(Del lat. ars, artis, y este calco del gr. τέχνη). amb. Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. DRAE.
Talk about seeing the light! Made up of over 55,000 colored LED lights, the Luminarie Cagna is a massive cathedral that will be on display at the second annual Festival of Lights in Ghent, Belgium. More than 200,000 visitors are expected to visit the town from January 26th to the 29th as the city is illuminated by dazzling light shows and other LED spectacles.
The eye-catching structure will be a stand out out in the town and is the work of Luminarie De Cagna, an Italian family business. During local festive occassions, the company would light up buildings with oil and carbide lamps, but most likely due to the high fire risk, this was soon switched to electric lights. Today, only LEDs are used for set pieces and they are joined together to make massive curtains of light that can be draped over buildings. This allows whole sections of the town to be lit up.
The LED Cathedral was designed with Romanesque and Renaissance architecture in mind and at its zenith, it stands an impressive 28m high. Unsurprisingly, the cathedral has already been drawing large crowds to Belfortstraat like moths to a flame. You also need not worry about the amount of energy being used, as despite being made from 55,000 LEDs, it only consumes 20Kwh of electricity. If you live in the region and are thinking of attending, then you’ll be happy to hear that the light festival’s theme is ‘Happiness’, which is not a coincidence since 2012 is the Maeterlinck Year in Ghent.
El revolucionario entramado artístico Guggenheim crecerá con el nuevo museo que se construirá en Helsinki, que aportará contenidos de diseño, arquitectura y tecnologías a colecciones basadas principalmente en la pintura y la escultura contemporáneas.
Museo Guggenheim Bilbao – Fachada norte, junto a la ría de Bilbao. Wikipedia
El magnate estadounidense Salomom R. Guggenheimcreó en 1937 la Fundación desde la que se ha impulsado una de las más ingentes tareas de coleccionismo, conservación e investigación del arte moderno y contemporáneo.
La red global de museos comenzó a tejerse en los años 70 y desde 1997 no ha parado de extenderse hasta llegar a los cuatro actualmente abiertos en Nueva York, Venecia, Bilbao y Berlín, si bien el alemán cerrará sus puertas a finales de este año. A ellos se suman los proyectados en Abu Dhabi(Emiratos Árabes) y el de Helsinki, al que hoy ha dado su visto bueno su hermano español.
Además, sus sedes -a excepción de la berlinesa y la italiana- son referencias arquitectónicas mundiales por sus diseños vanguardistas. Así ocurre con la de Nueva York, obra del prestigioso arquitecto Frank Lloyd Wright. Desde 1959 el edificio se considera uno de los hitos de la arquitectura del siglo XX. Su colección permanente es una de las más importantes en las diferentes vanguardias y corrientes pictóricas del pasado siglo.
La llegada del Guggenheim a Bilbao, con el diseño del canadiense Frank Gehry, cambió la fisonomía de la ciudad. Inaugurado en 2007, es considerado uno de los más sorprendentes edificios de la arquitectura contemporánea y alberga obras que van desde mediados del siglo XX hasta la actualidad.
La institución bilbaína está concentrada en la pintura y la escultura americana y europea de la posguerra. Su Fundación ha dado su consentimiento para el centro de Helsinki con la condición de que el español sea la primera sede en Europa en la que se ofrecerán las exposiciones temporales que organice el museo de Nueva York.
The new Guggenheim Abu Dhabi will be located in the Cultural District of Saadiyat Island
El de Venecia (Italia) se ubica en un palacio renacentista del Gran Canal veneciano y acoge la colección Peggy Guggenheim, sobrina del magnate. Fue uno de los primeros museos de Europa dedicado al arte moderno con obras representativas del cubismo, el surrealismo y el expresionismo abstracto.
En Berlín se encuentra el Deutsche Guggenheim, uno de los referentes del arte contemporáneo en la capital germana y considerado desde su fundación en 1997 como un ejemplo único de cooperación entre un banco y esta fundación estadounidense.
