(Del lat. ars, artis, y este calco del gr. τέχνη). amb. Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. DRAE.
EL TRONCO DE LA VICTORIA POPULAR. LA OBRA, EMPLAZADA OTRA VEZ EN EL CENTRO DE LA CAPITAL CHAQUEÑA - Clarín.com
Un tronco devenido obra de arte, y luego, veinte años más tarde, elevado a la categoría de monumento histórico. Un tronco durmiendo la siesta en un banco de la plaza disputándole protagonismo a las estatuas de los próceres de mayo, y sin embargo, nada de esto resulta extraño en Resistencia, Chaco, una ciudad en la que todos y cualquiera, tienen algo que decir sobre el arte. Serán el efecto de la Bienal Internacional de Escultura, el evento más importante en la agenda – no digamos artística, sino social – de los chaqueños; una fiesta popular que reúne a una veintena de artistas de todo el mundo, y a otros miles de curiosos que siguen de cerca su trabajo durante los siete días que dura el certamen.
Todo dispuesto para que la gente interactúe con los artistas, de la misma manera que lo hace, el resto del año, con las quinientas obras emplazadas en sus veredas; algunas de mucha valía como las de Lucio Fontana,Gyula Kosice, Libero Badii, Enio Iommi y Hernán Dompé, por nombrar los mas resonantes, aunque acá, justamente, no se trata de andar chapeando. Acá, la cosa es popular. No son pocos los artistas de entrecasa que se animan a sacar sus creaciones a la calle, algunas de una figuración que empalaga, otras, tan conceptuales como los ready – made de Marcel Duchamp: una imprenta del 1900, un changuito de supermercado, la biela de un barco y la carcaza de Citröen 3CV montados cada uno sobre su pedestal.
Este galardón, con una larga trayectoria, se recuperó en el 2005, y reconoce el trabajo de las personas que sin ser arquitectos hayan contribuido a la divulgación y al conocimiento de esta disciplina.
Tras recibir el premio en presencia del alcalde de la ciudad, Javier Maroto, y de otros miembros de la corporación, Mariscal ha compartido su pasión por la arquitectura y la ha calificado de «fundamental» para el desarrollo de la humanidad.
«La arquitectura es algo que nos toca mucho. Siempre me ha fascinado mucho. Por supuesto, la buena arquitectura es la que hace que la vida nos cambie», ha opinado.
Para Mariscal, Premio Nacional de diseño gráfico 1999 y candidato al premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1996 y 1997, la arquitectura ha contribuido a que los ciudadanos «vivan mejor y más cómodos».
El autor de la mascota de los Juegos Olímpicos de 1992 ha puesto como ejemplo de la comodidad a la ciudad de Vitoria, hasta el punto que ha asegurado que «es un pecado vivir aquí de lo bien que se vive».
Ha reconocido que fue una «maravilla» ocuparse del diseño del restaurante Ikea de la ciudad porque supuso «poner una imagen a una cocina fantástica».
Mariscal ha alabado la figura del arquitecto alavés Justo Antonio de Olaguibel, en cuyo recuerdo se entrega el premio que ha recibido, del que ha destacado que supo «encontrar la unión entre lo moderno y lo antiguo».
El diseñador, creador del interiorismo del restaurante Ikea de Vitoria, se suma a una lista de galardonados donde ya están Follett o la catedral de Santa María.
La directora del Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla, Concepción Fernández, acompañada de la delegada de Cultura en el Ayuntamiento de Sevilla, María del Mar Sánchez Estrella, presenta en rueda de prensa la guía-catálogo de la Exposición Contemporánea: Arquitectura 2000-2010. 37 º23’N 5º59’W, iniciativa que se enmarca en el ciclo 21 Grados. Al acto asisten también el equipo editorial y algunos de los creadores de los textos que han ilustrado la edición.
