Categoría: Arte

Piranesi, del buril al diseño moderno (arquitecto, grabador y anticuario en el CaixaForum de Madrid)


CaixaForum reúne 250 obras del artista que muestran todas sus facetas.

Autorretrato grabado de Giovanni Battista Piranesi. Wikipedia
Autorretrato grabado de Giovanni Battista Piranesi. Wikipedia

Cuándo:  hasta el 9 de septiembre de 2012
Dónde: CaixaForum de Madrid. Cuánto: Gratuita.

vía Piranesi, del buril al diseño moderno.

Las artes de Piranesi – CaixaForum de Madrid.

Caixaforum Madrid acoge una exposición sobre uno de los ilustradores más importantes del S. XVIII que cultivó como nadie la tridimensionalidad y el detalle en el grabado.

Giovanni-Battista Piranesi (1720-1778) fue uno de los dibujantes más importantes del siglo XVIII. La técnica, la intensidad y el poder evocador de su obra han tenido influencia posterior en artistas románticos, surrealistas y cubistas. Sus grabados de cárceles venecianas inspiran, todavía hoy, decorados cinematográficos.

Gracias a la Obra Social ”la Caixa” se podrá ver por primera vez en España la primera gran exposición completa sobre la obra de Piranesi, que se mostrará a través de nuevas e innovadoras formas de observación del grabado, que permitirán al público ampliar y enriquecer la visión de las obras con piezas que cobran vida.

La exposición propone al público un recorrido por la trayectoria de Piranesi a través de más de 300 grabados originales del artista, que junto con una representación complementaria de fotografías, figuras y audiovisuales permitirán acercar la obra de este maestro italiano al gran público.

Piranesi, polifacético y visionario de las artes, en CaixaForum Madrid.

EFE Madrid

Arquitecto, grabador, anticuario, vedutista, diseñador, Giambattista Piranesi fue un polifacético artista y un visionario que utilizó diversos lenguajes, todos ellos presentes en la exposición que CaixaForum Madrid dedica al creador italiano.

Alrededor de 300 grabados seleccionados entre los más de mil que conserva la Fundación Giorgio Cini de Venecia forman parte de una exposición diferente y especial que permite apreciar en su totalidad el genio creativo de Piranesi (Venecia, 1720-Roma, 1778).

El Panteón de Agripa de Roma, en un grabado de Piranesi. - Wikipedia
El Panteón de Agripa de Roma, en un grabado de Piranesi. - Wikipedia

El Piranesi arquitecto, grabador y anticuario en el CaixaForum de Madrid
Por Irene G. Vara

El CaixaForum trae a Madrid la obra de uno de los grandes grabadores de la historia del arte. A través de más de 250 grabados originales, el centro pone el acento en la contemporaneidad de Giambattista Piranesi, figura fundamental que anticipó, con sus métodos de trabajo, el papel de los actuales arquitectos y diseñadores.

Una exposición en Madrid revela a Piranesi como precursor de la arquitectura moderna

  • Inauguran en Caixa Forum ‘Las Artes de Piranesi. Arquitecto, grabador, anticuario, vedutista y diseñador’.
  • La muestra reúne más de 250 grabados originales del artista veneciano del XVIII.
  • Se exhiben ocho objetos decorativos originales diseñados por Piranesi pero nunca fabricados hasta ahora.

ÁNXEL GROVE

Entrada anterior en ArquitecturaS:

El Museo de Bellas Artes de Valencia expone a Piranesi – hoyesarte.com

https://twitter.com/#!/arquitectonico/status/195200591956422657



París se ofrece una colina entera dedicada a la creación contemporánea – Univision Feeds (Arquitectos Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal, responsables de la renovación)


AFP

Con el renovado Palacio de Tokio, el mayor centro dedicado al arte contemporáneo en Europa, que será inaugurado el viernes, París se dotará de una colina en el norte de la ciudad dedicada al arte, la moda y la arquitectura.

Vue du parvis bas, Palais de Tokyo, 2010, Cabinet Lacaton & Vassal. © Photo : Anne Lacaton et Jean-Philippe Vassal Architectes.

Vue du parvis bas, Palais de Tokyo, 2010, Cabinet Lacaton & Vassal. © Photo : Anne Lacaton et Jean-Philippe Vassal Architectes.

Tras una renovación de diez meses que le permitió triplicar su espacio, el Palacio de Tokio dispone de 22.000 metros cuadrados dedicados a la creación artística contemporánea, francesa e internacional.

Alojado en un hermoso edificio Art Deco que fue construido en 1937 para la Exposición Universal, el Palacio de Tokio sera el «antimuseo por excelencia», afirmó su flamante director, Jean de Loisy, durante la polvorienta presentación a la prensa del nuevo templo de la creación contemporánea.

Con la reapertura de este centro, la colina de Trocadero, frente a la Torre Eiffel, reagrupará el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, el Palacio de Chaillot, que alberga la Ciudad de la Arquitectura así como dos teatros, y el Museo Galliera dedicado a la Moda, que también está siendo renovado.

La renovación, que costó unos 20 millones (26,2 millones de dólares) fue celebrada antes de ser terminada con una preinauguración oficial que se desarrolló a 11 días de la primera vuelta electoral, y mientras cientos de obreros acarreaban cemento, levantaban vigas, clavaban y acababan ventanas.

En 36 horas ininterrumpidas de manifestaciones artísticas, miles de visitantes descubrieron el jueves y viernes pasado un desfile de moda basado en el movimiento y no en la creación, una soprano que cubrió con su voz una inmensa sala mientras otro artista, a diez metros, luchaba por sostener un juego de Mikado gigante.

