«… (Del lat. musēum, y este del gr. μουσεῖον).
1. m. Lugar en que se guardan colecciones de objetos artísticos, científicos o de otro tipo, y en general de valor cultural, convenientemente colocados para que sean examinados.
2. m. Institución, sin fines de lucro, abierta al público, cuya finalidad consiste en la adquisición, conservación, estudio y exposición de los objetos que mejor ilustran las actividades del hombre, o culturalmente importantes para el desarrollo de los conocimientos humanos.
3. m. Lugar donde se exhiben objetos o curiosidades que pueden atraer el interés del público, con fines turísticos.
4. m. Edificio o lugar destinado al estudio de las ciencias, letras humanas y artes liberales. …» (Fuente: Diccionario de la Real Academia Española)
PULLMAN, Wash. – The new Museum of Art/WSU exhibit «Art for Architecture” seems larger than life. And the patrons assembled for the opening reception Thursday, Sept. 29, could be described that way too.
Jim Olson FAIA
The retrospective of architect Jim Olson’s career drew artists, architects and art collectors from Seattle and New York City. The show is an example of how Chris Bruce, director of the museum at Washington State University, is using his connections in the art world to debut top-flight exhibits in Pullman.
The exhibit also shows how art connects with other aspects of higher education at WSU, said eminent Northwest architect Olson. He said his work brings together the disciplines of landscape architecture, interior design, architecture and art.
The art/architecture connection has been appreciated by his art collector clients, some of whom were at the reception.
Jeff Brotman, co-founder and chairman of the board of Costco, called Olson«a genius.”
Olson remodeled the Brotman’s 1950s Lake Washington home three times before it was torn down to make room for their new Olson – designed home. It boasts 22-foot ceilings and natural lighting to showcase the art they have collected for more than 30 years.
Olson made trips to Pullman to consult with Bruce during the nine months the exhibit was in the works. Owners of Olson-designed homes contributed some of their art for the show.
September 30-December 10, 2011 Reception: Thursday, September 29, 6 pm, Lecture: 7 pm in CUB Auditorium
The Museum of Art/WSU is proud to present a career overview of one of the Northwest’s most significant architects, Jim Olson.
Olson has long been inspired by the relationship of architecture, art and nature. A primary focus of his work is creating residences for major art collectors. The interplay between interior space for display and exterior view is a signature element in Olson’s design approach. A graduate of the University of Washington department of Architecture, Jim established his own firm in Seattle in 1966 and the office has since grown into a diverse practice with an international reputation, now known as Olson Kundig Architects. Jim was the recipient of the 2007 Seattle American Institute of Architects Medal of Honor, and the firm won the National AIA Firm of the Year Award in 2009. Along with Olson’s numerous built designs for major art collectors around the world, is the recently opened “Lightcatcher Building” for the Whatcom Museum in Bellingham, Washington.
El arquitecto reconoce que esta obra tuvo un gran peso en el desarrollo de su pretigiosa trayectoria. En este tiempo se ha convertido en un referente a nivel internacional que recibe 200.000 visitas al año.
DANIEL BARRASA
Un día como ayer, un 19 de septiembre del año 1986, se inauguraba la nueva sede del Museo Nacional de Arte Romano de Mérida. Era un día caluroso en el que estuvieron presentes SS. MM. los Reyes, el presidente de la República de Italia, y el entonces ministro de Cultura, Javier Solana.
Aquel día daba comienzo la andadura de un edificio que supuso un impulso al estudio y la difusión del legado romano que escondía y esconde la antigua Augusta Emerita. Pero también supuso un hito para la forma en la que en España se presentaba el patrimonio cultural al ciudadano.
Han pasado 25 años desde aquel día en el que por primera vez se abrían las puertas de un edificio diseñado por ya entonces un reconocido arquitecto español, Rafael Moneo: una obra que a nivel personal también supuso un impulso a la que ha sido y es un trayectoria plagada de éxitos y de reconocimientos en todo el mundo. No en vano, y tal y como señaló ayer, tuvo una influencia definitiva para su nombramiento, en 1985, como decano del Departamento de Arquitectura de la Universidad Harvard.