La exposición, que se inaugura a las 20.30 horas en el hall del Rectorado (Entrada libre), nace de la iniciativa de un equipo de trabajo transdisciplinar formado por tres estudios de arquitectura localizados en la ciudad de Sevilla: Accésit, Lugadero y Pipo. Con el objetivo de divulgar internacionalmente la arquitectura y cultura contemporánea de la ciudad de Sevilla durante la primera década del siglo XXI, esta muestra propone un recorrido por los ejemplos más destacados de la arquitectura de la ciudad del año 2000 al 2010.
El Rectorado acoge hasta septiembre la muestra ’37º23’N 5º59’W’, que se completa con una guía-catálogo que propone un recorrido por más de cien proyectos arquitectónicos desarrollados en la última década
El Centre Cívic de Guinardó lleva desde 1995 apostando por las propuestas de arte emergente a través del festival Stripart. Según los organizadores, se quiere acercar la creación contemporánea a todo tipo de espectadores, mostrando «lo que hoy es estudio e investigación, pero mañana puede ser tendencia».
Se trata de una muestra de jóvenes artistas dirigida a todo el que experimenta con lo que se han denominado «los nuevos lenguajes artísticos». Una gran exposición abierta a un amplio abanico de formas expresivas donde se mezcla pintura, fotografía, diseño, escultura, arquitecturas efímeras, poesía visual, instalaciones, acciones, performances, música y video arte.
En esta ocasión, cuando se celebran 16 años de esta cita artística, los coordinadores han seleccionado 89 piezas que podrán ser visitadas, durante 15 días, en más de 600 metros cuadrados de espacio expositivo.
La inauguración tendrá lugar el próximo sábado 2 de julio, a las ocho de la tarde. Durante el acto, se podrá disfrutar – todo gratuitamente – de la danza y el teatro de las compañías Bacantoh, Anticuerpos, del Colectivo Deria y Trinidad García Espinosa, de Elena Schiano, Simone Mück, Berta Fernández, y de las videoproyecciones de Laura Llaneli, además de la performance que ha preparado Projecte Binomi. Para finalizar la noche, se abrirá al público la piscina anexa al ritmo de DJ Khu.
El programa incluye cursos y talleres durante los días que dure Stripart. En su clausura, el 15 de julio, actúa la compañía Quimera, Jordi Soler y Sant Tabú, con el punto y final de la música de Nsista e Iiva.
La última vez que se exhibieron al público en este mismo museo fue en 1994, donde se mostró una selección de 41 grabados -14 menos que en esta ocasión- todos ellos de gran formato, a los que se añade el retrato que del propio Piranesi realizara su maestro Felice Polanzani, también perteneciente a los fondos del Museo.
Sensibilidad romántica
Ordenada en cinco secciones, que toman el nombre de sus series de grabados más importantes (Carceri d’invenzione, Le antichità romane, Descrizione e disegno dell’emisario del Lago Albano, Antichità d’Albano e di Castelgandolfo, y Vedute di Roma), la exposición permite conocer de manera cronológica la obra de Piranesi, uno de los mejores grabadores al aguafuerte de la historia.
De estas series, el principal atractivo es la serie Carceri d’invenzione, un conjunto de grabados en los que Piranesi crea unos inverosímiles espacios arquitectónicos formados por escaleras, bóvedas y arcos que se entrecruzan y se elevan hacia el infinito desafiando el orden lógico y creando vertiginosos abismos infernales.
Con estas lúgubres escenografías carcelarias, Piranesi despliega toda su imaginación como arquitecto no realizado y demuestra estar más cerca de una sensibilidad romántica que del Neoclasicismo en el que se formó. La primera edición de Las cárceles, compuesta por 14 láminas, se realizó en 1745 y quince años más tarde Piranesi decidió realizar una segunda más completa y elaborada que es la que posee el Museo de Bellas Artes de Valencia.