Un pianista que con su música absorbió al público en una pequeña sala oval, escondida entre las columnas y pisos de este gigante de cemento, contribuyó también a caldear el ambiente, dejando entrever la riqueza y diversidad que ofrecerá este nuevo centro.

«Queremos que sea un territorio abierto a los creadores contemporáneos», subrayó Loisy, un historiador de arte conocido por sus propuestas atrevidas y originales, como la que ha organizado en el museo del Quai Branly consagrada a los chamanes.

El flamante director se ha dado 18 meses más para terminar el museo, lo que requerirá hallar «mecenas», señaló.

Project: Palais de Tokyo, Paris, Site for contemporary creation - image project -. photographer: © Lacaton & Vassal
Project: Palais de Tokyo, Paris, Site for contemporary creation - image project -. photographer: © Lacaton & Vassal

Los jóvenes arquitectos Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal, responsables de la renovación del inmenso edificio que permaneció dormido durante años, optaron por derribar muros y divisiones, creando un inmenso espacio subterráneo, abierto, con las paredes desnudas y el hierro y el concreto a la vista.

El Palacio de Tokio, que según Loisy guardará siempre el «aire industrial» que presenta actualmente, se inaugurará oficialmente el 20 de abril con la Trienal del arte contemporáneo, un evento artística que se celebraba antes en el museo del Grand Palais.

Titulada «Intense Proximité», esta edición de la Trienal propondrá hasta el 26 de agosto un recorrido por la creación contemporánea francesa e internacional, que invadirá no sólo el Palacio de Tokio sino que también el Museo de Arte Moderno de París y el museo Galliera.

La nueva vida del Palacio de Tokio empezará después, con la organización en una tercera parte de su espacio de tres exposiciones anuales, protagonizadas por la creación contemporánea francesa pero también internacional.

El resto del edificio será un inmenso espacio abierto. La meta es que «sea invadido» por los creadores, señaló Loisy, que aspira a que el centro se convierta en un «inmenso laboratorio» del arte contemporáneo.

icm.ame/ltl

vía París se ofrece una colina entera dedicada a la creación contemporánea – Univision Feeds.

París presume de la inacabada renovación del Palacio de Tokio.

París,  (EFE).- El Palacio de Tokio de París reabrió sus puertas para celebrar su (inacabada) renovación con 36 horas «non-stop» de creación en sus 22.000 metros cuadrados consagrados al arte contemporáneo.

Web Oficial del Palacio de Tokio, París.

RÉOUVERTURE DU PALAIS À PARTIR DU 20 AVRIL !

Après une (Entre)Ouverture de 30 heures non-stop et plus de 35 000 visiteurs, le Palais de Tokyo referme ses portes durant le montage de La Triennale.

À partir du 20 avril : La Triennale, Intense Proximité + les Modules + les Interventions sur le bâtiment

Web de Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal.

https://twitter.com/#!/arquitectonico/status/192623360272908288



La Ciudad de la Moda parisina nace de la mano de Cristóbal Balenciaga – ABC.es (Proyecto de los arquitectos Jakob y Mac Farlane)


Moda

Es una institución cultural y artística de nuevo cuño, que aspira a convertirse en referencia internacional en materia de creaciones de moda y diseño.

Juan Pedro Quiñonero / corresponsal en París

La Ciudad de la Moda, entre la estación de Austerlitz y la Biblioteca Nacional de Francia (BNF), en la orilla izquierda del Sena, París.
La Ciudad de la Moda, entre la estación de Austerlitz y la Biblioteca Nacional de Francia (BNF), en la orilla izquierda del Sena, París.

Gran acontecimiento cosmopolita: la inauguración solemne de la Ciudad de la Moda parisina estará consagrada a una gran retrospectiva de Cristóbal Balenciaga, el más grande de los modistos españoles del siglo XX.

La Ciudad de la Moda, entre la estación de Austerlitz y la Biblioteca Nacional de Francia (BNF), en la orilla izquierda del Sena, es una institución cultural y artística de nuevo cuño, que aspira a convertirse en referencia internacional en materia de creaciones de moda y diseño.

Tras largos años de estudios, trabajo y colaboración entre varias instituciones, alcaldía de París, ministerio de Cultura, Instituto Francés de la Moda (IFM) y varios museos especializados, como el Galliera, consagrado a la historia de la moda, igualmente, la Ciudad se presenta al gran público internacional con una exposición que también celebra el cuarenta aniversario de la muerte de Balenciaga, que encontró en París la capital de adopción que no pudo ser San Sebastián, Madrid o Barcelona.

La Ciudad de la Moda está situada en un complejo arquitectónico de nuevo cuño (14.000 metros cuadrados) concebido por los arquitectos Jakob y Mac Farlane. Sus cuatro pisos, bordeando la orilla izquierda del Sena, estarán animados por actividades muy diversas: un espacio de creación y venta, consagrado exclusivamente a creadores y editores de moda y diseño; un espacio consagrado a acontecimientos (exposiciones, homenaje, presentación de colecciones); y varios espacios destinados al «ocio creativo», que incluirá clubs nocturnos, pistas de baile, bares y restauración muy varia, diurna y nocturna.

La Ciudad de la Moda también aspira a dar a sus trabajos una cierta dimensión «histórica», poniendo en perspectiva la obra de grandes creadores. Para lanzar la Ciudad en la nueva escena artística y creativa internacional, se ha montado una gran exposición consagrada a Cristóbal Balenciaga, el más parisino de los modistas españoles de todos los tiempos, comisariada por Olivier Saillard, director del Museo Galliera, que tiene unos fondos excepcionales sobre lahistoria de la moda.

vía La Ciudad de la Moda parisina nace de la mano de Cristóbal Balenciaga – ABC.es.

