LEVANTE-EMV VALENCIA
El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) acogerá del 17 de noviembre al 8 de enero una exposición en torno a la arquitecta angloiraquí Zaha Hadid. Se trata de la primera mujer ganadora del galardón más importante que existe sobre arquitectura contemporánea, el premio Pritzker.
La muestra que expondrá el IVAM es la primera que reúne arquitectura, pintura y diseño de la arquitecta en España. Se muestra su trabajo, inicialmente enraizado en el concepto de arquitecturas deconstruídas, que representa una de las tendencias más atractivas y originales de la arquitectura internacional. Zaha Hadiddestaca por intervenciones arquitectónicas como la Estación de Bomberos Vitra (1993) en Alemania; el Centro de Arte Contemporáneo Rosenthal (1998) en Ohio; Hoenheim-North Terminus & Parqueo (2001) en Francia; Plataforma de saltos de esquí Bergisel (2002) en Austria; entre muchos otros.
En España ha realizado el Plan General de Zorrozaurre (2006), en Bilbao y el Pabellón Puente de la Exposición Internacional Zaragoza 2008 (2008) en Zaragoza. Y en Valencia presentó un proyecto para el Parque Central, con el que quedó finalista, pero no fue el finalmente seleccionado.
Es una artista poseedora de la Orden del Imperio Británico y forma parte de las colecciones permanentes de museos como el MOMA de Nueva York.
Dedicado al diseño, la arquitectura y la cultura contemporánea, el ExperimentaDesign bienal presenta actividades con una amplia selección de áreas incluido diseño ambiental, arquitectura, artes visual, cine, diseño gráfico, diseño industrial, fotografía, multimedia, música y vídeo.
A EXD’11 tem início a 28 de Setembro. Useless é o tema proposto, incentivando à discussão e reflexão sobre (pré)conceitos ligados à utilidade e sua ausência.
Experimenta is a knowledge production unit operating in design, architecture and design culture.
Experimenta’s field of action is contemporary cultural production, observed from an inclusive, multidisciplinary and transversal perspective. Experimenta’s activity combines critical thinking, concept development and creative up-to-dateness, resulting in a consistent and incisive intervention in the social, cultural and economic contexts it engages.
Based in Lisbon, the Portuguese capital, Experimenta has achieved international projection through the development of high-profile projects, as well as the partnerships and collaborations established with a network of institutions, agents and creative practitioners from all over the world.
EXD'11/LISBOA @exdbiennale
Strongly committed to innovation and open to new challenges and contributions, Experimenta is an enterprising work and discussion platform which views culture as a key element for sustained development in contemporary society.
En la Helsinki Design Week se dan cita cada año las estrellas del mundo del diseño, la arquitectura, y moda, y también personas aficionadas a descubrir las nuevas tendencias y a estar a la última. Esta edición de la Helsinki Design Week tendrá lugar en algunos lugares emblemáticos de la ciudad como el Old Customs Warehouse, un antiguo almacén de aduanas, ubicado en Katajanokka. En este lugar, que será el cuartel general de la Helsinki Design Week, tendrá lugar el 9 de septiembre la fiesta inaugural y acogerá la exposición “To Declare”, una de las más importantes de esta edición del certamen.
The Old Customs Warehouse (Helsinki, Finlandia)
Otros centros culturales que acogerán eventos relacionados con tal evento serán The Cable Factory, uno de los mayores centros culturales de Finlandia, y el Music Center. Así, el Mercado del Diseño tendrá lugar del 10 al 11 de septiembre en The Cable Factory, mientras que el Music Centrer acogerá el 17 de septiembre el Helsinki Design Week Live, un desfile que combina moda y música en el directo y en que actuará la cantante sueca Anna Järvinen entre otros artistas.
Del 9 al 18 de septiembre la capital finlandesa será el punto de encuentro internacional para los profesionales del sector y, en 2012, capital mundial del diseño. Parte de las actividades se concrentrarán en apartamentos de lujo en varias zonas de la ciudad.
