su amable llamada telefónica y el correo correspondiente, es un placer compartir en este Blog la afortunada noticia.
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El parque Tecnológico ACTIU se convierte en la primera industria europea del sector con este reconocimiento.
El Consejo de Construcción Verde de Estados Unidos hará entrega a ACTIU del certificado el lunes, 24 de octubre, en el parque empresarial Adequa.
La certificación LEED® representa una cultura, una forma de entender la vida y el trabajo; una filosofía que contribuye a aumentar la productividad, generando un entorno saludable y amigable para los trabajadores, permitiendo a su vez, una reducción de las emisiones de CO2 a la atmósfera, la conservación del agua o la reducción de los residuos, durante todo el proceso productivo.
Sus proyectos están tan ‘locos’ como ellos. Aquí no hay corbatas, trajes ni secretarias diciendo que el jefe no puede ponerse. Sino jóvenes con pelo largo y pendientes que trabajan con los cascos puestos y oyendo música.De este estudio de arquitectura ha salido el diseño más polémico, vanguardista y atrevido de México. Un proyecto capaz de atreverse con la zona más sagrada del país, el Zócalo del Distrito Federal.
Justo donde empezó todo, ha sido el lugar escogido por Esteban Suárez, director general de ‘Bunker Arquitectura‘ (www.bunkeraquitectura.com) para levantar, o mejor hundir, una gran torre cónica en la que vivirían más de 100.000 personas. Esa es al menos la idea que habita en su cabeza antes de mostrárselo a los responsables de urbanismo.
A pie de calle la Catedral, el Palacio Nacional y el Ayuntamiento del Distrito Federal. Todo en piedra solemne y añeja en torno a la bandera más grande del mundo. Pero bajo los pies, bajo la plancha de 240 x 240 metros, una ciudad con cientos de elevadores, apartamentos, jardines, centros comerciales, oficinas y museos… En resumen, el ‘rascasuelos’. Un proyecto al que le faltan por definir casi todo pero que a grandes rasgos se distribuye de la siguiente manera.
Las diez primeras plantas están destinadas al metro, varios museos y un centro cultural que concentre los hallazgos arqueológicos. Conscientes de que bajo el adoquín se esconden los secretos de la antigua Tenochitlán y que «el Distrito Federal es como un gran pastel de capas superpuestas en el que se superponen las mexicanas y las españolas» el pasado es parte importante de este ‘rascasuelos’ cargado de futuro y cristal, a 300 metros bajo tierra.
El proyecto para el DF mexicano contempla una torre cónica de 300 metros de profundidad, unos 65 pisos. En los primeros pisos, habría un museo y un centro cultural, luego tiendas y comercios y por último, las empresas.
Se trata de una gran torre cónica a 300 metros bajo tierra, que podría estar habitada por más de 100 mil personas. El proyecto costaría unos 750 millones de dólares.
Un proyecto que ha acaparado la atención por lo polémico y vanguardista, es la construcción de un «rascasuelos» en el Zócalo del Distrito Federal de México.
La idea nació de jóvenes arquitectos de aspecto desenfadado -cabello largo y pendientes- que han diseñado una gran torre cónica a 300 metros bajo tierra, que podría estar habitada por más de 100 mil personas.
Los profesionales del estudio «Bunker Arquitectura» (BNKR) han planificado que bajo una plancha de 240X240 metros exista una ciudad con cientos de elevadores, apartamentos, jardines, centros comerciales, oficinas y museos.
Emilio Barjau, jefe de diseño, explica que el «rascasuelos» generaría su propia atmósfera, recibiendo luz natural en todos sus pisos mediante fibra óptica.
El arquitecto Kisho Kurokawa, quien murió el 12 de octubre de 2007, diseñó y creó una edificación, primera en su tipo en el mundo, que influenció notablemente la arquitectura de los Capsule-hotels, frecuentes en Japón.
Nakagin Capsule Tower, Residencia y Oficina - Wikipedia
Ciudad de México • A cuatro años de la muerte del arquitecto japonés Kisho Kurokawa, ocurrida el 12 de octubre de 2007, se ha acentuado el debate sobre el futuro de una de sus más importantes obras: el edificio metabolista Nakagin Capsule Tower.