El arquitecto navarro afirma que el proyecto emeritense le permitió empezar a ser conocido fuera de nuestro país
Rafael Moneo Vallés Arquitecto
Pasear con Rafael Moneo (Tudela, 1937) por las salas delMuseo Nacional de Arte Romano de Mérida es como conseguir que un escritor narre en persona uno de sus libros, o que un pintor explique una de sus obrasXXV Día del Museo. Con paciencia, aguanta fotos y entrevistas antes del acto de celebración del , un acto en el que ayer se conmemoró el 25 aniversario de la construcción del edificio. Y habla con pasión y con las palabras precisas de la que considera una de las piezas más importantes de su dilatada carrera profesional, que se vio reconocida en 1996 con el Premio Pritzker, considerado el Nobel de la Arquitectura.
El Museo Nacional de Arte Romano de Mérida (España) (MNAR) fue inaugurado el 19 de septiembre de 1986 en su emplazamiento actual, obra del arquitecto Rafael Moneo. Se trata de un centro investigador y difusor de la cultura romana donde, además de acoger los hallazgos arqueológicos de la antigua ciudad romana Augusta Emerita, se celebran congresos, coloquios, conferencias, cursos, exposiciones y otras muchas actividades de ámbito nacional e internacional. Es uno de los edificios Patrimonio de la Humanidad de la Unesco, formando parte del «Conjunto Arqueológico de Mérida», en concreto con el código identificador 664-020.
El proyecto de revitalización de la zona prevé reurbanizar la plaza de la entrada principal. También se estudia peatonalizar la Ronda de Atocha.
ABC.es Entorno del Centro de Arte Reina Sofía
CARLOS HIDALGO / MADRID
El Museo Reina Sofía tiene vocación de diálogo con la ciudad y con quienes la habitan y la contemplan. Y ese es el espíritu del proyecto que el Ayuntamiento de Madrid se plantea para el entorno de este Centro de Arte, uno de los más importantes del mundo.
La idea es «sacarlo» de la isla urbana en la que se encuentra sin moverlo de su sitio, mediante dos actuaciones principales: la reforma y embellecimiento de la plaza de Sánchez Bustillo, donde está su acceso principal, y la peatonalización de la ronda de Atocha, para que el edificio de su ampliación, el Nouvel, quede totalmente abierto a la ciudad.
El Consistorio ya perfiló una actuación sobre esta zona en el plan del Eje Prado – Recoletos. Ahora, la reforma sería más profunda, sin renunciar a las líneas básicas iniciales, pero ahondando en la idea de que el Reina Sofía se articule «como una pequeña ciudad».
El primer escollo que hay que solventar es la plaza de Sánchez Bustillo, un espacio desprovisto de encanto y que «encierra» al museo tras la calle y la glorieta de Atocha. Los dos elementos fundamentales que someten a un pulso estético al Reina Sofía son las enormes y feas torres del aparcamiento subterráneo de la plaza.
Se levantan ante los ascensores exteriores del edificio del museo, dos de sus señas arquitectónicas de identidad, como queriendo competir con ellos. La eliminación de estas elevaciones de color ocre y aspecto «oxidado» se hace, por lo tanto, imprescindible.
Luego están los accesos al «parking», desde la calle de Atocha. Uno de ellos desaparecerá. Esto ayudará, además, a eliminar los distintos desniveles con los que cuenta la superficie de la plaza, que inciden en su asimetría y la hacen menos agradable para el peatón.
Sólo habrá un desnivel mínimo, según la idea planteada por el Ayuntamiento al Reina Sofía. En ese ímpetu de «reblandecer» la plaza y hacerla más agradable al paseante pero también al entorno museístico, se plantará una hilera de árboles que dé un respiro natural.