Peter Zumthor junto a la reina de Noruega presentando su último proyecto. | Reuteurs - ElMundo.es
En medio del Kensington Garden londinense, el arquitecto suizo Peter Zumthor ha diseñado para la Serpentine Gallery un pabellón minimalista de planta rectangular que encierra un jardín destinado a cultivar los sentidos y a la meditación.
Es una especie de gran contenedor de paredes negras y mates de madera en cada uno de cuyos lados hay tres entradas por las que se accede a un pasillo oscuro que rodea toda su estructura.
Desde ese pasillo se llega a través de cuatro aberturas al espacio central, un rectángulo a cielo abierto protegido parcialmente por aleros, que evoca el «hortus conclusus» (huerto cerrado) de los antiguos monasterios, un islote de tranquilidad, abstraído de los ruidos de la gran ciudad.
Los «horti conclusi» eran lugares en los que durante la Edad Media los monjes cultivaban sus plantas más bellas y las hierbas medicinas para curar todo tipo de males y que aparecen representados en pinturas y manuscritos de la época.
Se trata de una frase procedente del Cantar de los Cantares, de Salomón: «Un jardín encerrado es mi hermana, un jardín encerrado, una fuente sellada», frase que, en la tradición cristiana, se ha dedicado a la Virgen María.
Zumthor ha trabajado en el pabellón en estrecha colaboración con el holandés Piet Oudolf, conocido por los jardines que aprovechan la arquitectura natural de las plantas, escogidas siempre según su estructura, su forma, sus colores y otras características.
En un texto publicado con motivo de la inauguración del pabellón londinense, que estará abierto al público hasta el próximo 16 de octubre, Zumthor destaca su amor por la naturaleza y las plantas.
Está en marcha un movimiento mundial sobre el calzado deportivo – existen muchos fanáticos, auténticos adictos <a las zapatillas deportivas que están dispuestos a hacer lo que sea con tal de poder enseñar sus nuevos zapatos de correr a todo el mundo.
Durante las pasadas semanas se han visto variados vídeos sobre “sneakerheads" haciendo cosas extraordinarias en Internet. Todo esto ha sido posible gracias a al movimiento de Footlockers sobre el arte de las zapatillas de deporte, como el sneaker art, que tuvo lugar en Paris, tambien contamos con el hombre que asumió la misión en Londres y por último el streaker que corrió en la Piazza de Milán.
Para celebrar el “Sneaker Movement”, movimiento de las zapatillas de deporte, capturando todo este entusiasmo, Footlocker implantó en internetel sitio http://www.footlocker.eu/itsasneakerthing/, un punto de encuentro para todos los apasionados que desean compartir su afición por las zapatillas deportivas.
Este sitio web contiene historias extremas sobre las zapatillas de deporte, entradas de blogs, imágenes, videos y comentarios: es el sitio más visitado por todos quienes aman el calzado deportivo, para compartir y leer otras historias a través de una amplia Comunidad que comparte los mismo gustos.
Las campañas televisivas más recientes de Footlocker’s muestran a campeones entregados a este movimiento y su pasión por las zapatillas deportivas. Tambien muestran al héroe japonés top Sneaker de las zapatillas de deporte. No te puedes perder estas campañas, son alucinantes, más abajo encontrarás enlaces a los vídeos.
Involúcrate en el movimiento visitando www.itsasneakerthing.eu y desde allí su página en Facebook, demuestra tu pasión por las zapatillas de deporte siguiendo el ejemplo de quienes ya lo han hecho.
Por mi parte para unirme al movimiento intentaré personalizar mis zapatillas deportivas, y cunado lo haga, subiré mis fotos a la red e incluso algún vídeo a YouTube, como este que ahora puedes ver:
Únete ya al movimiento desde la página de Facebook, haz click en "Me Gusta" para hacerte fan ya mismo del sneaker movementhttp://www.facebook.com/footlocker.eu
No dejes de inspirarte viendo estos vídeos en Youtube:
Ai Weiwei, en una imagen de archivo - Reuters / ABC.es
CHINA | Artista y activista
‘Le dije que estoy bien, y no que lloro en casa todos los días’, cuenta su mujer.