Fue en los años 70 que este arquitecto diseñó y creó esta edificación vanguardista, la primera en su tipo en el mundo, la cual influenció notablemente la arquitectura de los Capsule-hotels, frecuentes en Japón.
No obstante, la falta de mantenimiento y la obsolescencia del inmueble ha causado un ardiente debate entre quienes quieren preservar este icono del paisaje urbano de Tokio y entre los que quieren derribarlo para construir una nueva torre para sus ocupantes, reporta una revista en línea, especializada en arquitectura.
Kisho Kurokawa nació el 8 de abril de 1934, en Nagoya, Aichi, Japón. Estudió en la Universidad de Kioto y obtuvo una licenciatura del departamento de Arquitectura en 1957.
Continuó sus estudios en la Escuela de Arquitectura en la Universidad de Tokio, bajo la supervisión de Kenzo Tange, consiguiendo dos años después un master y en 1964 un doctorado.
A sample room within the Nakagin Capsule Tower - Wikipedia
Pero, para 1960, junto a algunos colegas, cofundó el Movimiento Metabolista. Siendo éste un movimiento radical “avant-garde” japonés que perseguía la combinación y el reciclaje de los estilos de la arquitectura alrededor de una filosofía asiática.
Esta tendencia fue muy exitosa, destacando cuando sus miembros recibieron la alabanza por el Takara Beautillion de la Expo Universal de Osaka de 1970. El grupo se rompió después de eso.
Kisho Kurokawa tuvo una hija de su primer matrimonio, la cual siguió sus pasos en la arquitectura y trabajó en esta profesión inclinada hacia el paisaje.
Su segundo matrimonio fue con la actriz Ayako Wakao, notable en los años 50 y 60.
Para el 8 de abril de 1962, Kurokawa creó la compañía Kisho Kurokawa Architect & Associates, siendo así su presidente por vario tiempo. El consorcio tiene su oficina principal en Tokio y delegaciones en Osaka, Nagoya, Astaná, Kuala Lumpur y Pekín.
La compañía está registrada por el gobierno japonés como Oficina de Arquitectos de Primera Clase.
Pero, además de la práctica de su profesión, tienen escrita una gran cantidad de trabajos referidos a la filosofía y la arquitectura. Él escribió que hay dos tradiciones inherentes a cualquier cultura: la visible y la invisible. Su trabajo, solía asegurar, lleva la tradición invisible de Japón.
Casi la mitad de los espacios del edificio fueron renovados 25 años después de ser fundado; la reinauguración será el 20 de octubre.
North side of Orsay Museum building. This panorama is made of three pictures stitched with Hugin - Wikipedia
PARIS (AFP).- Veinticinco años después de ser creado y tras una amplia renovación, el museo de Orsay de París va a revelar al público, el 20 de octubre, su nuevo rostro, que permite apreciar bajo una nueva luz sus joyas impresionistas, como las bailarinas de Degas y las amapolas de Monet.
Según el presidente del museo, el historiador de arte Guy Cogéval, la renovación efectuada en casi la mitad de los espacios del edificio, una antigua estación de ferrocariles, que acoge desde hace 25 años una de las colecciones del arte del siglo XIX más importantes, equivale a un verdadero «renacimiento».
«Almuerzo en la hierba», de Manet, «Los jugadores de cartas», de Cézanne, las bailarinas del Moulin Rouge retratadas por Renoir, ya no cuelgan en los estrechos corredores de color beige donde se agolpaban los visitantes para admirar esas obras maestras, que estaban iluminadas sólo por la luz del sol.
Ahora, esos lienzos resurgen en todo su esplendor en una nueva galería, más íntima e iluminada por una luz artificial que reproduce toda la riqueza de la luz del sol, y que permite capturar los matices en el colorido de las obras maestras expuestas.
Y el elegante color gris antracita de las paredes -que cambia de matiz según la luz- es el fondo perfecto para que resalten la luminosidad y los detalles de los lienzos de los pintores impresionistas, se comprueba en una visita al museo ubicado en la margen izquierda del Sena.