La accesibilidad es una de las obsesiones del proyecto. La escalera actual quedará ampliada y por lo tanto menos abrupta, lo que redundará en la comodidad de los visitantes al allanar la entrada al edificio principal. Para completar esta apertura a la concurrida glorieta de Atocha, será fundamental eliminar buena parte del mobiliario urbano. Este acercamiento físico a la gente ya ha dado su primer paso, pequeño pero significativo, con la puesta en marcha, este verano, de una terraza a los pies de la fachada que da a la glorieta.
El otro flanco de actuación de este ambicioso proyecto afectará al eje circulatorio suroeste. Es la parte que quedó esbozada en la reforma del Eje Prado – Recoletos junto a la de la plaza de las Cortes. La idea primera era haberla acometido en 2009, pero los obstáculos del proyecto han terminado paralizando también esta parte de la renovación. Aunque su puesta en marcha quiere hacerse en este mandato, habida cuenta de que supone un menor volumen de trabajo (y menos dinero) y que no tiene afectación ambiental, como el polémico tramo del paseo del Prado a su paso por el Museo Thyssen.
Beatriz Corredor presenta hoy el proyecto del Museo Nacional de Arquitectura de Salamanca -MasSalamanca.es
La secretaria de Estado de Vivienda, Beatriz Corredor, presenta en Salamanca un proyecto que modernizará el edificio del antiguo Banco de España para que en el año 2014 pueda ser visitado por salmantinos y turistas. El presupuesto supera los 12,8 millones de euros, manteniendo las fachadas y cámaras acorazadas, pero con nuevos accesos y espacios más luminosos
Ya hay fecha para el inicio de las obras del Museo Nacional de Arquitectura en el antiguo edificio del Banco de España. Será a finales de este año cuando comiencen los trabajos de un proyecto con un presupuesto superior a los 12,8 millones de euros, manteniendo las fachadas y cámaras acorazadas, pero con nuevos accesos y espacios más luminosos, según ha anunciado este martes la secretaria de Estado de Vivienda (ex ministra del ramo antes de la remodelación del Gobierno), Beatriz Corredor, durante una visita a Salamanca.
En su intervención Corredor ha estado acompañada por el delegado del Gobierno en Castilla y León, Miguel Alaejo Vicente y los arquitectos autores de dicho proyecto, Gonzalo Martínez y Diego José Daza, deNomasdoce Arquitectos que han destacado sobre este proyecto que “es un orgullo trabajar por y para la arquitectura de una ciudad como Salamanca, una ciudad emblemática con un su centro histórico. Es un emplazamiento idóneo para acoger y disfrutar de un Museo Nacional de estas características”, ha afirmado Gonzalo Martínez.
Las otras dos sedes del museo se ubicarán en Barcelona para Urbanismo y Madrid donde se instalará el centro de Documentación y Coordinación. Para Corredor, la sede en Salamanca ha sido “más complicada por la propia naturaleza de la ciudad, teniendo en cuenta la Comisión de Patrimonio”. Además ha subrayado que esta instalación “consolidará la ciudad de Salamanca como referente cultural y potenciará su atractivo turístico sino que con las obras contribuimos a la recuperación de la actividad y el empleo en el sector de la construcción”. De esta forma, por cada millón de euros invertido en rehabilitación se generan 56 puestos de trabajo entre directos, indirectos e inducidos.
Los ganadores del concurso, premiado con 30000 euros y el encargo del proyecto EN FUNDA de Diego José Daza Pisonero y Gonzalo Martínez Márquez. ARQtipo.com
LEVANTE-EMV VALENCIA
El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) acogerá del 17 de noviembre al 8 de enero una exposición en torno a la arquitecta angloiraquí Zaha Hadid. Se trata de la primera mujer ganadora del galardón más importante que existe sobre arquitectura contemporánea, el premio Pritzker.