This year, Helsinki Design Week 2011 has found a new venue, the Old Customs Warehouse in Katajanokka. The Old Customs Warehouse (in Finnish, Tulli ja Pakkahuone) was designed by Gustaf Nystrom in 1899. Its wooden floorboards and staircases and bare brick walls call up the feeling of another era, and the National Romantic architectural details of the windows and the towers show a valued part of Helsinki’s design history. The 900 square‐meter warehouse area on the ground floor has been opened up for exhibitions, seminars, parties, and other events.
The Old Customs Warehouse will be officially opened at the Opening Night of Helsinki Design Week on Thursday, 9 September 2011.
GUADALAJARA, JALISCO .- Es domingo y para los católicos hoy toca. Son las 11:00 de la mañana y el cielo apenas está despejado desde que la tormenta del sábado pasado hizo pensar en el pasaje bíblico del diluvio. Pero adentro del Instituto Cultural Cabañas (ICC), Dios está presente aunque todos puedan discutir lo contrario. Desde el 4 de agosto, en las salas del ala izquierda del recinto se alberga una muestra homenaje a quien es llamado “El arquitecto de Dios”. El nombre de la exposición lo dice todo: Fray Gabriel Chávez de la Mora: Mística y arte contemporáneo.
El primer título
Si se trata de ser estrictos hay que decir que fray Gabriel no era fraile, sino hasta ya entrada su juventud.
“El talento se lleva por dentro de la cabeza”, dice Gabriela Íñiguez, una señora que asegura conocer al fraile porque es “amigo de un cuñado”.
La historia cuenta que Chávez de la Mora empezó sus estudios de licenciatura con una gran carta de presentación: un proyecto de tamaño descomunal.
Fue el creador del Monumento a la Bandera dos años antes de cursar su primer semestre en la primera generación de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Guadalajara (UdeG). La historia en los muros, los mismos que ve Alejandra, de 12 años, quien acompañó a su papá a ver la exposición, dicen que fray Gabriel era un tipo con las características de un rostro de revista. Su título universitario, el primero en la historia de esa carrera, señala que a sus 25 años fray Gabriel tenía la piel blanca, su cuerpo se repartía en 175 centímetros de estatura, su pelo era castaño, los ojos cafés, la nariz recta, la boca regular, la barba poblada (eso dice el título, pero en la fotografía se le ve perfectamente rasurado).
Alejandra lo ve, lo vuelve a ver. Y una vez más lo ve. Después mira la imagen del fraile del siglo XXI, y dice “sí, pues sí se parece… Pero obvio ya no es el mismo”. Y claro que no lo es, su experiencia y trabajo le han dado el título de “El arquitecto de Dios”.
Guadalajara, Jalisco.- Mística y Arte Contemporáneo, es una exposición que reúne la vida y las obras más importantes de Fray Gabriel de la Mora desde su faceta como arquitecto y sus grandes construcciones hasta sus intervenciones, esculturas, dibujos y diseños, la cual fue inaugurada el día de ayer en el Instituto Cultural Cabañas en un evento organizado por la Secretaría de Cultura de Jalisco a través de la Dirección General de Patrimonio Cultural.
En el evento, encabezado por el secretario de Cultura de Jalisco, Alejandro Cravioto Lebrija y Fray Gabriel Chávez de la Mora, el titular de la dependencia estatal aseguró que el Gobierno de Jalisco tenía una deuda con Fray Gabriel Chávez, «un tapatío ilustre que ha iluminado con su obra, su talento y su genialidad», por lo cual dijo, se realizó esta exposición «de la manera más digna, más completa y amorosa, para su persona y su obra, porque sólo así podíamos agradecerle todo cuanto ha hecho por el arte sacro y la arquitectura».
Además, Cravioto Lebrija recordó que a través de sus creaciones Chávez de la Mora ha dejado una riqueza cultural, de la cual ahora la ciudad va a poder disfrutar a través de un par de esculturas «La Familia» y «La Paloma de la Paz» que próximamente estarán en algunas plazas de la ciudad.
MAQUETA. Cómo será el gigantesco barco. Clarín.com
Es un proyecto de Shell para crear una gigantesca nave gasista que se instalará en las costas de Australia. En la construcción trabajan unas 600 personas, pesará 600 mil toneladas y costará entre 5.500 y 10.400 millones de euros.