Esa galería impresionista, ubicada en el quinto piso del nuevo museo y que ha sido diseñada por el arquitecto francés Jean-Michel Wilmotte, es la joya de los trabajos de renovación del museo.
El arquitecto explicó durante una visita al museo que la «búsqueda de la luz y del color» fueron las principales preocupaciones que guiaron la renovación del museo, que requirió grandes negociaciones y que costó unos 20 millones de euros. Unas dos terceras partes de esa suma fue financiada por el museo mismo, y el resto por el Estado.
El Museo de Orsay fue enteramente renovado para dar más fluidez y coherencia a las visitas. Inaugurado hace 25 años en el antiguo edificio de una estación de trenes, con el paso del tiempo los cambios parecían indispensables. Este espacio, consagrado al arte del siglo XIX, con los pintores impresionistas como emblema, recibe más de 3 millones de visitantes por año.
Musée d'Orsay, interior del museo con la sala principal. Wikipedia
Shigeru Ban’s Paper Church in Kobe, Japan (via Hanjie). Architizer Blog
When he joined critic Judith Thurman for a discussion at the New Yorker Festival on Sunday afternoon, Mr. Ban hesitantly called out some of his peers: “I don?t like the building that uses so much waste just to make a funny shape.”
This statement is not to be taken lightly, for this architect is a rare specimen of “practice what you preach.” Mr. Ban, a Japanese-born architect who studied his craft at SCI-Arch and at Cooper Union (under the famed John Hejduk), has become best known for his post-disaster temporary construction made from recycled paper tubes.
In disaster-ravaged countries across the globe, from Sri Lanka to Italy to Haiti to Japan (and beyond!), Mr. Ban has been on the ground helping to rebuild communities. His commitment is articulated through his ingenious use of recycled paper tubes, which are low-cost and made locally in many different parts of the world; a surprise universal material.
It is easy to be skeptical of this concept. Paper tube structures seem more like a gimmick than a solution, but Mr. Ban has used innovation and adaptability to create inexpensive, sturdy structures in shaken communities. In addition to being locally made around the World, cardboard does not increase in price after a disaster, making it inexpensive to source and use.
Hoy comienza la XIII Bienal Internacional de Arquitectura con un sinfín de actividades y muestras. Pero, las estrellas serán los más de 50 arquitectos internacionales que disertarán en el Auditorio Buenos Aires.
En una ciudad donde los edificios son protagonistas silenciosos, no es poco que la Bienal de Arquitectura ocupe un lugar destacado en la agenda cultural de los porteños. Las autoridades del Gobierno de la Ciudad, arquitectos argentinos de renombre y figuras internacionales se hacen eco de esta suerte de “festival de la arquitectura” desde hace más de 26 años . Como sucedió e los últimos tiempos, la Bienal de Arquitectura está organizada por el CAYC y la consultora Pichon Riviere & Diaz Bobillo.
A partir de esta semana, con epicentro en el Centro Cultural Recoleta, y a través de diferentes eventos y exposiciones , la Bienal intentará dar un panorama de la producción arquitectónica actual, nacional e internacional.
Hoy martes, se desarrollará el evento inaugural en el Auditorio Buenos Aires con la presencia de los arquitectos Clorindo Testa y Carlos Sallaberry, el ministro de desarrollo urbano, arquitecto Daniel Chain y el Jefe de Gobierno de la Ciudad, ingeniero Mauricio Macri. Las muestras se concentrarán en el Centro Cultural Recoleta, desde el 8 de octubre y podrán verse hasta el 30 de este mes. Pero también habrá actividades en otros puntos de la ciudad, como la presentación de una instalación en homenaje a la Bienal en el Museo de Arte Moderno (MAMBA), la entrega del Premio Europeo de Arquitectura en el Centro Metropolitano de Diseño (CMD) de Barracas y la presentación de los libros de Laureano Forero y Josep María Botey.
Por su parte, la organización de la Bienal presentará el viernes 14 el “Libro de la Bienal de Arquitectura de Buenos Aires”, que reúne toda la información sobre los 26 años de historia de este evento.