Inauguran “La Ciudad de la Moda” en París

La Ciudad de la Moda, entre la estación de Austerlitz y la Biblioteca Nacional de Francia (BNF), en la orilla izquierda del Sena, es una institución cultural y artística, que aspira a convertirse en referencia internacional en materia de creaciones de moda y diseño.

El “museo imaginario” de Balenciaga abre sus puertas

La muestra estará compuesta por piezas valiosas de la vida de Cristóbal Balenciaga.

Escrito por Agencias

https://twitter.com/#!/arquitectonico/status/192350948155342849



Vo Trong Nghia y su nueva arquitectura de bambú – Estilo de Vida – Alto Nivel


Hermosas construcciones han sido edificadas gracias al uso de este material renovable y ecológico, que propone un estilo innovador.

Por: Altonivel

Twitter: @altonivel606060606060

Vo Trong Nghia es un arquitecto vietnamita, que estudió en Japón, donde aprendió la idea de avant design. Esta tendencia de construcción lo conectó con diversos materiales, principalmente el bambú, que se convirtió en su favorito.

Foto: www.votrongnghia.com
Foto: http://www.votrongnghia.com

Nghia ha creado majestuosas edificaciones a partir de este material. El estilo de estas construcciones mezcla milenarias técnicas orientales, con diseños contemporáneos e influencia y patrones estéticos de diversos lugares del mundo, por ejemplo de África.

Pero además de la propuesta estética, destaca en la arquitectura de Nghia el hecho de que utiliza recursos naturales, con lo que minimiza el impacto al medio ambiente.

Ventajas ecológicas de los materiales naturales

Si bien los materiales que provienen de la naturaleza suelen ser de mayor valor monetario, -porque está de por medio la dificultad de encontrarlos, o bien llevará bastante tiempo reunir la cantidad que se necesite para una construcción-, a largo plazo se retribuye.

Sin embargo, el bambú se está adaptando a la nueva tendencia sustentable, porque crece rápidamente en cualquier lugar del mundo y su cultivo es accesible; esto hace que su valor sea considerablemente menor.

Los diseños en bambú se caracterizan por su resistencia y cuidado del medio ambiente. Foto: altonivel.com.mx
Los diseños en bambú se caracterizan por su resistencia y cuidado del medio ambiente. Foto: altonivel.com.mx

Además, la utilización de los materiales ecológicos es beneficiosa ya que no son fabricados con productos químicos contaminantes.  Al mismo tiempo, éstos se pueden reutilizar o reciclar.

Construcciones de Vo Trong Nghia

Este original arquitecto diseñó y fabricó el llamado Watter and Wind Café. Se trata de un lugar con particular belleza estética, ubicado en la provincia de Binh Duong, en Vietnam. Ahí el agua y el aire están acondicionados de manera natural, luego de estudiar su aerodinámica.

Esta estructura fue construida casi por completo con carrizos de bambú y fibras naturales, lo cual indica que no se usaron componentes o aglutinantes de origen industrial. Además fue recubierta con follaje de un arbusto local característico del país. Sorprendentemente, esta edificación tiene una alta resistencia y está certificada para satisfacer necesidades humanas de una manera práctica, algo indispensable en la arquitectura.

Otra de sus obras es el Bamboo Pavilion de arquitectura ecológica y económica, que presentó en la Expo Shangai 2010, y en la que también utilizó bambú. Su costó fue sólo un millón de dólares.

vía Vo Trong Nghia y su nueva arquitectura de bambú – Estilo de Vida – Alto Nivel.


Web de Vo Trong Nghia.



Celso González y Roberto Biaggi repasan sus logros haciendo mosaicos- Primerahora.com


Rosa Escribano / Primera Hora

CERO Design lo componen los artistas Roberto Biaggi (a la izquierda) y Celso González. (Primera Hora / Pipo Reyes)
CERO Design lo componen los artistas Roberto Biaggi (a la izquierda) y Celso González. (Primera Hora / Pipo Reyes)

Les apasiona crear. Encontrar el modo de materializar a través del arte las ideas que transitan por sus mentes.

En su mundo no hay cabida para pensar en lo imposible. Los mueve el reto de ser fieles a su visión creativa. Y fuera de hacer exclusivas sus piezas a un museo o una galería, optan por hacerlas accesibles a todo espectador.

Amantes del arte público, más de 60 piezas en mosaico del binomio compuesto por los artistas Celso González y Roberto Biaggi decoran paredes, puentes, parques y esculturas no sólo en suelo boricua, sino también en espacios tan lejanos como Taiwán.

La inventiva que los motiva no es casual. Arquitectos de profesión, les encanta experimentar con lo que resulta fuera de lo ordinario, pero siempre, desde la perspectiva artística.

En sus inicios

Nacieron en suelo boricua. Pero se conocieron en Los Ángeles, hace 15 años, cuando realizaban estudios en el Southern California Institute of Architecture, conocido como SCI-Arc. En poco tiempo, ambos se dieron cuenta de la visión artística que tenían en común. “Empezamos a hacer nuestros inventos, no necesariamente de arquitectura, sino de muebles y piezas que serían de arte, construcciones y demás”, recuerda Celso.

Durante ese tiempo, fueron contratados para trabajar en la industria del cine. “Esta escuela tiene esa fama de creativa y va mucha gente interesada buscando creativos para hacer inventos para películas, vídeos musicales. Tuvimos la oportunidad de colaborar en un montón de proyectos superinteresantes”, rememora Celso. Y Roberto añade que “trabajamos en vídeos de Metallica, Motley Crue, de Bon Jovi, 98 Degrees”, además de varias películas de cine.