Once veces más grande que el Titanic. Con este título, varios portales del mundo “vendieron” la noticia del barco en construcción que se transformará en el más grande del mundo. Según el diario español El País, el navío será un coloso de 600 mil toneladas y 3.331 metros cuadrados, que dejará chico al mítico buque de pasajeros británico hundido en 1912 (de tan sólo 52 mil toneladas).
Sin nombre por el momento, el barco de la compañía petrolera Shell espera estar listo en 2012, aunque pasarán varios años para que la nave esté totalmente terminada. La nave no será construida para navegar, sino para aprovechar los recursos marinos que están a cientos de kilómetros de la costa.
Aún no fue bautizada y, por ahora, sólo recibe la denominación de FLNG (por las siglas en inglés correspondientes a gas natural licuado flotante). Según indicaron, en el proyecto trabajan más de 600 personas de todo el mundo y costará entre 5.500 y 10.400 millones de euros.
En las profundidades del mar existe gran cantidad de gas, pero es difícil conseguirlo a cientos de miles de kilómetros de la costa. “La manera tradicional de transportar gas en el mar es a través de gasoductos. Así se hace en el Mar del Norte, donde las plataformas están cerca de la costa”, explicó Neil Gilmur, el director del proyecto.
El FLNG es más grande que las Torres Petronas. NEOTEO
El concepto es práctico porque no se necesita una estructura fija ya que “cuando se te acaba el gas de esa reserva te llevas el barco hasta la siguiente”, aseguró el ministro australiano de Recursos y Medio Ambiente, Tony Burke. El funcionario elogió el proyecto por la reducción de emisiones que supone con respecto a otras estructuras.
Unas jornadas organizadas este fin de semana por los estudios Espacio Inquieto y Correo Viejo reflexionarán sobre la imagen a través de la fotografía, la arquitectura, el cine y el diseño. El fotógrafo Julián Barón, el arquitecto Ignacio Carbó, el profesor de Teoría del Arte en la Facultad de Bellas Artes de Valencia José Miguel G. Cortés y el diseñador Rafa Armero, serán los ponentes y los encargados de provocar conversación y debate entre los asistentes.
‘Encuentros. Imágenes en proceso‘ es una iniciativa de carácter lúdico que nace con la voluntad de provocar conversaciones entre profesionales de diferentes disciplinas. Este proyecto pretende ser un agitador de emociones, que a modo de experimento, busca aglutinar diferentes miradas en torno a un proceso creativo en torno a la imagen.
Las jornadas se desarrollarán el viernes y el sábado por la tarde en la Plaza del Correo Viejo 3 – 7 de Valencia. El precio por asistir al evento es de 40 euros, según han informado este jueves ambos estudios a Europa Press.
La ponencia de Ignacio Carbó, ‘Arquitecturas en Movimiento‘ se centra en la mirada y la experiencia «como herramientas con las descubrir las imágenes agazapadas en la arquitectura del movimiento», según ha comentado el propio arquitecto.
La charla del profesor José Miguel G. Cortés, ‘Medianoche en la ciudad‘, se acercará a la imagen cinematográfica intentando «encontrar, adivinar, de qué modo la noche es generadora de un nuevo imaginario urbano con sus códigos, sus experiencias y sus fronteras», ha explicado.
Julián Barón hablará en ‘Esto es una fotografía‘ sobre lo insuficientes que resultan las fotos que toma cada uno. «Todos los fotógrafos dependemos de las fotos de otros lenguajes visuales para desarrollar nuestra propia mirada. Debemos prepararnos para: disponer a crear imágenes. Vivimos una generación donde coexistimos buscando cada uno su camino con el mismo lenguaje, a través de la imagen», ha recalcado el fotógrafo y director de la escuela BlankPaper en Valencia y Castellón.
Por último, Rafa Armero se centrará en la ‘Realidad Invisible‘ desde el diseño y ahondará en los conceptos de «sujeto y subjetividad» y en el «enfoque de las emociones para mapear nuestra realidad, liberarnos de las etiquetas y gestionar la sensibilidad en el proceso creativo».