La muestra que expondrá el IVAM es la primera que reúne arquitectura, pintura y diseño de la arquitecta en España. Se muestra su trabajo, inicialmente enraizado en el concepto de arquitecturas deconstruídas, que representa una de las tendencias más atractivas y originales de la arquitectura internacional. Zaha Hadiddestaca por intervenciones arquitectónicas como la Estación de Bomberos Vitra (1993) en Alemania; el Centro de Arte Contemporáneo Rosenthal (1998) en Ohio; Hoenheim-North Terminus & Parqueo (2001) en Francia; Plataforma de saltos de esquí Bergisel (2002) en Austria; entre muchos otros.
En España ha realizado el Plan General de Zorrozaurre (2006), en Bilbao y el Pabellón Puente de la Exposición Internacional Zaragoza 2008 (2008) en Zaragoza. Y en Valencia presentó un proyecto para el Parque Central, con el que quedó finalista, pero no fue el finalmente seleccionado.
Es una artista poseedora de la Orden del Imperio Británico y forma parte de las colecciones permanentes de museos como el MOMA de Nueva York.
El diario regional «Il Mattino» ha explicado que la primera alarma llegó de los obreros: «Aquí suceden cosas extrañas». Lo que era una intuición de algunos trabajadores, luego derivó en inexplicables sucesos: muchos objetos fueron cambiados de sitio y varios cubos se llenaron misteriosamente, informa «Il Mattino«.
A raíz de estos hechos, Oreste Alberano, el arquitecto encargado de las obras en el museo que dice no creer en fantasmas, se presentó personalmente en el centro a petición de algunos de los trabajadores. Fue él quien protagonizó el siguiente episodio de la historia, al tomar una fotografía en el recinto en la que apareció la silueta de una niña, que no era hija de ningún trabajador.
Museo Archeologico Nazionale di Napoli
La versión oficial
La directora del Museo Arqueológico, Valeria Sampaolo, dijo que «más que fantasmas», lo que se espera en el centro expositivo son «turistas de carne y hueso». Sampaolo rechazó la fantasmagórica noticia aparecida en «Il Mattino«: «Es algo carente de cualquier fundamento, pura fantasía, haremos un comunicado oficial de desmentido, y nos gustaría que se hablase del museo por su actividad».
«Debo añadir que esa famosa foto circula desde hace más de un año y me la han enseñado hace poco: para mí no tiene ningún significado», dijo. Y zanjó: «Por otra parte, con las tecnologías hoy se puede hacer de todo».
ROMA. Los cazafantasmas llegarán en septiembre al Museo Arqueológico de Nápoles enviados por el Ministerio de Bienes Culturales de Italia para aclarar extraños sucesos que se suceden en ese centro.
Los obreros que trabajaban en el lugar aseguraron que algunos objetos cambiaban de sitio misteriosamente. Luego, uno de ellos tomó una fotografía donde aparece la silueta de una niña.
Risponde dal suo ufficio di Roma; Oreste Albarano, architetto nominato dal ministero per i beni culturali come responsabile dei lavori al museo è frastornato da questa storia dei fantasmi.
Il palazzo che ospita l’attuale Museo fu iniziato nel 1586 come cavallerizza su commisione di Don Pedro Giron, duca di Ossuna e viceré di Napoli dal 1582 al 1586.
Nel 16 12 Don Pedro Fernando de Castro, conte di Lemos e viceré di Napoli dal 1610 al 1616, incaricò l’architetto Giulio Cesare Fontana di progettarvi la nuova sede dell’Università (o «Palazzo dei Regi Studi» o «Palazzo degli Studi Pubblici»).
Trasformato alla fine del XVIII secolo dall’architetto Pompeo Schiantarelli in «Real Museo» e «Palazzo dei Vecchi Studi», il nuovo Museo ospitava le collezioni archeologiche provenienti da Ercolano, Pompei e Stabia. Infatti, Ferdinando IV di Borbone, succeduto al padre Carlo III passato al trono di Spagna nel 1759, vi trasferì fra il 1806 e il 1834 la raccolta di Capodimonte (ex collezione Farnese) e le raccolte della Villa Reale di Portici, del cardinale StefanoBorgia e di Carolina Murat. Sempre nel 1806 moltissimi pezzi delle collezioni artistiche e archeologiche del Museo furono trasportati a Palermo, in Sicilia, dove i sovrani borbonici si trasferirono dopo gli eventi della rivoluzione Partenopea e l’insediamento di Gioacchino Murat a Napoli.