Sin embargo, luego de varios años de colaboración, decidieron tomar nuevos rumbos profesionales. En este sentido, Roberto revela que “nosotros somos arquitectos. Ésa es la prioridad. A nosotros nos gusta construir espacios, remodelar, hacer muebles, hacer arte, esculturas. Caímos en la industria del cine porque estábamos allí, pero yo sabía que era transitorio. Me gusta el cine y todo eso, hasta escribir libretos, pero realmente lo que quería hacer era arquitectura. Siempre lo tuve claro”.

vía Celso González y Roberto Biaggi repasan sus logros haciendo mosaicos– Primerahora.com.

https://twitter.com/#!/arquitectonico/status/186943838483517440



Défense d’afficher (Prohibido fijar carteles) Artistas callejeros, Ciudades, Documentales X 8


www.francetv.fr/defense-d-afficher
http://www.francetv.fr/defense-d-afficher

Défense d’afficher.

Pallo El artista callejero Pallo en la ciudad finlandesa de Turku (Défense d'afficher) 20minutos.es
Pallo El artista callejero Pallo en la ciudad finlandesa de Turku (Défense d'afficher) 20minutos.es

Ocho artistas callejeros, ocho ciudades, ocho documentales – 20minutos.es

  • Défense d’afficher’ (‘Prohibido fijar carteles’) es una serie de minidocumentales de siete minutos cada uno. Todos pueden verse en Internet.
  • Los artistas urbanos protagonistas proceden de Grecia, Colombia, Kenia, EE UU, Francia, Brasil, Singapur y Finlandia.
  • Relacionan las intervenciones con los problemas sociales de sus ciudades y países.

HELENA CELDRÁN – 20minutos.es

Orion camina por Sao Paulo con un bote de pintura blanca agujereado. El rastro que deja sirve al artista de metáfora para explicar la dinámica de la ciudad donde viven más de once millones de habitantes.

«Aquí la noción de tiempo no existe, porque la única manera en que lo percibes es cuando sientes que te falta», dice mientras permite que el cubo se vacíe lentamente.

Défense d’afficher (Prohibido fijar carteles) es un documental para Internet que descubre a ocho artistas callejeros de ocho países diferentes. Relacionan sus intervenciones urbanas con los problemas sociales de su entorno, opinan, critican, denuncian y se saltan las prohibiciones para expresar sobre las paredes lo que necesitan decirle al mundo.

La grafitera conocida como Bastardilla dibuja a los excluidos de la sociedad en la ciudad de Bogotá, Colombia. Este corto forma parte de la web documental Défense d'afficher, un proyecto de la televisión francesa que busca descubrir lo que cuentan las calles del mundo en el que vivimos. (LIONEL ROSSINI / 20minutos.es)
La grafitera conocida como Bastardilla dibuja a los excluidos de la sociedad en la ciudad de Bogotá, Colombia. Este corto forma parte de la web documental Défense d'afficher, un proyecto de la televisión francesa que busca descubrir lo que cuentan las calles del mundo en el que vivimos. (LIONEL ROSSINI / 20minutos.es)

Creado por los franceses Sidonie Garnier, François Le Gall y Jeanne Thibord, las historias, cada una dirigida por un director diferente y de unos siete minutos de duración, se conciben en el recorrido de la página web como las ocho paradas de un viaje que traslada al espectador a Atenas (Grecia), Bogotá (Colombia), Nairobi (Kenia), Nueva York (EE UU), París (Francia), Sao Paulo (Brasil), Singapur (República de Singapur) y Turku (Finlandia).

El finlandés Pallo busca el lugar ideal, «feo, sucio y desagradable», para pintar animales feroces, criaturas peludas y babeantes, que personifican sus demonios interiores.

El brasileño Alexandre Orion utiliza el tizne negro de la contaminación en las paredes de los túneles para dibujar calaveras tan solo limpiando esas superficies abandonadas de la ciudad.

La colombiana Bastardilla saborea la clandestinidad frente a la plaga de autopromoción de la sociedad actual. «Aquí la violencia es como una enfermedad que se transmite a diario, es como una rabia», dice mientras pinta sus figuras femeninas.

En la calle y para la calle

Los creadores de Défense d’afficher ven el arte callejero como una manera alternativa de «capturar la energía de la ciudad… y su realidad». Bankslave, de Nairobi, vive cerca de Kibera, uno de los mayores barrios chabolistas de África. En las ruinas de un edificio, el grafitero dibuja paisajes y figuras sobre las paredes que sobreviven. El arte político lo reserva para el centro de la ciudad.

El ateniense Bleeps ilustra la desazón, los recortes sociales y la bancarrota económica de Grecia con plantillas en las que une la crisis del euro con imágenes de vanidad, mensajes filosóficos y mitología clásica.

 Défense d’afficher est en ligne !

Défense d’afficher en Twitter

@DefenseAfficher

Un webdocumentaire pour découvrir ce que le street art raconte du monde. Produit par @CameraTalkProd et @La_MDD. Coproduit par France Télévisions.

Paris · http://www.francetv.fr/defense-d-afficher

Alexandre orion – Artist – YouTube




http://f.badoo.com/informer/5092155d53125a92c63342182c50b63

Art, architecture unite in captivating exhibition: «Architecture in the Expanded Field»


John King

The California College of the Arts in San Francisco presents a mazelike exhibition of the work of 60 artists and architects through April 7. www.sfgate.com
The California College of the Arts in San Francisco presents a mazelike exhibition of the work of 60 artists and architects through April 7. http://www.sfgate.com

If you’ve ever imagined plunging into a Mobius strip, I have just the exhibition for you: «Architecture in the Expanded Field,» at the San Francisco campus of the California College of the Arts.