La presidenta del jurado y arquitecta, Benedetta Tagliabue, valoró muy positivamente el nivel de todos los proyectos presentados y aseveró que lo han tenido difícil a la hora de emitir un veredicto, porque «todos eran muy buenos, bien presentados y muy cuidados».
Dos viviendas en Lisboa, la reforma de la Fundación Tàpies, un parque de Figueres y una caravana, entre los galardonados
JOSÉ ÁNGEL MONTAÑÉS– Barcelona
La Plaza de San Mateo, situada en el recinto amurallado de Cáceres, está llena de edificios de interés histórico: la iglesia que da nombre a la plaza, las casas del Sol y del Águila, el convento de San Pablo, el palacio de los Cáceres Ovando con su torre habitada por cigüeñas y, desde hace medio año, el hotel restaurante Atrio, obra de Emilio Tuñón y Luis Mansilla, un edificio integrado en el entorno mediante su fachada original de mampostería que envuelve una intervención rompedora y atrevida. El edificio, un cinco estrellas de la cadena de lujo Relais & Chateaux, propiedad del exitoso dúo de restauradores Toño Pérez y José Polo (dos estrellas Michelín), ha obtenido el premio FAD de Arquitectura 2011, que otorga la entidad Fomento de las Artes y el Diseño (FAD) de Barcelona.
Los arquitectos Emilio Tuñón y Luis Mansilla han sido galardonados por la «reinterpretación» que han hecho de una casa en la ciudad de Cáceres, convertida en hotel y restaurante.
Los madrileños Emilio Tuñón y Luis Mansilla, por el hotel y restaurante » Atrio » de Cáceres, y el lisboeta Ricardo Bak Gordon, por su proyecto «Dos Casas em Santa Isabel», han ganado hoy ex aequo el premio FAD de Arquitectura 2011, al que este año han concurrido 282 obras.
Considerados los más prestigiosos del panorama ibérico en su ámbito, este año se han presentado a los premios FAD en sus diferentes modalidades un total de 498 obras, de las que 282 corresponden a la categoría de Arquitectura; 74 a la de Interiorismo; 37 a Ciudad y Paisaje; 58 a Intervenciones Efímeras y 47 a Pensamiento y Crítica.
La presidenta del jurado y arquitecta, Benedetta Tagliabue, ha valorado muy positivamente a Efe el nivel de todos los proyectos presentados y ha aseverado que lo han tenido difícil a la hora de emitir un veredicto, porque «todos eran muy buenos, bien presentados y muy cuidados».
Aunque el sector esté sufriendo la crisis económica de forma muy directa, Tagliabue ha sostenido que «no hay crisis de creatividad en la arquitectura» y ha agregado que, contrariamente, «se está viviendo una especie de renacimiento de la capacidad creativa».
Este galardón, con una larga trayectoria, se recuperó en el 2005, y reconoce el trabajo de las personas que sin ser arquitectos hayan contribuido a la divulgación y al conocimiento de esta disciplina.
Tras recibir el premio en presencia del alcalde de la ciudad, Javier Maroto, y de otros miembros de la corporación, Mariscal ha compartido su pasión por la arquitectura y la ha calificado de «fundamental» para el desarrollo de la humanidad.
«La arquitectura es algo que nos toca mucho. Siempre me ha fascinado mucho. Por supuesto, la buena arquitectura es la que hace que la vida nos cambie», ha opinado.
Para Mariscal, Premio Nacional de diseño gráfico 1999 y candidato al premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1996 y 1997, la arquitectura ha contribuido a que los ciudadanos «vivan mejor y más cómodos».
El autor de la mascota de los Juegos Olímpicos de 1992 ha puesto como ejemplo de la comodidad a la ciudad de Vitoria, hasta el punto que ha asegurado que «es un pecado vivir aquí de lo bien que se vive».
Ha reconocido que fue una «maravilla» ocuparse del diseño del restaurante Ikea de la ciudad porque supuso «poner una imagen a una cocina fantástica».