Reuters | Pekín
En las seis semanas en las que llevaba en paradero desconocido, el artista chino disidente Ai Weiwei no ha perdido peso y tiene buen aspecto. Lo ha podido comprobar su familia, en una visita autorizada al activista, que les ha asegurado que no ha sido objeto de vejaciones ni torturas.
Así lo ha explicado la madre de Ai, que pudo acompañar a Lu Qing, la esposa del artista, de 53 años, detenido el 3 de abril en el aeropuerto internacional de Pekín cuando iba a coger un avión.
Investigado por supuestos delitos económicos, la última víctima de la represión del régimen de Pekín llevaba desaparecido desde su arresto el 3 de abril.
PABLO M. DÍEZ / CORRESPONSAL EN PEKÍN
Detenido desde el pasado 3 de abril, Ai Weiwei, el artista más famoso y crítico de China, pudo reunirse ayer por primera vez con su esposa, Lu Qing. Según explicó a la agencia AP la hermana del artista, Gao Ge, la Policía llevó anoche a la mujer de Ai Weiwei a un lugar no identificado donde pudo encontrarse con él, quien al parecer se encuentra bien de salud pese a sufrir hipertensión y diabetes a sus 53 años.
“Los sentaron a ambos lados de una mesa y no se les permitió hablar mucho tiempo, pero todo indica que puede tomar sus medicinas”, relató por teléfono Gao, quien indicó que “ahora tenemos menos ansiedad, pero lo que realmente queremos es que el caso se resuelva lo antes posible y el Gobierno siga el procedimiento adecuado ajustándose a las leyes chinas”.
The California Institute of Earth Art and Architecture
The California Institute of Earth Art and Architecture is a 501 (C)3 non-profit/charitable foundation at the cutting edge of Earth and Ceramic Architecture technologies today. Founded in 1986 by its director, Nader Khalili (1936-2008), its scope spans technical innovations published by NASA for lunar and Martian construction, to housing design and development for the world’s homeless for the United Nations.
Continuing in his tradition, Khalili‘s associates and apprentices are dedicated to research and education of the public in environmentally oriented arts and architecture. Its philosophy is based on the equilibrium of the natural elements of earth, water, air, fire, and their Unity at the service of the arts and humanity.
Nader Khalili (1936-2008) is the world-renowned Iranian-American architect, author, humanitarian, teacher, and innovator of the Geltaftan Earth-and-Fire system known as Ceramic Houses, and of the Superadobe construction system. Khalili received his philosophy and architectural education in Iran, Turkey, and the United States.
In 1984, Lunar and Space habitation became an integral part of his work. He presented his “Magma Structures” design, based on Geltaftan System, and “Velcro-Adobe” system (later to become Superadobe) at the 1984 NASA symposium, “Lunar Bases and Space Activities of the 21st Century.” He was subsequently invited to Los Alamos National Laboratory as a visiting scientist. Starting in 1984, he presented papers and was published in several symposiums and publications including those of NASA, and the “Journal of Aerospace Engineering” for which he was awarded by the American Society of Civil Engineers. Khalili was a member of the team of “Lunar Resources Processing Project,” along with the Princeton based Space Studies Institute, McDonnell Douglas Space Systems, and Alcoa.
Khalili was the founder and director of the Geltaftan Foundation (1986), and the California Institute of Earth Art and Architecture (Cal-Earth) (1991). At Cal-Earth. Khalili taught his philosophy and earth architecture techniques. His sustainable solutions to human shelter have been published by NASA, and awarded by the United Nations, and the Aga Khan award for Architecture, among others. At Cal-Earth, prototypes were built and tested for inclusion in the Uniform Building Code.
El arte ya no está al servicio de la religión con la misma intensidad que hace siglos.