El artista británico causa sensación en el Museo de Arte Contemporáneo
Supera la asistencia que recibió una exposición de Andy Warhol
El artista propuso que los lunes se abrieran las puertas del museo gratis
‘No se debería pagar por mirar graffiti, sólo si quieres deshacerte de él’
Pablo Scarpellini | Los Ángeles
La rata que pintó el artista británico Banksy en una calle de Nueva York. lamula.pe
Es arte callejero conecta con el público de medio mundo y en Los Ángeles no fue distinto. La exposición de arte ‘graffitero’ del artista británico Banksy batió un nuevo récord en el Museo de Arte Contemporáneo (MOCA) de la ciudad del sur de California, con más de 200.000 personas como testigos de una muestra con mucha dosis de ironía y provocación.
Gran parte de ese poder de convocatoria se debió a la propia propuesta del artista de proclamar la entrada libre todos los lunes, lo que sumado a las dos semanas más en exposición que la muestra con el récord anterior —una retrospectiva sobre Andy Warhol— ayudó a batir la marca de asistencia.
Unas 2.500 personas diarias visitaron la exhibición durante los 81 días que estuvo en el MOCA, con más de 4.000 de media durante los lunes de puertas abiertas.
La exposición de arte ‘graffitero’ del artista británico Banksybatió un nuevo record en el Museo de Arte Contemporáneo (MOCA) de la ciudad del sur de California, con más de 200,000 mil personas como testigos de una nuevo muestra con mucha dosis de provocación e ironía, características innatas en el artista callejero.
Ya son alrededor de 160 los espacios que han confirmado su adhesión al Evento
por Redacción
Barcelona. Los próximos días 22 y 23 de octubre se celebrará en Barcelona el 48H Open House BCN (OHB_2011). Este evento de puertas abiertas a la arquitectura, con carácter divulgativo y completamente gratuito y que en su primera edición contó con la participación de más de 25.000 personas, repite experiencia.
Cuando todavía faltan más de dos meses para su celebración, ya son alrededor de 160 los espacios que han confirmado su adhesión al evento. Una cifra que frente a las 130 localizaciones abiertas en 2010 supone un notorio incremento, además de la consolidación de una iniciativa independiente que apuesta por la producción y ejecución de un actividad que acerca y difunde la excelencia de la buena arquitectura, el urbanismo y el bueno diseño de la ciudad tanto entre los barceloneses como a escala internacional.
Al espíritu generalista y la condición de gratuidad inherentes a la idiosincrasia de esta cita se suman criterios de rigor y de calidad presentes tanto en la oferta de edificios y espacios abiertos como en la implicación desinteresada de arquitectos, planificadores y usuarios.
Profesionales que comparten su obra y su experiencia con los visitantes para propiciar un “cara a cara”, un diálogo y un intercambio de opiniones. Una filosofía participativa y cívica que se refuerza con el considerable número de voluntarios, entidades colaboradoras y propietarios, tanto públicos como privados, que, además de mostrar el interés por la arquitectura y el entorno construido, confirman la vigencia del talante colaborativo que identifica a los barceloneses.
Ascender a la emblemática Torre de Collserola, del arquitecto Norman Foster; descubrir las recién estrenadas instalaciones de un centro de creación como la Central del Circo en el Forum, de Xavier Ruscalleda y Marta Lorenzoxxm_Arquitectur; trasladarse al siglo XVIII al adentrarse en las estancias del Palau Moxó, de Francesc Mestres, el único palacio privado de Barcelona que conserva su mobiliario e interiores originales; adentrarse en una de las viviendas del proyecto Casa Bloc, obra de Josep Lluís Sert, Joan Baptista Subirana y Josep Torres Clavé (GATCPAC), un grupo de 200 viviendas de tipología dúplex y de alquiler destinado originalmente a acoger a los obreros que vivían en barracas de condiciones precarias y hoy ‘musealizado’ como ejemplo de arquitectura moderna, o inscribirse para visitar el cementerio de Montjuich son algunas de las nuevas propuestas que 48H OHB 2011 incorpora como novedad a su programación.