It’s a mazelike immersion where Richard Serra‘s rusted steel «Sequence» unwinds beneath the fog-shrouded Blur Building of Diller Scofidio + Renfro, an arm’s length away from Andy Goldsworthy‘s «Faultline.» Sixty architects and artists are represented in all, and an equal number of creative provocations.

What’s on display isn’t the physical work itself, but diagrams, studies and images transferred to sequences of frosted acrylic panels. Each rectangular panel is connected by hinges to the panels alongside, above and below it. The interconnected panels – think flattened chains in taut rows – are then hung from the ceiling by thin steel cables.

The various strands all start at the exhibition’s outer four edges and twist and snap toward a central core, leaving just enough space for passageways from each side that visitors can follow. Plunging in, we encounter work by such emerging locals as Iwamoto Scott and Future Cities Lab as well as Big Names such as Serra and Goldsworthy.

This is the latest installment of the «Way Beyond Art» series at the college’s Wattis Institute for Contemporary Arts. It was co-curated by Ila Berman, director of the architecture program, and architect Douglas Burnham. Their goal: to convey what the wall text calls «a new and expanding network of relations between the domains of architecture, sculpture, interiors and landscape.»

vía Art, architecture unite in captivating exhibition.

The Way Beyond Art: Architecture in the Expanded Field www.dexigner.com
The Way Beyond Art: Architecture in the Expanded Field http://www.dexigner.com

The Way Beyond Art: Architecture in the Expanded Field

The CCA Wattis Institute for Contemporary Arts presents the exhibition The Way Beyond Art: Architecture in the Expanded Field through April 7, 2012, in the Upper Logan Galleries of California College of the Arts.

Architecture in the Expanded Field is designed and curated by Ila Berman, CCA director of Architecture, and Douglas Burnham, CCA adjunct professor and principal of envelope a+d. It explores the realm of installation art and architecture across a broad terrain of practices, ranging from the immersive environments of Ryoji Ikeda, Tomas Saraceno, and Philippe Rahm to the deconstructions of Gordon Matta-Clark and the spatial distortions and tectonic manipulations of Softlab, Numen / For Use, Gramazio & Kohler, and theverymany. The exhibition has two components: an immersive full-scale installation (both within and outside the gallery) and a didactic «surface» component that presents the mapped expanded field of architectural installation.

THE WAY BEYOND ART

https://twitter.com/#!/arquitectonico/status/186075606885212161

Llamada a Proyectos Festival EME3_2012 (Cartel y Nota de Prensa recibidos)


eme3 acaba de lanzar su llamada a proyectos para la edición del Festival eme3_2012.

La novedad de este año es la incorporación de una segunda modalidad a concurso, que planteará la opción de intervención activa en el espacio público, a parte de la habitual sección expositiva del Festival. 

Bajo la temática de Bottom-up, eme3_2012 apuesta esta año por visibilizar y promover una arquitectura basada en procesos de construcción participativa.

Información directa de las bases del Concurso pueden consultarse en este enlace (link)

Nota de Prensa:

SE ABRE LA CONVOCATORIA A PROYECTOS PARA PARTICIPAR EN EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE ARQUITECTURA EME3_2012

EME3_2012 apuesta por las intervenciones urbanas y los procesos de construcción participativa.
Eme3 lanza internacionalmente su llamada a proyectos para la 7ª edición del Festival eme3_2012, con la novedad de incorporar este año dos modalidades diferentes de participación.
Bajo el lema de eme3_2012, BOTTOM‐UP, se busca por un lado dar a conocer proyectos de acción participativa que tengan un vínculo directo o indirecto entre la arquitectura, el urbanismo y la sociedad, y por el otro, generar y promover activamente una consecución de acciones que, partiendo de la arquitectura, intervengan en las estructuras sociales existentes en la sociedad.
En este sentido, la edición eme3_2012 se articulará en dos partes: Share‐it! en la que se compartirán y mostrarán proyectos ya realizados, en curso o para realizar que vayan en línea con la temática Bottom‐up, y Build‐it!, en la que se promoverán intervenciones urbanas.
La sección Build‐it! recupera el carácter de acción social y urbana que marcó anteriores ediciones del Festival, centrándose este año en el Distrito de Ciutat Vella de Barcelona. Se han detectado diversos solares degradados o en desuso para los que se llama a la presentación de propuestas que den ideas para facilitar que los vecinos se apropien el espacio público en procesos participativos bottom‐up y así los solares recuperen su utilidad y puedan mantener un dinamismo y evolución en el tiempo.
La llamada a proyectos va dirigida a todos los arquitectos, diseñadores, colectivos pluridisciplinares, artistas y otros profesionales que tengan una actitud proactiva ante las problemáticas inherentes a la ciudad contemporánea y a la arquitectura, entendiendo que las necesidades de las urbes actuales van más allá de una aproximación puramente edificable.
El Festival se celebrará del 28 de junio al 1 de julio del 2012, manteniéndose la exposición hasta el 15 de julio en la sede del COAC (Colegio Oficial de Arquitectos de Cataluña).

CALENDARIO EME3_2012:

  • 19 de marzo: apertura de la llamada a proyectos
  • 15 de abril: cierre de la llamada a proyectos
  • 23 de abril: confirmación de los seleccionados
  • 28 de junio: inauguración del Festival
www.eme3.org
http://www.eme3.org

PREMIOS :SHARE-IT !