Mariscal ha alabado la figura del arquitecto alavés Justo Antonio de Olaguibel, en cuyo recuerdo se entrega el premio que ha recibido, del que ha destacado que supo «encontrar la unión entre lo moderno y lo antiguo».
El diseñador, creador del interiorismo del restaurante Ikea de Vitoria, se suma a una lista de galardonados donde ya están Follett o la catedral de Santa María.
El Centre Cívic de Guinardó lleva desde 1995 apostando por las propuestas de arte emergente a través del festival Stripart. Según los organizadores, se quiere acercar la creación contemporánea a todo tipo de espectadores, mostrando «lo que hoy es estudio e investigación, pero mañana puede ser tendencia».
Se trata de una muestra de jóvenes artistas dirigida a todo el que experimenta con lo que se han denominado «los nuevos lenguajes artísticos». Una gran exposición abierta a un amplio abanico de formas expresivas donde se mezcla pintura, fotografía, diseño, escultura, arquitecturas efímeras, poesía visual, instalaciones, acciones, performances, música y video arte.
En esta ocasión, cuando se celebran 16 años de esta cita artística, los coordinadores han seleccionado 89 piezas que podrán ser visitadas, durante 15 días, en más de 600 metros cuadrados de espacio expositivo.
La inauguración tendrá lugar el próximo sábado 2 de julio, a las ocho de la tarde. Durante el acto, se podrá disfrutar – todo gratuitamente – de la danza y el teatro de las compañías Bacantoh, Anticuerpos, del Colectivo Deria y Trinidad García Espinosa, de Elena Schiano, Simone Mück, Berta Fernández, y de las videoproyecciones de Laura Llaneli, además de la performance que ha preparado Projecte Binomi. Para finalizar la noche, se abrirá al público la piscina anexa al ritmo de DJ Khu.
El programa incluye cursos y talleres durante los días que dure Stripart. En su clausura, el 15 de julio, actúa la compañía Quimera, Jordi Soler y Sant Tabú, con el punto y final de la música de Nsista e Iiva.
El arquitecto Ricardo Legorreta es el primer mexicano en obtener el prestigiado Premium Imperiale 2011 y se suma a los 144 artistas que han recibido este galardón que otorga la Asociación de Arte de Japón, desde 1989.
“Es la primera vez que reconocen a México; sin México yo no hubiera podido hacer nada; este es un país maravilloso, un país de arquitectos, de artistas. Por eso digo que es un reconocimiento a este pueblo que es extraordinario, tenemos problemas muy serios pero en el campo de la arquitectura siempre hemos sido de primer orden”, dijo el arquitecto.
El arquitecto comparte el premio con su equipo de trabajo y con su hijo Víctor Legorreta.
2011年 第23回 建築部門 - リカルド・レゴレッタ Ricardo Legorreta
El arquitecto mexicano aseguró que el reconocimiento es para la arquitectura del país.
CIUDAD DE MÉXICO – El arquitecto mexicano Ricardo Legorreta (1931), quien el próximo 18 de octubre recibirá el Premio Imperial que otorga la Asociación de Arte de Japón, aseguró que ‘más que un reconocimiento a una persona, es a un país que ha tenido en toda su historia una arquitectura maravillosa’.
En entrevista, Legorreta expresó sentirse feliz y honrado por ser el primer mexicano en recibir este galardón, considerado uno de los de mayor prestigio a nivel internacional en el campo de las artes, con el que, dijo, hará una pequeña contribución a su país.
Asimismo, el creador del edificio de posgrado de la Facultad de Economía, de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), dijo aún no ‘digerir’ la noticia de ser merecedor de tan importante presea, pues sabe que solo los mejores son reconocidos por la Asociación de Arte de Japón.
Reiteró una enorme felicidad de recibir este premio, el cual detalló comparte con su equipo de trabajo, con su hijo Víctor Legorreta, quien ha influido en su trabajo, y con la sociedad mexicana.
Tokio, (EFE).- El arquitecto Ricardo Legorreta, el primer mexicano galardonado con el prestigioso «Praemium Imperiale» de Japón, aseguró hoy en Tokio que tragedias como la de marzo en el país asiático deben dar pie a una nueva arquitectura que «haga a la gente feliz».