Madrid, España.- Tradicionalmente, la Arquitectura ha tratado de reflejar la idea del poder inconmensurable del Creador en las inmensas catedrales proyectadas en Europa o en templos musulmanes como la Mezquita de Córdoba, la Alhambra de Granada o la Kaaba de la Meca.
En la actualidad, los arquitectos se decantan por encargos bien remunerados como diseñar ciudades en un desierto o sobre islas artificiales, museos que sean una obra de arte en sí mismos o estadios de fútbol.
Pero, finalmente, los estudios de arquitectura estrella sucumben al reto de crear edificios espectaculares destinados al culto de una confesión religiosa o más modestos pero que usan materiales de vanguardia como el papel.
EL «YES, WE CAN» ITALIANO
La actual iglesia del Padre Pío en la región italiana de Apulia es fruto de una versión a la italiana del «Yes, we can«, mensaje de la campaña del presidente de EU., Barack Obama.
El Padre Pío – pseudónimo de Francesco Forgione – (1887-1968) fue canonizado por el Papa Juan Pablo II en 2002 pero el monje ya era considerado santo en vida por miles de fieles.
Padre Pío Church - The new basilica, inside and out.
Suiglesia de San Giovanni Rotondo, en Apulia (sur de Italia), se quedó pequeña para albergar a sus peregrinos y los monjes capuchinos decidieron ampliar el templo y encargárselo al arquitecto italiano estrella: Renzo Piano, ganador del Premio Pritzker, considerado el ‘Nobel’ de la Arquitectura, quien sin embargo rehusó el proyecto.
Lo que nunca se esperó el co-fundador del Centro de Arte Pompidou (París) fue la cruzada ‘obamista’ del Padre Gerardo.
El «Yes, we can» del Padre Gerardo fue: «En tu paciencia está tu alma» (Lucas 11:19) que, al igual que otras frases entresacadas de la Biblia, le envió diariamente y por fax a Renzo Piano, según relata en «Arquitectura para el espíritu» (Blume), Phyllis Richardson, ex editor de la revista «Architectural Digest«.
Renzo (Génova, 1937) finalmente claudicó y diseñó la ampliación de la iglesia del Padre Pío. Para la historia de la arquitectura contemporánea, la Iglesia de San Giovanni Rotondo es uno de los mejores edificios sacros y en la carrera de Piano, el edificio está considerado como uno de sus mejores proyectos.
LUZ DE VANGUARDIA
En la arquitectura destinada a edificaciones de culto religioso está implícita la búsqueda del elemento espiritual, motivo por el cual las necesidades de las construcciones van más allá de la forma.
La tolerancia, la fe, la diversidad y la memoria son pilares fundamentales de la nueva arquitectura sacra, que tienen como nexo en común la utilización de la luz en el interior del edificio.
Como símbolo religioso de esclarecimiento, la luz es un elemento protagonista tanto por su presencia o casi ausencia en los edificios sacros.
Algunos arquitectos emplean la luz para vehicular la metáfora del Creador que ilumina el camino vital de sus fieles y, en cambio, otros para generar espacios de recogimiento o sobrecogimiento.
Catedral de Nuestra Señora de los Ángeles, proyecto de Rafael Moneo - Wikipedia
En la monumental Catedral de Nuestra Señora de Los Ángeles (California, EU, 2002), el arquitecto español Rafael Moneo (Tudela, Navarra, 1937) jugó con la combinación sutil de diversos estilos arquitectónicos pero la meta era la luz.
La luz inunda toda la nave de la Catedral de Nuestra Señora y genera una sensación espacial que el mismo Moneo, Premio Pritzker 1996, describe como «una metáfora mística para la presencia de Dios» («Arquitectura para el espíritu»).
Con un conjunto magno de vidrieras, el templo es considerado uno de los trabajos más vanguardistas de la arquitectura del siglo pasado por el que la luz se filtra y envuelve al visitante y, además, sugiriere la infinitud.