: la Fundación Jesús Serra premiará los tres proyectos escogidos por el Jurado

  1. Primer premio: 3.000 euros
  2. Segundo premio: 2.000 euros
  3. Tercer premio: 1.000 euros
BUILD-IT! : el premio consiste en la financiación de una máximo de 2.000 euros (IVA incluido) para llevar a cabo cada una de las tres propuestas escogidas.

Más información en www.eme3.org

Descargar Cartel cartel CH co vertical (formato *.pdf)


La poética entre arquitectura y matemática, al descubierto: «La mirada matemática, las artes y el patrimonio»


El Muhba analiza la relación entre los números y el patrimonio de la ciudad.

Carlos Sala
Cartel de la Exposición «La mirada matemática, las artes y el patrimonio» en el Muhba
Cartel de la Exposición «La mirada matemática, las artes y el patrimonio» en el Muhba

BARCELONA– La relación entre arte y matemáticas ha sido una constante en la historia de la humanidad. En literatura, incluso en «El Quijote» hay referencias y obras maestras como «Cajón de sastre», de Lewis Carrol, o «Planilandia», de Edwin E. Abbot, una fábula satírica de un mundo en dos dimensiones suyos protagonistas son cuadrados y triángulos. En música, sólo hay que pensar en el barroco Juan Sebastian Bach o toda la música dodecafónica. Y en arte, desde el rectángulo dorado que sirve de división armónica de los espacios en los cuadros del Renacimiento a las perspectivas imposibles de Escher.

El genio de Esteve Terradas
Aunque la relación más evidente entre arte y matemática es con la arquitectura, desde la magnificencia de la cúpula del Duomo de Florencia a la simetría perfecta del Taj Majal de la India. Incluso uno de sus máximos valedores, junto a su relación con el mundo natural, podría ser nuestro Gaudí. El Museo de Historia de Barcelona (Muhba) presenta ahora una exposición para poner de relieve la relación entre estos dos fenómenos intelectuales humanos, sobre todo en las distintas construcciones del paisaje urbano de la capital catalana, como la mecánica del reloj de la Catedral o algunas estaciones de metro.
De esta forma, podemos ver las leyes de la perspectiva en los mosaicos repartidos en diferentes espacios de la ciudad; las dimensiones de los contrafuertes del Salón del Tinell; las estructuras radiales del absis de la capilla de Santa Ágata en el Palau Reial Major; o la armonía de las proporciones de la iglesia del Monastir de Pedralbes.  «Las formas supremas de lo bello son la conformidad con las leyes, la simetría y la determinación (el orden), y son precisamente estas formas las que encuentran en las matemáticas, y puesto que estas formas parecen ser la causa de muchos objetos, las matemáticas se refieren en cierta medida a una causa que es la belleza», afirmaba Aristóteles, y tenía toda la razón del mundo, sobre todo referido a los grandes espacios icónicos de la ciudad de Barcelona.

El interior del Saló del Tinell y la dimensión de sus contrafuertes es una de las joyas que muestra la muestra - Foto: Efe - LaRazon.es
El interior del Saló del Tinell y la dimensión de sus contrafuertes es una de las joyas que muestra la muestra - Foto: Efe - LaRazon.es

Bajo el nombre de «La mirada matemática, las artes y el patrimonio», la exposición propone una mirada científica al patrimonio histórico y tecnológico de Barcelona a través de la representación de elementos universales de la matemática y de los elementos históricos particulares de la ciudad.
Para conseguir esta relación también se hace referencia a los frescos de Ferrer Brassa en la capilla de Sant Miquel del monasterio de Pedralbes y las estaciones de metro de plaza Catalunya y de plaza España, proyectadas por Esteve Terradas, un hombre que impresionó al mismísimo Albert Einstein por sus ideas matemáticas y cuyo genio brilla más que nadie en esta singular muestra.
La exposición, que podrá visitarse desde este sábado hasta el 6 de mayo, es el resultado de la colaboración entre la exposición interactiva Imaginary de la Real Sociedad Matemática Española (RSME), el Muhba y la comunidad matemática de Barcelona.

vía La poética entre arquitectura y matemática, al descubierto.

El Museo de Historia de Barcelona relaciona las matemáticas y el arte – LaVanguardia.com.

Sofá con fórmula - Imaginary
Sofá con fórmula - Imaginary

El Muhba se centra en las distintas construcciones del paisaje urbano de la capital catalana

Cultura |

Barcelona. (EUROPA PRESS). – El Museo de Historia de Barcelona (Muhba) ha preparado una exposición para poner de relieve la relación entre las matemáticas y el arte, especialmente en las distintas construcciones del paisaje urbano de la capital catalana, como la mecánica del reloj de la Catedral o algunas estaciones de metro de la ciudad.

Bajo el nombre de La mirada matemática, las artes y el patrimonio, la exposición propone una mirada científica al patrimonio histórico y tecnológico de Barcelona a través de la representación de elementos universales de la Matemática y de los elementos históricos particulares de la ciudad. Para conseguir esta relación entre matemática y arte, la muestra cuenta con representaciones de la arquitectura de Barcelona, como los frescos de Ferrer Brassa en la capilla de Sant Miquel del monasterio de Pedralbes y las estaciones de metro de plaza Catalunya y de plaza España proyectadas por Esteve Torrades.