Pese a los 1,8 de visitantes que han pasado por las 57 muestras celebradas, la Fundación Guggenheim y el Deutsche Bank han decidido no renovar su acuerdo, que expirará a finales de este año, cuando se cerrará la sala de exposiciones.
No obstante, este emporio del arte contemporáneo contará en 2013 con un nuevo miembro, en Abu Dhabi (Emiratos Árabes). También con diseño de Frank Ghery, sus 30.000 metros cuadrados lo convertirán en el mayor de los existentes.
Estará enfocado al arte contemporáneo de Oriente Medio y, aunque por cuestiones climáticas el arquitecto ha renunciado a sus tradicionales coberturas de metal, mantendrá el juego de volúmenes que caracterizan su obra.
Y la última incorporación, por el momento, es la de Helsinki. En su puerto sur, en pleno centro urbano, se creará un museo de 12.000 metros cuadrados centrado en el diseño, la arquitectura y la tecnología, aunque al igual que el de Berlín no tendrá colección propia.
Bilbao, 1 mar (EFE).- La Fundación del Museo GuggenheimBilbao ha dado hoy su consentimiento a la construcción de un nuevo centro museístico de la marca Guggenheim en Helsinki, la capital de Finlandia, al considerar que este proyecto «no puede verse como una amenaza» para el museo bilbaíno.
El Museo Guggenheim Bilbao, obra del arquitecto americano Frank O. Gehry, constituye un magnífico ejemplo de la arquitectura más vanguardista del siglo XX. El edificio representa en sí un hito arquitectónico por su diseño innovador y conforma un seductor telón de fondo para la exhibición de arte contemporáneo.
FLORENCIA, ITALIA – Florence Institute of Design International (FIDI), una de las principales escuelas de diseño Internacional en Italia, dará a conocer un programa de maestría en el campo de diseño de muebles a comienzos de septiembre de 2012.
Diseñado para desarrollar conocimientos y destrezas relacionados con todos los aspectos de los muebles, el nuevo curso de un año enseñará a los estudiantes desde el diseño hasta el desarrollo de la producción de prototipos con una visión general de la historia de los muebles.
La maestría en diseño de muebles se basa en el éxito de la ya existente maestría en diseño de interiores, y es ideal para estudiantes graduados con un fuerte interés en el diseño italiano de muebles, diseño de interiores y diseño industrial. De acuerdo con el Arquitecto Marc DiDomenico, Director (del Máster) “ … el campo del diseño industrial es bastante amplio, este master permitirá a los estudiantes de diseño concentrarse en una sola área…»
El Instituto se basa en la rica historia del arte, la cultura y el diseño, para, al mismo tiempo, proporcionar a los estudiantes una experiencia de aprendizaje internacional única, en donde la metodología y plan de vida está diseñado para el conjunto amplio y diverso de estudiantes y centrado en la personalización de los estudios.
La Maestría en Diseño de Muebles será una mezcla de tareas y conferencias sobre diseño de muebles conceptual. Al igual que clases en profundidad sobre la historia del diseño moderno italiano que explica las innovaciones y conceptos que establece Florencia e Italia como líderes en el sector.
Adicionalmente al curso de diseño, los estudiantes harán modelos en computadora con avanzados programas para el diseño industrial, también (revisarán) historia del arte para dar un contexto más general en el pasado creativo de Italia.
Los profesores serán respetados arquitectos, todos ellos con distintas experiencias y estilos. «Nuestras teorías de diseño (de los profesores) van desde lo ‘funcionalista al radicalismo» dice DiDomenico. «Algunos profesores son profesionales que diseñan para el ‘mercado de masas’, de estar en casa o proyectos de contratación.
En el lado opuesto de la esfera, la ciudad de Florencia, en 1960 y los años 70, estaba centrado el movimiento posmoderno que ha cambiado el diseño de muebles, en todo el mundo. Hoy Florencia «pasado radical» tiene una presencia real en la ciudad y también en la escuela.