Vista interior de la Catedral de Brasilia. Wikipedia
Iglesia de la Luz, Ibaraki - Osaka Japon (1989), diseñada por Tadao Ando / WikiArquitectura
Su Cámara de Luz (1995), diseñada para la UNESCO en París, y suIglesia de la Luz (1989), en Osaka (Japón), son dos edificios de hormigón en los que la luz natural tamiza la nave central y genera un espacio de retiro vinculado a la naturaleza.
REZOS DE PAPEL
Pero para originalidad, la del arquitecto japonés Shigeru Ban, que se inventó la «Iglesia de Papel» (1995) para la ciudad de Kobe (Japón).
En enero de 1995, un seísmo de 7,2 grados en la escala de Richter destrozó una zona de 100 kilómetros de radio del sur de Japón con un balance de 5.500 muertos, 35.000 heridos y la destrucción de unos 180,000 edificios.
Ban, además de construir en Kobe treinta casas temporales de papel para los refugiados, diseñó la iglesia de papel que reemplazó a la destruidaIglesia Takatori.
Con 58 tubos de cartón de 5 metros de altura, Ban estableció los pilares de ese templo en el que «la experiencia» espiritual «en ningún caso resulta inferior a la de una espléndida y gran catedral«.
De hecho, para ciertos creyentes, la fe es el único elemento necesario por lo que da lo mismo si el templo es una vanguardia de papel.
DESTACADOS:
* Laiglesia del Padre Pío en Apulia (Italia) es fruto de una campaña a imagen del «Yes, we can» de Obama para convencer a Renzo Piano de encargarse del proyecto.
* El hormigón y el papel, lo rotundo y lo sutil se aplica en nuevos templos como la Catedral de Nuestra Señora de Los Ángeles del español Rafael Moneo
* El arquitecto japonés Shigeru Ban se inventó la «Iglesia de Papel» (1995) para la ciudad de Kobe.
Los monumentales budas de Bamiyan, tristemente destruidos por los talibanes en 2001 después de sobrevivir casi intactos durante 1.500 años, no eran del color de la piedra, sino que resplandecían antiguamente con fuertes colores. Restauradores de la Universidad Técnica de Munich han analizado cientos de fragmentos de las estatuas que el gobierno islamista talibán hizo saltar por los aires y han comprobado que, originalmente, habían sido pintadas en colores brillantes como el rojo, el blanco y el azul. Además, los científicos han conseguido fijar, por primera vez y de forma fiable, la época de su creación, que situán entre los años 544 al 595 para el buda pequeño, mientras que mayor se construyó entre los años 591 al 644. Los investigadores también han quedado impresionados por su brillante método de construcción.
a consternación en todo el mundo fue muy grande cuando, en marzo hará diez años, fanáticos talibanes hicieron saltar por los aires las dos gigantescas estatuas de buda que, desde el siglo VI, dominaban el valle de Bamiyan en el actual Afganistán. Situadas en la Ruta de la Seda, las dos obras de arte de 55 y 38 metros de altura fueron hasta el siglo X el centro de uno de los monasterios budistas más grandes del mundo. Miles de monjes cuidaban de innumerables lugares de culto en los nichos y grutas excavados en el kilométrico acantilado.
Expertos europeos y japoneses se esfuerzan, desde el derrocamiento del dominio talibán, por orden de la UNESCO y coordinados por el Consejo Internacional de Monumentos y Yacimientos (Icomos), en asegurar los restos de las estatuas y volver a hacerlas accesibles. Científicos de la Cátedra de Restauración, Tecnología del Arte y Ciencias de la Conservación han investigado durante año medio varios cientos de estos fragmentos. Sus conclusiones no sólo ayudan a la comprensión de este patrimonio de la humanidad sino que podrían hacer posible el ensamblaje de las piezas recibidas.