Más de 170 imágenes, entre ellas planos originales.
Las aportaciones más significativas de Alejandro Zohn a la arquitectura fueron la utilización de los materiales en su estado natural y del concreto.
Cultura
Patio del Mercado Libertad, una de sus obras. Foto: Especial - Milenio online
La exposición Alejandro Zohn, que se inaugura este jueves en el Museo Nacional de Arquitectura del Palacio de Bellas Artes, es un homenaje póstumo al creador e innovador en la realización de espacios expresivos que marcaron la arquitectura moderna en Guadalajara.
Las aportaciones más significativas de Alejandro Zohn a la arquitectura fueron la utilización de los materiales en su estado natural y del concreto.
Su selló característico se puede apreciar en obras como el Mercado Libertad (1954), la Unidad Habitacioneal CTM de Atemajac (1977), y los Archivos del Estado de Jalisco (1991).
La muestra, que presenta en el Palacio de Mármol más de 170 imágenes entre ellas los planos originales y fotografías de sus obras, así como maquetas de algunos de sus proyectos, está acompañada por una cápsula bibliográfica.
Alejandro Zohn nació en Austria el 8 de agosto de 1930, pero debido al inicio de la Segunda Guerra Mundial, a la edad de 8 años se trasladó a México en compañía de su familia para radicar en la ciudad de Guadalajara, Jalisco donde estudió ingeniería civil.
Se graduó con la tesis profesional que tuvo como tema el proyecto del Nuevo Mercado Libertad en el Barrio de San Juan de Dios, aunque seducido por la llegada de Mathias Goeritz a México decidió estudiar arquitectura.
Arquitecto Alejandro Zohn Rosenthal (Viena, Austria, 8 de agosto de 1930 - Guadalajara, México, 2000) Foto: alejandrozohn.com
Alejandro Zohn Rosenthal, nació en Viena, Austria, en 1930.
CIUDAD DE MÉXICO .- En homenaje a un creador e innovador en la realización de espacios expresivos, quien es recordado por su comprometida labor docente, esta tarde se inauguró la exposición ‘Alejandro Zohn, su arquitectura‘, en el Museo Nacional de Arquitectura, del Palacio de Bellas Artes.
En un recorrido para prensa, Ramón Vargas Salguero, director de Arquitectura y Conservación del Patrimonio Artístico Inmueble delInstituto Nacional de Bellas Artes, mencionó que la muestra que incluye fotografías, planos, maquetas y libros, es un homenaje póstumo al arquitecto nacionalizado mexicano Alejandro Zohn (1930-2000).
‘Es un reconocimiento a uno de los arquitectos más destacados de Jalisco, cuya obra se encuentra en Guadalajara. Desde muy temprana edad dio muestra de un talento muy especial, pues recién terminó sus estudios de ingeniería, empezó la carrera de arquitectura, entonces tenia dos carreras’, explicó Vargas Salguero.
Agregó que al término de sus estudios de ingeniería, ganó un concurso importante para proyectar y construir el Nuevo Mercado Libertad, una de sus obras más significativas.
‘Es una obra muy interesante pues técnicamente muy avanzada y tenía tan solo 25 años de edad, y la obra se construye, se lleva a cabo y muy pronto suscitó muchos comentarios que se publicaron en revistas nacionales e internacionales, pero además fue declarada Monumento Artístico, publicado en el Diario Oficial de la Federación el 4 de abril de 2005′, dijo.
El director Ramón Vargas, dijo que Alejandro Zohn tuvo una formación con destacados maestros como Mathias Goeritz, recién llegado de Europa, quien provocó en Zohn el interés por estudiar arquitectura.