Hay un Radicalista importante de Italia, que enseña el diseño de muebles para uno de los masters. Sólo el semestre pasado tuvimos una conferencia y como invitado uno de los fundadores de Superstudio. Este año estará patrocinando una exposición y también la organización de un taller de diseño en este tema”
Florence Institute of International Design es una escuela internacional de arte y diseño en Florencia, Italia. El Instituto está situado en el centro histórico de Florencia, Italia dentro de un palacio histórico de estilo barroco. Ofrece cursos en Arquitectura, Diseño de Interiores, Diseño Gráfico y Diseño de Muebles.
La escuela florentina fusiona los conceptos tradicionales y modernos en el arte, y asume la cultura artística italiana, además de muchas otras influencias para promover una comprensión progresiva y contemporánea del proceso creativo de diseño.
Para más información sobre el Instituto Florence de Diseño Internacional, por favor visita www.florence-institute.com.
Contacto: Marc DiDomenico Florence Institute of Design International
Florencia, Italia
Correo Electrónico: registrar@florence-institute.com
La directora de la galería londinense, Julia Peyton-Jones, consideró este nuevo proyecto entre Herzog & de Meuron y Weiwei como «tremendamente emocionante» y resaltó que supone además «un vínculo de los dos Juegos Olímpicos, el eje Pekín-Londres».
Peyton-Jones, en declaraciones al diario británico «The Guardian», afirmó que el trabajo de los tres artistas supone una continuación de una conversación entre ellos que comenzó en Pekín y que culminará en el diseño del pabellón de la Serpentine, que cada año corre a cargo de un artista diferente.
Así será el pabellón
El pabellón, que estará concluido el próximo junio, será el más bajo que se diseña hasta la fecha para la Serpentine, con un techo de tan solo 1,5 metros de alto, lo que no dificultará el paso de los visitantes pues sus artífices han planeado cavar bajo el suelo.
Esa estructura contará con doce columnas, once en representación de los anteriores pabellones y una representando al actual, con un techo habilitado para recoger la lluvia y reflejar el cielo, y preparado para secarse y ser utilizado en eventos especiales «como pista de baile o plataforma suspendida sobre el parque», explicaron los arquitectos y el disidente chino.
Sus autores señalaron en un comunicado que el pabellón será «el lugar perfecto para sentarse, quedarse de pie, tumbarse o asombrarse» y formará parte de los eventos que organizará Londres este verano con motivo de los Juegos Olímpicos de 2012, que empezarán el 27 de julio.
The Serpentine Gallery is proud to announce that Herzog & de Meuron and Ai Weiwei will create the 2012 Serpentine Gallery Pavilion. It will be the twelfth commission in the Gallery’s annual series, the world’s first and most ambitious architectural programme of its kind.
The design team responsible for the celebrated Beijing National Stadium, which was built for the 2008 Olympic Games and won the prestigious RIBA Lubetkin Prize, will come together again in London in 2012 in a special development of the Serpentine’s acclaimed annual commission. Open from June to October 2012, the Pavilion will be presented as part of the London 2012 Festival, the culmination of the Cultural Olympiad. The Pavilion will be Herzog & de Meuron and Ai Weiwei’s first collaborative built structure in the UK.
Fotografías a gran escala del prestigioso autor danés Jussi Tiainen, componen esta exposición que comenzará en Comillas su itinerancia por la zona norte de España.
La Fundación cuenta para el desarrollo de esta iniciativa, con la colaboración del Instituto Iberoamericano de Finlandia en Madrid, Ölsen Projects y Mundanalruiido.
El acto de inauguración (tuvo lugar) en la Sala de Exposiciones del Seminario Mayor y contará con la presencia del propio autor así como el director del Instituto Iberoamericano en Finlandia, Martti Pärssinen, y el comisario de la muestra, Paulo Camblor, de Ölsen Projects, además del director general de la Fundación Comillas, Ignacio Gavira.