En el mundo entero se le reconoce como uno de los más importantes arquitectos actuales. Menos conocida, sin embargo, es su afición a los toros: el próximo Domingo de Resurrección, Rafael Moneo va a pronunciar en Sevilla el tradicional Pregón Taurino, que organiza la Real Maestranza de Caballería. Con este motivo, charlo con él, para ABC.
—Alguien que ha trabajado en Dinamarca, en Los Ángeles, en Harvard, no es precisamente un castizo. Pero te gustan los toros.
—No hace falta ser un castizo para que a uno le guste la Fiesta. Tú lo sabes de sobra. Yo nací en Tudela y, allí, desde que era niño, el toro estaba muy presente. Como tantos niños, yo jugaba a los toros y estaba interesado por los encierros.
—¿Llegaste a correrlos, alguna vez?
—¡Por supuesto! En mi pueblo, entonces, se corrían vacas: los jóvenes pasábamos miedo y disfrutábamos, venciéndolo. Sufrí alguna voltereta, en los encierros de Cascante. También los corrí en Pamplona, desde los 17 años a los 25.
—¿Ibas también a las corridas?
—Sí: recuerdo haber visto torear a Manolete, en Tudela y en Huesca. Entonces esto era normal, no suponía ninguna singularidad ni compromiso ideológico.
Rafael Moneo en 2009 - Foto: Wikipedia
—¿Te consideras aficionado?
—He mantenido siempre la afición, el interés por la Fiesta, pero no de asistir muchas tardes. He ido a los toros, sobre todo, en San Fermín y en San Isidro, con amigos; también, cuando seguía a algún diestro que me interesaba especialmente.
—¿Cuáles han sido esos toreros?
—Antonio Ordóñez, por la suavidad, la naturalidad, el temple; Paco Camino, por el mando; Antoñete, por el sentido de las distancias, algo tan importante para un arquitecto; ahora, José Tomás, por la sensación que transmite de estar solo con el toro, olvidándose del público.
—La Tauromaquia tiene que ver con la arquitectura: también es un arte.
—Creo que sí: sobre la base de una técnica, de una destreza en el oficio, permite una expresión personal.
—Y aspira a crear belleza.
—Eso es más complejo: no se trata sólo del respeto a un canon, sino de la búsqueda de una plenitud, de un momento en que coincidan plenamente los placeres sensuales y mentales, permitiendo salir a otras vías…
—Eugenio d’Ors aplicaba a los toros los tres estilos de la arquitectura griega: el dórico, de extrema severidad, con Manolete; el corintio, en toreros con muchos adornos; el jónico, de equilibrio clásico, con Domingo Ortega. ¿Crees que se puede hablar de estos estilos en el toreo?
—¿Por qué no? Ahora, José Tomás estaría más cerca del dórico. Lo de Domingo Ortega me parece adecuado, pero también se podría pensar en el estilo jónico del toreo rondeño, o de Luis Miguel, por su dominio…
El arquitecto Rafael Moneo (Tudela, Navarra, 1937) ajusta los micrófonos durante el pregón que pronunció ayer en el Lope de Vega.
El pregonero ensalza la tauromaquia a través de la evolución arquitectónica de las plazas · En su presentación, Agustín Díaz Yanes dijo que «Moneo es a la arquitectura lo que Joselito el Gallo y Pepe Luis Vázquez al toreo»
Sevilla, 24 abr (EFE).- El arquitecto navarro Rafael Moneo ha ensalzado hoy la fiesta de los toros a través de la arquitectura de los cosos, en un texto culto y mucho más breve y sobrio que los pregones al uso que la Real Maestranza de Caballería de Sevilla celebra cada Domingo de Resurrección en el teatro Lope de Vega.
La arquitectura de las plazas de toros ha sido el hilo conductor de la intervención de Moneo, quien ha señalado que «se abre una nueva etapa en el calendario, en el transcurrir del tiempo y las costumbres que tan celosamente guarda la ciudad de Sevilla».
Arquitectonico 
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