En una rueda de prensa previa a la entrega de los galardones, que tendrá lugar mañana en la capital nipona, Legorreta expresó también su admiración por las «profundas raíces culturales» que tanto México como Japón conservan en la era de la globalización.
“La arquitectura mantiene una relación intima, entrañable con el paisaje, es indisociable de él. No es un objeto que pueda entenderse exento de su contexto natural”. Éste no es sólo un concepto; es un estilo, una forma de ver, de entender, de construir. Así lo percibimos luego de conversar con Eliana Bórmida quien presentó, junto a su estudio, la Guía de la Nueva Arquitectura del Vino.
Entonces se explica: “Llevamos una década haciendo bodegas. Por eso pensamos que sería interesante armar con todas ellas un camino del vino, con el primer objetivo que es mostrar todas las obras que representan a distintas marcas, todas diferentes entre sí, con su filosofía particular pero que dejarán, en el recuerdo de quienes las visiten, una imagen global, una superposición de todas, con los fragmentos de los momentos vividos en cada una que, en su conjunto, conformarán la imagen de la Mendoza vitivinícola”.
De esta manera la guía de Bórmida Yanzón Arquitectos ingresa en el turismo enológico vernáculo, marcando puntos, uniendo líneas bajo un concepto propio en la inmensa geografía mendocina en la que erigieron más de una docena de bodegas. Eliana reconoce que hay numerosas propuestas de caminos del vino, tanto desde agencias de turismo como de organizaciones que trabajan en la industria.
El techo de O Fournier sirve como sombrilla para la época de vendimia. LosAndes on line
Por ello nos propone una mirada diferente. “El visitante debe observar el paisaje porque el vino no se hace sólo en la bodega: se hace en la tierra. Surge de un buen fruto, nacido de un esmerado trabajo en los viñedos, en un territorio que tiene condiciones muy buenas para la vid. Nuestro circuito pretende colocar al visitante en contacto con el paisaje, que sepa que no sólo debe mirar el edificio porque ésa sería una mirada incompleta”.
“New Wine Architecture Guide” es una guía sobre la nueva arquitectura del vino, realizada por el estudio mendocino Bórmida & Yanzón. Reúne sus obras más destacadas.
Entradas anteriores en ArquitecturaS dedicadas a la Arquitectura del Vino:
Moneo hizo dormir las barricas, en Navarra, bajo madera
Peter Zumthor junto a la reina de Noruega presentando su último proyecto. | Reuteurs - ElMundo.es
En medio del Kensington Garden londinense, el arquitecto suizo Peter Zumthor ha diseñado para la Serpentine Gallery un pabellón minimalista de planta rectangular que encierra un jardín destinado a cultivar los sentidos y a la meditación.
Es una especie de gran contenedor de paredes negras y mates de madera en cada uno de cuyos lados hay tres entradas por las que se accede a un pasillo oscuro que rodea toda su estructura.
Desde ese pasillo se llega a través de cuatro aberturas al espacio central, un rectángulo a cielo abierto protegido parcialmente por aleros, que evoca el «hortus conclusus» (huerto cerrado) de los antiguos monasterios, un islote de tranquilidad, abstraído de los ruidos de la gran ciudad.
Los «horti conclusi» eran lugares en los que durante la Edad Media los monjes cultivaban sus plantas más bellas y las hierbas medicinas para curar todo tipo de males y que aparecen representados en pinturas y manuscritos de la época.
Se trata de una frase procedente del Cantar de los Cantares, de Salomón: «Un jardín encerrado es mi hermana, un jardín encerrado, una fuente sellada», frase que, en la tradición cristiana, se ha dedicado a la Virgen María.
Zumthor ha trabajado en el pabellón en estrecha colaboración con el holandés Piet Oudolf, conocido por los jardines que aprovechan la arquitectura natural de las plantas, escogidas siempre según su estructura, su forma, sus colores y otras características.
En un texto publicado con motivo de la inauguración del pabellón londinense, que estará abierto al público hasta el próximo 16 de octubre, Zumthor destaca su amor por la naturaleza y las plantas.
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