Tiainen (Helsinki, 1954), fotógrafo especializado en arquitectura, trabaja como freelance desde 1976. Su trabajo ha sido publicado en diversos libros y ha sido expuesto en Canadá, Estados Unidos, China, así como varios países europeos.
La Fundación Comillas suma una nueva muestra a su Seminario mayor: la cita con la obra del fotógrafo finlandés Jussi Tiainen. Fotografías y planos de proyectos arquitectónicos que respetan y realzan al usuario y su entorno. Son obras sostenibles que se adaptan a su entorno produciendo así una sensación de bienestar.
Este es el eje de la obra del fotógrafo finlandés Jussi Tiainen, que acercará a Comillas una muestra con imágenes de edificios públicos, «desde guarderías hasta un centro marinero, que representan la arquitectura finlandesa a escala humana».
La Fundación Comillas acoge una muestra del fotógrafo finlandés Jussi Tiainen.
Fotografías y planos de proyectos arquitectónicos que respetan y realzan al usuario y su entorno; obras sostenibles que se adaptan a su entorno produciendo así una sensación de bienestar.
Son el eje de la obra del fotógrafo finlandés Jussi Tiainen, que acercará a Comillas una muestra con imágenes de edificios públicos, desde guarderías hasta un centro marinero, que representan la arquitectura finlandesa a escala humana.
Precisamente ‘Arquitectura finlandesa a escala humana en Cantabria’ es el título de esta exposición que la Fundación Comillas acogerá entre el 27 de enero y el 27 de febrero.
Una muestra que forma parte de la de la gira de arte audiovisual finlandés por España que organiza y coordina el Instituto Iberoamericano de Finlandia (Madrid).
La cita de Comillas está organizada por este instituto junto a la Fundación, Ölsen Projects y Mundanalrüido-Gestión Cultural.
El 26 de enero de 2012 (hoy) tendrá lugar la inauguración de la gran exposición ‘Arquitectura española (1975‐2010) + 35 años construyendo en democracia» en la sala de exposiciones Zuazo de las Arquerías de los Nuevos Ministerios de Madrid.
Dicha muestra, organizada por el Ministerio de Fomento, y comisariada por los arquitectosAntonio Ruiz Barbarin y Héctor Barrio, ha sido patrocinada por Repsol y la fundación ACS, además de la participación de Iguzzini y Otis, y muestra las actitudes que han determinado los últimos 35 años de democracia en la arquitectura española.
Arquería de Nuevos Ministerios, Madrid
Esta gran muestra antológica recoge, con intensidad, lo mejor de la arquitectura española realizado desde 1975 hasta nuestros días, abarca 230 proyectos que han transformado el panorama arquitectónico de nuestro país, realizados por ciento treinta equipos de arquitectos, de los que se exponen sesenta maquetas.
Madrid, (EFE).- La sala de exposiciones del Ministerio de Fomento, La Arquería, acogerá desde mañana jueves y hasta el próximo 7 de mayo la exposición ‘Arquitectura española (1975-2010) + 35 años construyendo democracia‘.
Organizada por el Ministerio de Fomento, comisariada por los arquitectos Antonio Ruiz Barbarin y Héctor Barrio y patrocinada por Repsol y la fundación ACS, además de contar con la participación de Iguzzini y Otis, la muestra recoge lo mejor de la arquitectura española desde 1975 hasta 2010.
Abarca más de 200 proyectos que han transformado el panorama arquitectónico de nuestro país realizados por 130 equipos de arquitectos, de los que se exponen sesenta maquetas, ha informado hoy en un comunicado el Ministerio de Fomento.
El programa comenzará a las 10 horas, con una sesión sobre la figura humana para los estudiantes de la asignatura Análisis de Formas, que tiene lugar todos los jueves con formato de taller. La materia se inicia con una exposición teórica de un tema concreto, y durante el día, los estudiantes dibujan en los espacios de la Escuela el trabajo que entregarán al finalizar el horario. Este día, la impartirá de forma extraordinaria el artista.