La exposición, que podrá visitarse desde este sábado hasta el 6 de mayo, es el resultado de la colaboración entre la exposición interactiva Imaginary de la Real Sociedad Matemática Española (RSME), el Muhba y la comunidad matemática de Barcelona. La muestra también cuenta con dos módulos del Museo de Matemáticas de Cataluña (Mmaca) que consta de dos calidoscopios que generan distintos poliedrios.

Imaginary.

Imaginary/BCN. La mirada matemàtica, les arts i el patrimoni

Barcelona, del 17 de març al 6 de maig de 2012

BCN Imaginary Conference (24-26 April)

Surfer Prize Awards (23 April)

MUHBA Plaça del Rei. Capella de Santa Àgata

Imaginary/BCN. La mirada matemática, las artes y el patrimonio- Real Sociedad Matemática Española.

El Ayuntamiento de Barcelona acoge la duodécima etapa de la exposición RSME-Imaginary en la capilla de Santa Àgata del Museu d’Història de la ciudad (MUHBA), Plaça del Rei, en el Barrio Gótico. En esta ocasión, la Societat Catalana de Matemàtiques (SCM) adscrita al Institut d’Estudis Catalans (IEC), comparte con la RSME y con el MUHBA la organización de la muestra que se difundirá específicamente como “Imaginary /BCN.

Entrada anterior en ArquitecturaS:

“Imaginary. Una mirada matemática” : Matemáticas + imaginación = bellas figuras geométricas | Ciencia | elmundo.es

https://twitter.com/#!/arquitectonico/status/181704939398111232

hotel.info

LEGO.com Architecture Inspire Us – Vota por la obra arquitectónica que deseas ver en Lego Architecture


Inspire and Vote

Here you can vote for your favourite architectural icon. We can’t promise to build it, but we do promise to be inspired by you. Habitat 67, designed by Moshe Safdie, was the most popular among the 10 architectural masterpieces profiled on the site in the first round of Vote and Inspire. It is now a candidate for a future LEGO Architecture set, but it takes more than popularity to make the grade as a LEGO Architecture icon.

architecture.lego.com
architecture.lego.com

Here are another 10 fantastic buildings to vote for – which one do you like?

vía LEGO.com Architecture Inspire Us.

Lego Architecture – Comprar en Amazon.es

En esta segunda edición convocada por Lego Architecture, puedes votar por tus tres favoritos a convertirse en juegos para construir, de entre 10 obras maestras del patrimonio arquitectónico universal.  Como podrán observar en la imagen superior (o en el sitio web de la propia votación haciendo click) en esta segunda edición los edificios propuestos son: MAXXI de Zaha Hadid, Casa Ennis de Frank Lloyd Wright, Puente Golden Gate en San Francisco, la Torre de Pisa, Marina Bay Sands en Singapur, Myonichikan – obra también del Maestro Frank Lloyd Wright, la Torre Cápsula de Nakagin por Kisho Kurokawa, la casa Rietveld Schröder del arquitecto Gerrit Rietveld, la Sagrada Familia de Gaudí y la Catedral de St. Basil en Moscú.

Museo Guggenheim de Frank Lloyd Wright
Museo Guggenheim de Frank Lloyd Wright

Entradas anteriores en ArquitecturaS:

Los edificios más emblemáticos del mundo, ahora en piezas Lego | expreso – Sobre “Lego Architecture”

Edificios con ladrillo de Lego | Cultura | elmundo.es

La arquitectura no es un juego de niños | Línea Frank Lloyd Wright de Lego

Lego Architecture – Comprar en Amazon.es

Blurb: Beautiful books. Made by You. Hermosos Libros, hechos por Usted mismo mediante Blurb.


Tengo tiempo revisando este interesante Portal de servicios editoriales, orientado al escritor que desea publicar y no sabe cómo; ahora, gracias a Blurb, puede editar hermosos libros mediante el potencial de la autopublicación y realizar sus publicaciones de manera tan global como internet pueda permitir.  

A continuación una breve reseña bilingüe (Inglés – Español) de los notables, muy ventajosos servicios que ofrece Blurb:

Want to edit your own book and you don´t know how to do it? Don´t worry: Blurb is your complete solution.

You only need three single steps:

  1. Sign up and use one of our easy bookmaking tools.
  2. Add your photos, artwork and text.
  3. Order one book, or one for everyone you know. In your hands in about a week.

Let´s probe it! Get started for FREE just right now

How does Blurb work?

  • You have complete creative flexibility: Use our templates or create your own design.
  • Beautiful, bookstore – quality printing, with options for paper, cover materials and binding.
  • In your hands in just 7 to 10 days after you order.
  • Share more with multiple book sizes and full colour starting at only £2.95.

Example spreads from books created by the Blurb community.

– – –

¿Desea editar su propio libro y no sabe cómo hacerlo? No se preocupe más: Blurb es su solución integral.

Solamente necesita seguir tres sencillos pasos:

  1. Regístrese y aproveche una de sus sencillas herramientas de edición.
  2. Incorpore sus fotografías, diseños y textos.
  3. Ordene un libro o un ejemplar para cada uno de sus conocidos. Lo tendrán en sus manos en aproximadamente una semana.

¡Pruebe Blurb ahora mismo! Subscríbase GRATIS y comience a editar su propio libro.

¿Cómo funciona Blurb?

  • Dispone de completa flexibilidad creativa: Aproveche sus plantillas o genere sus propios diseños.
  • Hermosa impresión con calidad de librería; selecciones su tipo de papel, materiales para la cubierta y encuadernación,
  • En sus manos a sólo 7 – 10 días de realizar su pedido.
  • Comparta más con múltiples tamaños de libros a todo color – precios a partir de £2.95.

Explore algunos ejemplos de libros editados por la Comunidad de Blurb.