‘Fue un arquitecto muy destacado, que también se desarrolló en los campos de la reflexión, teórica e histórica y planteó muchas ideas en la arquitectura, que se plasma aquí en esta magna exposición’, aseguró Ramón Vargas Salguero.
Museo Soumaya, Mexico City - Designed by FREE Fernando Romero
El Museo Soumaya, de aspecto ondulante y líquido, es el nuevo ícono de la capital mexicana. Cómo se inserta en la obra de su autor, Fernando Romero.
Una mirada rápida por la producción del joven arquitecto mexicano Fernando Romero permite reconocer la versatilidad de sus propuestas. Así, mientras proyectos como la Villa S, en México, o la casa en Croacia, se presentan como investigaciones formales que prescinden de preexistencias tipológicas; otros, como la casa en Toluca, retoman desarrollos conocidos.
Propuestas como el Museo Soumaya –nuevo ícono del DF, de más de 40 metros de altura y casi 20.000 m2 construidos–, el Hito Hiperbólico de Beijing – antecedente morfológico del Soumaya – o el puente Moebius –proyectado para Eslovenia– se acercan a una visón orgánico-tecnológica y traducen en clave arquitectónica la complejidad del mundo del siglo XXI.
En tanto, ModuLar o Don Casa, la versión de Romero para la tipología de vivienda social, constituye un sistema racional, flexible y económico, orientado a lo que el propio Romero considera “el gran reto de hoy en día, la base de la pirámide , la gente de las favelas mexicanas que autoconstruye sus casas”. Porque, insiste, “es necesario ocuparse de lo humano, de la realidad social”.
Estructura. Se diseñó con herramientas digitales y está compuesta por 28 columnas tubulares de acero de diámetros y curvaturas diferentes.
Lo cierto es que, como él mismo señaló en la conferencia que ofreció en el Centro de Estudios de Arquitectura Contemporánea de la Universidad Torcuato Di Tella, en el conjunto de su obra es posible encontrar familias morfológicas , pero también diferencias importantes que indican caminos alternativos. La contradicción no existe: se trata, más bien, de una exploración abierta que enfatiza que no todo está dicho en su arquitectura y, a la vez, que todo lo dicho merece un nuevo lugar. Ese es uno de los principales objetivos de FREE, la oficina-plataforma que conduce desde 1998.
Sus inicios profesionales se remontan a 1997, cuando comenzó a trabajar en OMA, de Rem Koolhaas, según indica, “un visionario y uno de los personajes más completos de la historia de la arquitectura: en lo académico, lo teórico y también en lo operativo”. Había partido desde México hacia Europa con la intención –confiesa en una conversación mantenida con ARQ – de trabajar con Alvaro Siza Viera, pero terminó en París (“Una ciudad enriquecida por la calidad de su espacio público”), en el estudio deJean Nouvel, “una oficina que tiene una estructura cartesiana y unas jerarquías muy marcadas”.
La última vez que se exhibieron al público en este mismo museo fue en 1994, donde se mostró una selección de 41 grabados -14 menos que en esta ocasión- todos ellos de gran formato, a los que se añade el retrato que del propio Piranesi realizara su maestro Felice Polanzani, también perteneciente a los fondos del Museo.
Sensibilidad romántica
Ordenada en cinco secciones, que toman el nombre de sus series de grabados más importantes (Carceri d’invenzione, Le antichità romane, Descrizione e disegno dell’emisario del Lago Albano, Antichità d’Albano e di Castelgandolfo, y Vedute di Roma), la exposición permite conocer de manera cronológica la obra de Piranesi, uno de los mejores grabadores al aguafuerte de la historia.
De estas series, el principal atractivo es la serie Carceri d’invenzione, un conjunto de grabados en los que Piranesi crea unos inverosímiles espacios arquitectónicos formados por escaleras, bóvedas y arcos que se entrecruzan y se elevan hacia el infinito desafiando el orden lógico y creando vertiginosos abismos infernales.