A continuación, a las 11 horas, los alumnos de la Escuela de Arquitectura dibujarán en los talleres y en los pasillos del edificio, mientras Antonio López recorre las instalaciones e intercambia impresiones con ellos.
En la jornada académica estarán presentes personalidades del mundo de la cultura, como los arquitectos y dibujantes Fernando Redón y Luis Berges, y representantes de museos navarros del ámbito artístico.
El portal romanicodigital.com permitirá al usuario acceder a los más de 9.000 monumentos y 330.000 fotografías del patrimonio románico de la Península Ibérica.
La Fundación Santa María la Real, bajo la dirección de su presidente, el arquitecto y dibujante José María ‘Peridis‘, ha puesto en marcha el portal www.romanicodigital.com que permitirá al usuario acceder a los más de 9.000 monumentos y 330.000 fotografías del patrimonio románico de la Península Ibérica.
En la actualidad el portal cuenta ya con 60.000 fotografías digitalizadas, documentación histórica, planos y mapas de geolocalización de 4.000 edificios y testimonios románicos repartidos por Castilla y León, Navarra, Asturias, Cantabria, La Rioja y Madrid.
La web ofrece la posibilidad de realizar diferentes tipos de búsquedas, que permiten la localización rápida de los documentos. Así el usuario tendrá acceso a datos sobre la historia o las características arquitectónicas de los distintos testimonios románicos, así como mapas de geolocalización con las coordenadas exactas e imágenes. Igualmente, podrá acceder a una parte de los textos elaborados por historiadores y especialistas en el románico.
El Disseny Hub (Dhub) de la plaza de las Glòries de Barcelona se estrenará previsiblemente en mayo acogiendo el festival OFFF, de tendencias en creación artística y nuevas tecnologías, que está previsto para el 17, 18 y 19 de ese mes, según ha anunciado el quinto teniente de alcalde de Barcelona, Jaume Ciurana, durante la comisión municipal de Cultura, y según recoge la página web del festival.
Ciurana ha explicado que la empresa municipal Bimsa prevé entregar la obra en mayo, lo que permitirá celebrar el festival, y después se empezará la arquitectura interior y a trasladar las colecciones de textil, artes gráficas, artes decorativas y cerámica con la idea de que el Dhub entre en funcionamiento en 2013.
La cerámica había quedado durante algún tiempo excluida del Dhub, pero ahora se recupera, y Ciurana tampoco descarta incluir una parte de arquitectura. Asimismo ha añadido que pretende que en la toma de decisiones sobre el equipamiento tengan cabida instituciones de la ciudad vinculadas al mundo del diseño, como el FAD y el BCD.
Ciurana cree que «toda la ciudad debe hacer una reflexión» sobre el hecho de que mantener el centro costará entre 10 y 12 millones de euros anuales, cifra que en opinión de Jordi Martí (PSC) es la común para un gran equipamiento cultural, pero no a juicio de Àngels Esteller (PP), quien también ha recordado que el coste ha aumentado y ya se sitúa en 98 millones.
Barcelona, (EFE).- El controvertido edificio del Disseny Hub Barcelona (DHUB), en la plaza de Glories de Barcelona, se inaugurará en junio de 2012 con la decimosegunda edición el Festival de cultura digital OFFF, según ha anunciado hoy el teniente de alcalde de Cultura Jaume Ciurana en comisión plenaria.
Ciurana ha asegurado que las obras estarán acabadas en junio, como estaba previsto, y que una vez acabado el Festival OFFF se abordará la arquitectura interior del centro, la distribución de espacios y el traslado de las colecciones para que la nueva sede del DHUB empiece a funcionar como tal en 2013.
El DHUB integra un museo, un centro y un laboratorio destinado a promover la comprensión y el buen uso del mundo del diseño.