Nueva vida al espacio público y el fin del reinado de los objetos singulares fueron los grandes temas de la Bienal 2011. Qué se vio y que se dijo en el Centro Cultural Recoleta. Los protagonistas.
Dirección: Paseo de la Castellana, 67, 28046 Madrid, España
El miércoles 19 de octubre de 2011 se inaugura en la sala Zuazo de La Arquería de los Nuevos Ministerios (Paseo de la Castellana, 67 28046 Madrid) la exposición de la XI BEAU.
REPORTING FROM JERUSALEM — The problem-plagued Museum of Tolerance project is facing new challenges amid a dispute between the Los Angeles-based Simon Wiesenthal Center, which is backing the controversial development, and its latest architect.
Chyutin Architects is threatening to resign after Wiesenthal withheld a scheduled payment over what Wiesenthal officials say is the architect’s failure to meet certain contractual obligations on the $100 million project, according to Wiesenthal spokesman Lior Chorev in Jerusalem.
“It’s a stupid contractual dispute,’’ Chorev said. “Our financial guys have told them that once they fulfill the contract, we will pay them the money. This is donors’ money. Our guys are just doing their job.”
Officials at Chyutin could not be reached for comment.
According to a Jerusalem city official quoted in Haaretz newspaper Tuesday, the architects were threatening to quit because Wiesenthal officials «nagged them to death.”
The friction follows the departure six weeks ago of the project manager for the proposed museum. Chorev said the firm was fired. A Wiesenthal spokeswoman in Los Angeles said the project would move ahead regardless of the dispute. Ground-breaking is expected to take place within a month.
«The construction is going forward as scheduled and the financial dispute will have no impact whatsoever on the project,» center spokeswoman Avra Shapiro wrote in an email to The Times.
Chyutin was hired about a year ago after the high-profile departure of renowned architect Frank Gehry, who was originally hired to create a design that would turn the museum into an instant landmark.
The project has been dogged by lawsuits filed by opponents (www.mamillacampaign.org) who say it is too large for its central Jerusalem location and is being constructed partly on a 12th century Muslim cemetery. Preliminary construction dug up ancient bones, forcing the relocation of graves.
La Fundación ONCE y el Colegio de Arquitectos de Madrid han presentado este lunes un manual para orientar a los arquitectos e ingenieros en el diseño «inclusivo y accesible» de edificios, viviendas y entornos urbanos.
«Se trata de facilitar que las nuevas edificaciones tengan en cuenta a todos los futuros usuarios y a cualquier tipo de discapacidad», ha explicado la jefa del área de accesibilidad al medio físico de la Fundación ONCE, Fefa Álvarez.
El diseño de rampas, barandillas, mostradores o el sistema de señalización pública son elementos que pueden hacer más o menos accesible cualquier edificación.
También el diseño de los recorridos públicos deben intentar ser lo más sencillos e intuitivos posible haciendo que el edificio o lugar público «se explique a si mismo; lo que los americanos llaman ‘way finding‘», ha señalado.
El libro ‘Accesibilidad Universal y Diseño para Todos. Arquitectura y Urbanismo’ ha sido elaborado a partir de una serie de cursos impartidos por el Colegio de Arquitectos y recoge los criterios técnicos y la legislación de apoyo.
En el temario también figuran los criterios de accesibilidad aplicables al patrimonio histórico, artístico o natural.
Desde hace ya seis años se celebra el Curso de Accesibilidad Universal y Diseño para Todos, organizado conjuntamente por la Fundación ONCE y la Fundación Arquitectura COAM. Basado en este curso, y a modo de material didáctico tanto para los antiguos o futuros alumnos del mismo, como para arquitectos, estudiantes u otros profesionales relacionados con el diseño y la arquitectura, nace este documento tomando como punto de partida sus contenidos.
Este libro ofrece una visión global de la diversidad de las capacidades del ser humano y su influencia en el diseño de entornos arquitectónicos y urbanísticos, planteando las referencias a los criterios técnicos básicos y al marco normativo necesarios para alcanzar la accesibilidad universal.
Arquitectonico 
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