Con estas lúgubres escenografías carcelarias, Piranesi despliega toda su imaginación como arquitecto no realizado y demuestra estar más cerca de una sensibilidad romántica que del Neoclasicismo en el que se formó. La primera edición de Las cárceles, compuesta por 14 láminas, se realizó en 1745 y quince años más tarde Piranesi decidió realizar una segunda más completa y elaborada que es la que posee el Museo de Bellas Artes de Valencia.
Fachada del nuevo Museo MAS en Amberes - Viajeros Blog
En la región belga de Flandes, Amberes es una ciudad de eminente carácter portuario que se ha impregnado de la cultura y costumbres de los distintos pobladores y comerciantes que, desde hace cinco siglos, llegaban a ella en barcos procedentes de diversos rincones del mundo. De su intercambio comercial y sus avatares históricos surgió la urbe multirracial, vanguardista y elegante de hoy día. Esto y más es lo que refleja su nuevo museo, el MAS.
Texto | Fotos: Patricia Osuna
Conocida hasta hoy por ser la ciudad donde residió Rubens, por el comercio de diamantes y las prestigiosas boutiques de moda, Amberes vuelve a ser el centro de atención gracias a un nuevo museo levantado a orillas del río Escalda. El MAS (acrónimo de Museum aan de stroom -museo junto al río-) es el lugar donde la ciudad y el puerto se encuentran (en sentido literal y figurado). Con sus 60 metros de altura, arquitectura rompedora y fachada de piedra traída de Rajastán, el «MAS es más», como dijo su director Carl Depauw en el acto de presentación haciendo un guiño al castellano. El que espera convertirse en el nuevo icono de Amberes (además de Rubens, la moda y los diamantes) pone el acento en la diversidad cultural de la ciudad, con colecciones que narran la historia de la ciudad, del puerto y del mundo. Estos son ocho motivos por los que no debe dejar de visitar el MAS:
1. Por su arquitectura
El MAS es un edificio de 60 metros de altura construido con inmensas moles de piedra arenisca roja traída de Agra (India) y cortinas de vidrio ondulado. La distribución de los espacios hace que el museo rote sobre sí mismo y, gracias a a las paredes de cristal, cada planta es un paseo vertical con vistas únicas. Como detalle, la fachada está decorada con miles de medallones y pequeñas manos de metal -estas últimas símbolo de Amberes-.
El MAS se encuentra en un edificio innovador y moderno - enlamaleta.es
Amberes
* La ciudad que cuenta con más nacionalidades que Nueva York
* La ciudad con el primer rascacielos en tierras europeas
* La ciudad con el segundo puerto más grande de Europa
* La ciudad en la que han tenido lugar 3 exposiciones mundiales y los Juegos Olímpicos de 1920
* La ciudad por la que circula el 85% de todos los diamantes del mundo
* La ciudad en la que nació el mercado internacional del arte
* La ciudad de Peter Paul Rubens y Dries Van Noten
* La ciudad de dEUS y de Luc Tuymans
El entorno
El MAS es el motor de una nueva zona de la ciudad en plena efervescencia. El Eilandje es un viejo barrio portuario que está experimentando un llamativo renacimiento: los habitantes se instalan y las empresas se establecen en él, y los turistas y jóvenes amberienses acuden a disfrutar del río y del ambiente de la zona.
El edificio
Un nuevo icono para la ciudad: el edificio del MAS, una perla arquitectónica diseñada por Neutelings Riedijk Architecten, mide 60 metros de altura.
Cada piso ofrece un sólido relato en un innovador diseño y presenta una impresionante vista de Amberes. El panorama desde la azotea es apoteósico: ciudad, puerto y río se divisan desde esta cima.
Una ruta de escaleras mecánicas conduce desde la planta principal hasta la terraza. Este paseo es gratuito.
La restauración
El MAS alberga 2 negocios de hostelería: el MAS café Storm en la planta baja, con vistas a la plaza y en el 9º piso, el restaurante ´t Zilte de Viki Geunes, que posee 2 estrellas Michelin.
Arquitectonico 
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