El nuevo edificio está pensado para acoger las colecciones relacionadas con el diseño del Ayuntamiento de Barcelona, ofrecer un espacio para formación y para que las empresas del mundo del diseño encuentren vías para desarrollarse y para favorecer la innovación.
Miami (EEUU), (EFE).- La original arquitectura que alberga el distrito Art Decó de Miami Beach, una ciudad que ofrece mucho más que sol y playa, protagoniza este fin de semana el Art Deco Weekend, que celebra su 35 aniversario con exposiciones, cine, música en vivo, conferencias y visitas guiadas.
Miami Beach reivindica el espíritu art decó vivo en su arquitectura. Foto: EPA / Google News / EFE
La estética del art decó ha devenido casi en objeto de culto en esta ciudad que ha sabido preservar con celo y acierto más de un millar de edificios en un distrito convertido hoy en un museo vivo y vibrante, revitalizado.
Responsable principal de estos logros es la Asociación para la Preservación del Diseño de Miami (MDPL, por su sigla en inglés), fundada en 1976 y considerada la más antigua sociedad especializada en art decó del mundo.
La labor desarrollada por la MDPL, que organiza desde hace 35 años la cita Art Deco Weekend, resulta «central para la revitalización y mejora de nuestra gran ciudad», aseguró a Efe Amanda Bush, directora de mercadotecnia de esta organización sin fines de lucro.
Bush destacó la importancia de preservar estos «edificios históricos» que han transformado a Miami Beach no sólo en un lugar «verdaderamente único», sino en un destino que atrae a «gente de todas partes del mundo».
La icónica y bulliciosa calle de Ocean Drive, en primera línea de playa, es desde hoy el epicentro de esta multitudinaria fiesta que reivindica el valor cultural del distrito con una exposición de muebles estilo art decó, un desfile de moda, conferencias y otras actividades al aire libre.
También se proyectarán clásicos del cine negro relacionados con la ciudad, como «Slattery’s Hurricane» (1947), «Al Capone» (1959), con Rod Steiger en el papel de «scarface» Al Capone; «Lady in Cement» (1968) y «Lenny» (1974), que incluye escenas rodadas en el club nocturno Bora Bora.
Esta celebración remite a los particulares criterios estéticos del art decó de Miami Beach, que utiliza la «imaginería local para crear lo que ahora denominamos tropical decó», comentó a Efe Mark Osterman, director de programas educativos del museo The Wolfsonian y la Universidad Internacional de Miami (FIU).
El barrio Art Deco de Miami, ubicado en el sur de Miami Beach, está considerado una joya histórica de los Estados Unidos por ser el único del país y el mayor del mundo. Desde los años 70, un grupo de artistas y residentes lucha por la supervivencia arquitectónica de este distrito, uno de los rincones más divertidos del planeta, sinónimo de sol, sexo y silicona.
Lo llaman el paraíso de la nieve y el hielo. Una ciudad que nos recuerda a una película de Disney y que te trasporta a un mundo de magia y fantasía. Esto sucede cada año en Harbin, China. Son estatuas, palacios y monumentos construidos a base de bloques de hielo y cañones de nieve. (ATLAS)
Harbin, capital de la provincia de Heilongjiang, en el noreste de China, es una ciudad fría con una rica influencia rusa que lo impregna prácticamente todo, desde la arquitectura hasta la restauración. spanish.china.org.cn
(SPANISH.CHINA.ORG.CN) – Estos son los 10 mejores destinos turísticos para visitar en China en 2012. Aunque la sugerencia, ordenada de norte a sur, no contempla el hábitat de los pandas, sí incluye el de los tigres, camellos y yaks.
Harbin, capital de la provincia de Heilongjiang, en el noreste de China, es una ciudad fría con una rica influencia rusa que lo impregna prácticamente todo, desde la arquitectura hasta la restauración. En el gélido invierno de la región, la temperatura media es de 16 grados bajo cero.