La ‘humilde arquitectura’ edificada con un pliego de papel – 20minutos.es (Sobre las obras de Ingrid Siliakus)


  • La holandesa Ingrid Siliakus ha creado, solo con papel, desde estructuras imposibles hasta réplicas de Gaudí y de Frank Gehry.
  • Crea entre 20 y 30 prototipos antes de la obra definitiva.
  • «El papel tiene carácter propio y pide cooperación más que manipulación».

HELENA CELDRÁN.

'Big City' Siliakus incluye edificios de Amsterdam en esta obra de dos partes que se encajan a la perfección formando cuatro caras de la ciudad (Ingrid Siliakus) 20minutos.es
'Big City' Siliakus incluye edificios de Amsterdam en esta obra de dos partes que se encajan a la perfección formando cuatro caras de la ciudad (Ingrid Siliakus) 20minutos.es

Son construcciones alocadas o fieles a la realidad, abigarradas como un encaje. Creadas en un solo pliego de papel, se abren en forma de edificios, ciudades y mundos perdidos.

Las estructuras de la holandesa Ingrid Siliakus (Amsterdam, 1955) mezclan «arquitectura, figuración y abstracción» y combinan diseños de arquitectos emblemáticos y construcciones imposibles y complejas basadas en el artista M.C.Escher.

En una evolución de décadas tratando el material, ha aprendido a ser humilde y a eliminar la impaciencia. El papel es fuerte y flexible sólo si uno es capaz de conocerlo: «Es un producto natural y hay algo en él que no tienen las materias primas artificiales. Tiene carácter propio y pide cooperación más que manipulación».

Antes de crear la obra definitiva hace de 20 a 30 prototipos. En el delicado proceso del edificio definitivo la artista no se puede permitir errores. Pasarse unos centímetros en un corte, pueden destruir el plano entero: «Cuando siento que me falta concentración o me impaciento durante el trabajo, paro. Sé que el riesgo de cometer un fallo es alto».

Horizontes urbanos

A lo largo de su carrera se ha atrevido con edificios de Antoni Gaudí o con el Museo Guggenheim de Bilbao que diseñó Frank Gehry. Ahora experimenta con los horizontes urbanos, le seduce incluir tantas construcciones en un solo diseño y disfruta poniéndose a prueba.

El mayor halago: que alguien sueñe con vivir en esas construcciones

vía La ‘humilde arquitectura‘ edificada con un pliego de papel – 20minutos.es.

Ingrid Siliakus – Paper architect/artist.

Ingrid Siliakus (1955),

Paper architect/artist,

Amsterdam, The Netherlands.

Ingrid Siliakus first discovered paper architecture by seeing work of the originator of this art form Prof. Masahiro Chatani (architect and professor in Japan). He developed this art form in the early 1980’s. Ingrid was instantly fascinated by the ingenious manner in which these pieces were designed and by the beauty they radiated. Ingrid studied the originator’s work for some years and than started to design herself. Ingrid states that working with this art form has given her personal means of expressing. Her designing skills have grown over the years. Her specialties are buildings of master architects and intricate abstract sculptures. Her source of inspiration by these abstract sculptures are works of artists like M.C. Escher. With buildings she feels attracted to work of Berlage and Gaudi.

Ingrid Siliakus

Ingrid Siliakus

Diseñadora de arquitectura origámica/artista del papel
Amsterdam, Países Bajos .

paperart@yahoo.com
members.ams.chello.nl/rebran/gebned.htm

Hace unos 10 años, Ingrid Siliakus descubrió la Arquitectura Origámica viendo la obra del iniciador de esta forma artística, el Prof. Masahiro Chatani. Ingrid quedó fascinada de manera instantánea por la manera ingeniosa en que esas cartulinas eran diseñadas y por la belleza que éstas irradiaban. Estudió la obra de su creador durante algunos años y luego empezó a diseñarlos ella misma. Afirma que el crear estas cartulinas le ha proporcionado sus medios personales de expresión.
'Reflection on Sagrada Familia' image © Ingrid Siliakus - Foto: www.designboom.com
'Reflection on Sagrada Familia' image © Ingrid Siliakus - Foto: http://www.designboom.com

La arquitectura de papel de Ingrid Siliakus

 Historia de 

Pueden pasar semanas, incluso meses, desde que Ingrid Siliakus esboza en sueños una ciudad, imposibles fantasías oníricas de papel y tijera, hasta que consigue que se alcen sobre el plano. en se mismo mundo de fantasía, la artista holandesa sería, sin duda, la hija que Escher siempre quiso tener.

Siliakus descubrió, en los inicios de la década de los ochenta, que la arquitectura se construye en unas ocasiones con hormigón y acero, en otras con ladrillo y en otras con madera. O también con papel, sólo por el placer de ver como surge del pliego, sin la pretensión de que nadie la habite salvo en deseos y anhelos. Se topó con el trabajo del arquitecto Masahiro Chatani y vio señalado el camino que tenía que seguir.

Ingrid Siliakus: Paper Architecture

Working with paper, Amsterdam-based artist Ingrid Siliakus creates miniature works of architecture with highly intricate details. the three-dimensional pieces incorporates the structural nature of a 90 degree angle to delineate, in a manner resembling pop-up books, a skyline, clusters of buildings, network of stairs, and more. the effect is often dizzying and evoke the aesthetic of M.C. Escher with its orthogonal read. delicate yet solid in its build, some of the paper sculptures are capable of collapsing down into a two-dimensional pack.

https://twitter.com/#!/arquitectonico/status/176360380174577665



Diseña un sitio como este con WordPress.com
Comenzar