Como sede del Festival Internacional del Hielo y la Nieve, uno de los mayores de su tipo en el mundo, la ciudad es decorada cada año con una gran cantidad de esculturas de hielo durante todo el invierno, que dura de diciembre a mediados de febrero.
Para los que no tienen el valor de exponerse a este auténtico invierno, “La ciudad de hielo” es también un destino atractivo en agosto, cuando se celebra su famoso Festival de la Cerveza, una fiesta multitudinaria que tiene lugar en la plaza de la ciudad, donde se puede disfrutar de mucha música y, por supuesto, mucha cerveza.
El prestigioso arquitecto ha presentado el proyecto definitivo, con un coste global de 77 millones que incluyen el soterramiento del tráfico y la ubicación de su obra en el muelle de La Albareda.
P. Chato T. Cobo / SANTANDER
Emilio Botín y Renzo Piano junto a una maqueta del Centro de Arte Botín en la sede de la Fundación. Foto: Fundación Botín
La construcción se desplaza unos cien metros hacia la Estación Marítima, de manera que la famosa Grúa de Piedra santanderina se mantiene en su actual ubicación. El arquitecto ha asumido algunas de las ideas de los santanderinos, lo que, según subrayó, «no es una debilidad, es una fortaleza». Además de con el Banco Santander, el edificio formará eje con el Mercado del Este. El Centro Botín «volará» sobre la Bahía y la luz del mar reverberará sobre las «más de 300.000 piezas de cerámica de la piel que cubrirá la fachada».
Piano explica que su obra «volará» sobre la bahía tendrá una ‘piel’ de cerámica y un coste global de 77 millones que incluyen el soterramiento del tráfico
El Centro de Arte que la Fundación Botín proyecta para Santander permitirá ampliar los Jardines de Pereda en cerca de dos hectáreas, lo que supondrá una oportunidad única para la capital cántabra.
Ubicación y contexto urbano, Centro de Arte Botín, Santander – Renzo Piano Building Workshop (Imagen Cortesía Fundación Botín)
Así lo explicó hoy el director general de la institución, Íñigo Sáenz de Miera, en un encuentro con los medios de comunicación. El director, que disculpó al presidente de la Fundación, Emilio Botín, ofreció una rueda de prensa acompañado por el autor del proyecto, el arquitecto Renzo Piano, quien dijo que para una persona de su profesión “es muy importante hacer edificios que la gente quiera”.
Tras una reflexión y un periodo en el que Renzo ha sabido escuchar y conocer a esta ciudad y a sus habitantes – apuntó Sáenz de Miera – el proyecto ha evolucionado hasta desplazarse de la ubicación presentada el 16 de septiembre en 100 metros. Se plantea ahora en línea con el centro del Mercado del Este e incluye soterrar el tráfico, ganando para los Jardines de Pereda un total de 19.000 metros cuadrados que permitirán su unión con el mar, en una integración Puerto-Ciudad.
Santander, (EFE).- La Fundación Marcelino Botín expondrá durante un mes planos y maquetas del futuro Centro de Arte Botín que reflejan la evolución del proyecto para que los cántabros lo conozcan y, desde el conocimiento, lo amen, se sientan orgullosos de él y lo acaben «adoptando».
El horario diario de apertura será de 10 a 20 horas, ininterrumpidamente, salvo los días 24, 25 y 31 de diciembre y 1, 5 y 6 de enero, que será sólo por la mañana, de 10 a 15 horas.
Planos, alzados, maquetas, fotografías, bocetos del antes y el ahora del Centro de Arte que la Fundación Botín proyecta para Santander pueden verse en la sede de la institución, en la calle Pedrueca de la capital cántabra, desde el viernes 23 hasta el domingo 22 de enero.
Maqueta del Proyecto actualizado – Renzo Piano Building Workshop (Imagen Cortesía Fundación Botín)
Tres libros sobre la obra de Renzo Piano que puedes comprar en Amazon.es:
Arquitectonico 
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